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En esta sección sólo se permiten exposiciones de Pintores Españoles. La forma de abrir una exposición es el autor con su fotografía y su biografía y los cuadros de la exposición con un tamaño no superior a los 800 píxeles.


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PICASSO (Pablo Ruiz Picasso)
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Post Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
El Picasso más nórdico visita Barcelona

Dinamarca presta hasta junio tres obras del último periodo del pintor que muestran la vitalidad del pintor hasta el final



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'El jugador de cartas II', una de las tres obras que el Museo de Arte Moderno de Dinamarca ha prestado a Barcelona temporalmente.

Tras las etapas azul, rosa, cubista, clásica, surrealista y expresionista, las obras que pintó Pablo Picasso entre los años cincuenta y setenta se engloban, tradicionalmente, en una especie de cajón de sastre en el que todo se parece. Pero no es así. La prueba, las tres obras que pueden verse hasta junio en el museo barcelonés del pintor; unas obras que jamás se han visto en esta ciudad y que dejan patente lo variado de la producción picassiana hasta el final y lo diverso de las fuentes que las inspiraron. Las obras, que llegan a Barcelona fruto de un intercambio con el Louisiana Museum of Modern Art de Dinamarca, representan, aunque solo sea por su ubicación actual, el Picasso más nórdico que jamás se ha visto en Barcelona. Mujer y tocador de aulos II, de 1956, Desayuno en la hierba (después Manet), de 1961 y El jugador de cartas II, de 1971, convivirán estos meses con la colección permanente del museo y, en especial, con algunos de los grabados en los que se tratan los mismos temas, dejando evidencia que Picasso los transfería de una técnica a otra de forma constante.


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'Mujer y tocador de aulos II', de Picasso. Museo Picasso de Barcelona

Tras la Segunda Guerra Mundial, la obra de Picasso se vuelve optimista, tal y como refleja su serie la alegría de vivir, de 1946, en la que abundan los faunos, centauros y parejas bucólicas, fruto de su contacto con el Mediterráneo. El 18 de abril de 1956 Picasso realizó tres pinturas y dos litografías con una temática parecida. Una de ellas es Mujer y tocador de aulos II, la primera de las tres obras que ha viajado desde Dinamarca, en la que aparecen estos elementos simplificados a líneas que nos evocan un idílico mundo pasado. Al lado, en una vitrina, uno de los grabados del museo que donó Jaume Sabartés, que recibía una prueba de artista de todos los grabados que realizaba Picasso, repite tema y casi composición.


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'Desayuno en la hierba', pintado por Picasso en 1961. Museo Picasso de Barcelona

Picasso mostró un gran interés por las obras de otros artistas. En 1950 inició las series en las que dialoga con obras maestras de la pintura. Famosas son sus Les femme d’Alger de Delacroix, Las Meninas de Velázquez —la única completa que se conserva en un museo, el de Barcelona, por expreso deseo de Picasso—, y Desayuno sobre la hierba, de Manet, un pintor que admiró desde joven. “Picasso no copiaba a los grandes, los miraba para generar un debate creativo”, explicó Malén Gual, conservadora del museo, delante de la versión picassiana perteneciente a una serie que el malagueño pintó entre agosto de 1959 y junio de 1961 y del que llegó a hacer 27 pinturas, más de 150 dibujos, seis grabados y 18 cartones. La pintura, que puede verse en Barcelona, muestra, según destacó Gual, solo al personaje de narrador (un alter ego del pintor) y las dos mujeres, anulando al otro hombre, además de cambiar el formato a vertical e inundarlo todos de verde, por la hierba.

La última de las obras es El jugador de cartas II, de 1971. En ella aparecen muchos de los símbolos picassianos: el hombre del sombrero es el viejo pintor, el mosquetero, el matador, además de las cartas y el jarro cubistas que pueblan sus obras. “La materialidad de la obra es enorme, con un montón de texturas, unas veces con un montón de capas de pintura y otras dejando ver la tela”, explicó Gual, que destaca la vitalidad del pintor “hasta el último momento”. A cambio de las tres pinturas el museo barcelonés presta 27 dibujos de juventud para la exposición Picasso before Picasso.


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El 'Arlequín', pintado por Picasso en 1917. Museo Picasso de Barcelona


El Picasso más nórdico visita Barcelona

Pocas veces es posible ver una gran pintura, tal y como la creó su artista. Ayer, el Arlequín de Picasso permanecía sin el marco y el cristal protector, preparado para ser fotografiado y analizado como nunca. La obra, y otras 10 del museo barcelonés del pintor, forman parte del proyecto Barcelona 1917, que arrancó ayer, con las obras que creó el malagueño, cuando acompañó a su enamorada Olga Khokholova, bailarina de los Ballets Rusos de Serge Diaghilev.

Arlequín, el bello retrato del bailarín Léonide Massine, parecía ayer vulnerable sin la coraza que lo protege de los cambios de humedad y temperatura. Hoy, cuando el museo ha abierto sus puertas, volvía a lucir su clásica belleza a todos los visitantes.



elpais.com
 




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Post Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Un retrato de la musa de Picasso vendido en Londres por 25 millones de euros

El óleo Tête de femme retrata a Marie-Thérèse Walter. La musa marcó la obra de Picasso durante la década de 1930



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El óleo 'Tête de femme', en el que Picasso retrató a Marie-Thérèse Walter

El óleo Tête de femme, en el que Pablo Picasso retrató a Marie-Thérèse Walter, la musa que marcó su obra durante la década de 1930, se subastó este miércoles en la sede londinense de Sotheby's por 18,85 millones de libras (25,29 millones de euros).

El retrato, pintado en marzo de 1935, fue la estrella de una sesión en la que también se vendió "La leçon de piano", de Henri Matisse, por 10,78 millones de libras (14,47 millones de euros), y "Le palais ducal vu de Saint-Georges Majeur", de Claude Monet, por 11,57 millones de libras (15,52 millones de euros).

También alcanzó 11,57 millones de libras (15,52 millones de euros), incluida la comisión de la casa de subastas, la escultura de Auguste Rodin "Iris. Messagère des dieux", cuyo precio estimado estaba entre los 6 y los 8 millones de libras (de 8,04 a 10,73 millones de euros).

La obra de Picasso subastada, una visión geométrica y elegante de Marie-Thérèse, destaca entre sus trabajos de mitad de los años 30, dado que anticipa los elementos lineales que definirán sus composiciones cubistas más tardías.

El genio malagueño utilizó además en ese óleo una paleta de colores que no se había visto hasta entonces en su obra, en la que los naranjas y rojos agudos se combinan con tonos verdes y azules más moderados.
Una etapa difícil de Picasso

Picasso vio por primera vez a Marie-Thérèse en una calle de París, cuando ella tenía 17 años y él atravesaba una etapa turbulenta en su matrimonio con Olga Khokhlova.

"Yo era una chica inocente. No sabía nada, ni de la vida ni de Picasso. Había ido a hacer unas compras a las galerías Lafayette y Picasso me vio saliendo del metro. Simplemente me agarró por el brazo y me dijo: 'Soy Picasso. Tú y yo vamos a hacer grandes cosas juntos'", relató Marie-Thérèse años después, según recoge el libro "Picasso and the Weeping Women".

La joven quedó embarazada en 1934, tras lo cual Picasso inició un proceso de divorcio y redujo su producción pictórica.
El retrato que se vendió en Londres es uno de los pocos cuadros que el español ejecutó en esa época difícil, en la que dedicó gran parte de su creatividad a la poesía.

Entre los 38 lotes que salieron a subasta, destacó además "La leçon de piano" de Matisse, una de las composiciones más valoradas del periodo que el artista pasó en Niza.

El maestro francés pintó en 1923 una escena protagonizada por Henriette Darricarrère, su modelo predilecta durante ese periodo, y sus dos hermanos menores, en su estudio de la plaza Charles-Félix.

Se subastó, asimismo, una de las vistas que pintó Monet en su fructífera visita a Venecia durante el otoño de 1908.
Monet, uno de los fundadores del impresionismo, captó desde un pontón flotante la fachada bizantina del palacio ducal y su reflejo en las aguas del Gran Canal.


RTVE.es / EFE
 




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Vendido por 25 millones de euros

El precio de la obra asciende a 18.85 millones de libras



Marie Therese Walter fue amante de Picasso con 17 años y se convirtió en la modelo de sus obsesiones eróticas. Uno de sus retratos, un busto en el que la nariz en un pene, ha llevado a los tribunales a Larry Gagosian y la familia real de Catar.




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La obra 'Tête de femme? [/b junta a 'Leçon de Piano'.

El óleo "Tête de femme", en el que el español Pablo Picasso retrató a Marie-Thérèse Walter, la musa que marcó su obra durante la década de 1930, se subastó en la sede londinense de Sotheby's por 18,85 millones de libras (25,29 millones de euros).

El retrato, pintado en marzo de 1935, fue la estrella de una sesión en la que también se vendió "La leçon de piano", de Henri Matisse, por 10,78 millones de libras (14,47 millones de euros), y "Le palais ducal vu de Saint-Georges Majeur", de Claude Monet, por 11,57 millones de libras (15,52 millones de euros).

También alcanzó 11,57 millones de libras (15,52 millones de euros), incluida la comisión de la casa de subastas, la escultura de Auguste Rodin "Iris. Messagère des dieux", cuyo precio estimado estaba entre los 6 y los 8 millones de libras (de 8,04 a 10,73 millones de euros).

La obra de Picasso subastada, una visión geométrica y elegante de Marie-Thérèse, destaca entre sus trabajos de mitad de los años 30, dado que anticipa los elementos lineales que definirán sus composiciones cubistas más tardías.

El genio malagueño utilizó además en ese óleo una paleta de colores que no se había visto hasta entonces en su obra, en la que los naranjas y rojos agudos se combinan con tonos verdes y azules más moderados.

Picasso vio por primera vez a Marie-Thérèse en una calle de París, cuando ella tenía 17 años y él atravesaba una etapa turbulenta en su matrimonio con Olga Khokhlova.

"Yo era una chica inocente. No sabía nada, ni de la vida ni de Picasso. Había ido a hacer unas compras a las galerías Lafayette y Picasso me vio saliendo del metro. Simplemente me agarró por el brazo y me dijo: 'Soy Picasso. Tú y yo vamos a hacer grandes cosas juntos'", relató Marie-Thérèse años después, según recoge el libro "Picasso and the Weeping Women".

La joven quedó embarazada en 1934, tras lo cual Picasso inició un proceso de divorcio y redujo su producción pictórica.

El retrato que se vendió en Londres es uno de los pocos cuadros que el español ejecutó en esa época difícil, en la que dedicó gran parte de su creatividad a la poesía.

Entre los 38 lotes que salieron a subasta, destacó además "La leçon de piano" de Matisse, una de las composiciones más valoradas del periodo que el artista pasó en Niza.

El maestro francés pintó en 1923 una escena protagonizada por Henriette Darricarrère, su modelo predilecta durante ese periodo, y sus dos hermanos menores, en su estudio de la plaza Charles-Félix.

Se subastó, asimismo, una de las vistas que pintó Monet en su fructífera visita a Venecia durante el otoño de 1908.

Monet, uno de los fundadores del impresionismo, captó desde un pontón flotante la fachada bizantina del palacio ducal y su reflejo en las aguas del Gran Canal.



La niña amante de Picasso: Marie Therese, quién fuera tu amor


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Marie Therese Walter.

Pablo Picasso pintaba o esculpía a su amante Marie Therese Walter con un pene en plena cara. En lugar de barbillla, el órgano sexual masculino colgaba sobre Marie Therese. En el lienzo El sueño, vendido por 125 millones de euros al financiero americano Steven Cohen, el pene divide el rostro de la joven francesa. María Teresa tenía 17 años cuando conoció al artista, de 45. Fueron amantes de 1927 a 1935, año en que nació Maya (80), y llegó Dora Maar. El malagueño cada 10 años cambiaba de mujer. La relación con Walter estaba dominada por el sexo, y así lo dejó él explicito en lienzos y esculturas.

Una de estas esculturas, Busto de mujer(María Teresa), de 1931, es el objetivo de un embrollado pleito judicial entre los dos compradores de arte mayores del mundo: el marchante americano Larry Gagosian, que actúa para un cliente de momento desconocido, y un jeque catarí representado por Guy Bennet y su firma Pelham Europe. El pleito se ha extendido de Nueva York a Francia y Suiza, donde se ramifican los implicados o las sedes registradas de compañías que representan los protagonistas y sus abogados.

A tenor de la documentación judicial, en noviembre del 2014 Guy Bennet, ex empleado de Christie's y marchante de arte, adquirió de Maya Widmaier-Picasso para el jeque catarí Jasmin bin Abdulaziz al Thani la escultura citada por 38 millones de euros a pagar en tres tramos . El contrato preveía que la pieza fuera recogida el día 7 de febrero del 2016 al cerrar la exposición del MoMA de Nueva York en la que se muestra el busto. Bennet pagó la primera y segunda parte del dinero y, al ir a pagar la tercera, se encontró con que el acuerdo de compra había sido cancelado por parte de Diana Widmaier-Picasso, hija de Maya y nieta del artista.

Diana vendió, con autorización de su madre, propietaria de la pieza, la escultura en mayo de 2015 por 90 millones de euros a Larry Gagosian revocando la transacción previa. El contrato preveía también tres fases para el pago. Las demandas judiciales de Guy Bennet y Larry Gagosian, conocido como Gogo, empezaron a acumularse en los juzgados enredando el asunto hasta la confusión. Mientras, la piedra con el busto de mujer y el pene de hombre permanece en la exposición de esculturas de Picasso en Nueva York hasta el 7 de febrero.

Sabine Cordesse, abogada de Maya y de Diana, aduce que la hija del artista "carece de capacidad mental para acuerdos de venta". Por consecuencia, están dispuestas a devolver el dinero entregado (dos tercios de 38 millones de euros), cancelar el acuerdo con Bennet y quedarse con el comprador Gagosian, que paga más del doble. El intrincado caso ha visto cómo la firma Pelham Europe ha pedido identificar al comprador que representa Larry Gagosian.

Todo apunta a que el 7 de febrero cuando acabe la exposición, el busto en litigio, no tendrá dueño y será el juez el que ordene el lugar de destino mientras las tres partes en litigio se aclaran o se lían todavía más. El comprador catarí es el marido de la jequesa Al-Mayassa al Thani, presidenta de la Autoridad Museística de Catar. Ella, la mayor compradora del mundo, no adquiere arte con connotaciones sexuales o religiosas. ¿Qué debe de tener previsto hacer el jeque con la lujuriosa escultura?


elmundo.es




elmundo.es
 




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Subastas de arte en Londres



Miguel Bosé logra 370.000 euros por sus ‘picassos’

El cantante consigue el doble de lo esperado con las cerámicas del pintor, vendidas en Christie's



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Fotografía de Miguel Bosé y Pablo Picasso.

Miguel Bosé ha superado cualquier expectativa con la venta más reciente de su colección de arte. El cantante acaba de embolsarse 285.750 libras (unos 370.000 euros) por la subasta de parte de su colección de cerámicas de Picasso. La venta tuvo lugar el 5 de febrero en una de las sedes londinenses de la casa Christie's y recaudó casi el doble de lo estimado.

Picasso mantenía una estrecha relación con los Dominguín-Bosé, que consideraba su enlace con la cultura española. Las piezas que constituyen la colección de Bosé fueron entregadas directamente a la familia.


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Uno de los platos decorado por Picasso, también subastado.

El cantante recuerda en una entrevista publicada por Christie's que el artista dejaba que él y su hermana Lucía dibujasen en su estudio en el sur de Francia y les intercambiaba sus pinturas por obras. De niño presenció el proceso de creación de alguna de las cerámicas: "Las pintaba y luego las horneaba", explica.

Bosé tenía esas obras expuestas en sus viviendas particulares, y a menudo las cambiaban de lugar. Sobre su cama todavía cuelga un dibujo de un toro con cuatro orejas, que el artista le regaló durante su infancia, mientras le decía que su padre (el torero Luis Miguel Dominguín) mataba toros con cuatro orejas, en lugar de dos.

Otro de los regalos de Picasso que Bosé recibió cuando era niño ha acabado siendo el tercer lote más valioso. El plato decorado con un tenedor y unos huevos fritos, conocido como Plat aux oeufs se vendió por 104.500 libras (alrededor de 135.000 euros), mucho más del precio estimado de 67.000 euros.


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'Gros oiseau', envase de cerámica pintado por Picasso en 1953. Christie’s

El cantante explicó a Christie´s la historia tras la cerámica: "Como no me gustaban los huevos fritos, él me hizo un plato de desayuno con unos dibujados junto a un tenedor. Cuando terminaba de comer los huevos reales, la sorpresa aparecía debajo. Lo hacía con todo tipo de objetos. Era mágico".

Bosé mantiene que pese a toda la magia, el mejor recuerdo del genial artista malagueño es que era una persona normal con hábitos de lo más corrientes. "Para mi siempre será Pablo. Así es como lo recuerdo", remata.

No está claro si Bosé guardará parte de su colección de arte para disfrute de sus cuatro hijos Diego, Tadeo, Ivo y Telvo. En diciembre subastó dos lienzos firmados pro Andy Warhol. Uno de ellos, Dollar Sign, que el cantante recibió del artista como regalo de cumpleaños, recaudó 475.500 euros.


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Una de las obras de Picasso de Miguel Bosé subastadas en Londres.



elpais.com / Christie’s
 




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500 millones de dólares por dos cuadros

Un gestor de fondos destroza los récords de arte al adquirir un ‘dekooning’ por 300 millones y un ‘pollock’ por 200 millones



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'Interchange' De Kooning y 'Number 17A' de Pollock. En primer plano, 'Interchange', de De Kooning. Detrás, 'Number 17A', de Pollock, en su sala en el Instituto de Arte de Chicago. Kenneth Griffin, destroza los récords al comprar 'Interchange' por 300 millones de euros y 'Number 17A' por 200 millones de euros... Ver vídeo

Kenneth Griffin, una de las figuras más poderosas en el mundo de las finanzas, acaba de convertirse en el protagonista de la compra de arte más cara de la historia. El fundador del fondo de cobertura Citadel pagó en otoño –la compra se hizo pública anoche- 500 millones de dólares (450 millones de euros) por Interchange (1955), un lienzo de Willem de Kooning, y por Number 17A (1948), de Jackson Pollock. El dekooning le supuso un desembolso de 300 millones y el pollock, los 200 restantes.

El dekooning, que hasta ahora era propiedad de la fundación David Geffen —de donde también procede el pollock— se habría convertido así en la obra de arte contemporáneo más cara nunca antes vendida, de acuerdo con los detalles revelados por las cadenas financieras CNBC y Bloomberg, y sería por tanto también la pieza de arte más valorada de la historia, igualada con Nafea faa ipoipo (¿Cuándo te casarás?), de Paul Gauguin, adquirida en febrero de 2015 por el mismo precio por Qatar. Los dos trabajos de los maestros expresionistas abstractos han sido cedidos por el magnate al Instituto de Arte de Chicago, la ciudad donde tiene su firma la sede, y allí están expuestos actualmente en la misma sala. En 1989 Interchange (1955) ya batió récords al ser adquirido por el coleccionista japonés Shigeki Kameyama por 20,6 millones de dólares en una subasta en Sotheby’s en Nueva York.

Griffin, a sus 47 años, es el gestor de fondos mejor pagado de Wall Street y su fortuna personal asciende a 7.400 millones de dólares. El pasado mes de septiembre realizó la mayor operación inmobiliaria en la ciudad de Nueva York, al comprar tres plantas en el rascacielos del número 220 de Central Park South. Pagó por la propiedad 200 millones. El fondo de cobertura, que maneja activos por valor de 26.000 millones, tiene entre sus asesores al expresidente de la Reserva Federal Ben Bernanke. Empezó en el mundo de las finanzas cuando estudiaba en la Universidad de Harvard. Seguía sus inversiones desde el dormitorio gracias a que logró que la dirección del centro le dejara instalar una parabólica. La última crisis financiera se llevó por delante más de la mitad de su fortuna, pero el agresivo inversor logró capear el temporal y ahora su fondo es uno de los que tiene mejor rendimiento.


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Ken Griffin en 2013.

La colección personal del magnate incluye una obra del artista alemán Gerhard Richter, por la que pagó 46 millones de dólares en una subasta celebrada hace ahora un año en Sotheby´s. Griffin es fideicomisario del Instituto de Chicago desde 2004 y dedicó parte de su fortuna a la ampliación del centro. El pasado diciembre donó 40 millones al Museo de Arte Moderno de Nueva York, en la que está considerada como una de las mayores contribuciones privadas a la institución. Griffin empezó a construir su propia colección privada hace dos décadas. Recientemente, sin embargo, advirtió de los riesgos que corre el mundo del arte, al decir que “se está convirtiendo en un mercado opaco dominado por especuladores y eso impide entender el valor futuro de la obras”.

l financiero hizo esta reflexión pocos días después de que Nu Couché, una pintura del artista italiano Amedeo Modigliani fuera subastada por 170,4 millones de dólares en Christie’s en noviembre del año pasado. El comprador fue Liu Yiqian, un multimillonario chino que empezó como taxista y vendedor ambulante para acabar especulando en el mercado bursátil y acumular una fortuna de casi 1.500 millones de dólares, según Bloomberg. Aquella adquisición se realizó vía telefónica en una puja que duró nueve minutos, y Liu Yiqian pagó la compra con su tarjeta American Express. “Lo hice así para acumular puntos y que la familia siga volando gratis”, respondió el millonario chino a The New York Times.

La compra que ahora protagoniza el magnate, que se negoció el pasado otoño por la vía privada, supera el récord de 300 millones de dólares que la Autoridad de los museos de Qatar pagó en febrero de 2015 por Nafea faa ipoipo (¿Cuándo te casarás?), de Paul Gauguin, considerada la compra de arte más cara de la historia y que estuvo expuesto en el Reina Sofía posteriormente, desde finales de junio a mitad de septiembre. Los Museos de Qatar ya había adquirido anteriormente Los jugadores de cartas, de Cézanne, por 250 millones de dólares.



Las obras más caras (hasta ahora)


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Nafea faaa ipoipo. Este gauguin fue vendido en una operación que ascendió a un total de 264 millones de euros. Es la obra de arte más cara en términos absolutos de toda la historia. Adquirido por la Autoridad de los Museos de Qatar.

Los jugadores de cartas. La familia real de Qatar adquirió en febrero de 2012 este conocido lienzo de Cézanne por 191 millones de euros.

Les femmes d’Alger. Christie’s adjudicó el pasado mayo en Nueva York este picasso de 160,8 millones de euros.

Nu Couché. Uno de los últimos trabajos de la corta carrera de Modigliani fue subastada en Christie’s en noviembre de 2015 y llegó a los 158 millones de euros.

...



Otras obras que han batido récord


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Paul Cézanne, 'Los jugadores de cartas'. Catar acaba de adquirir la pintura de Paul Cézanne 'Los jugadores de cartas' (1894-95) por 191 millones de euros (250 millones de dólares), lo que la coloca en el primer puesto de los cuadros más caros de la historia.


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'Desnudo acostado', de Amedeo Modigliani. La obra Nu Couché (Desnudo acostado) del italiano Amedeo Modigliani, fue subastada en Christie's por 158 millones de euros (170,4 millones de dólares), por lo que superó con creces el último récord del artista, que se situaba en 66 millones.  


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Gustav Klimt, 'Retrato de Adèle Bloch-Bauer' (1905): 104 millones de euros (subastado en 2006)


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Picasso, 'Desnudo, hojas verdes y busto'. El cuadro 'Desnudo, hojas verdes y busto' (1932), de Pablo Picasso, se subastó en 2010 en Christie's por 81,9 millones de euros.


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Picasso, 'Muchacho con pipa' (1905). Por el cuadro de Pablo Picasso pagaron 80 millones de euros (subastado en 2004)  


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Van Gogh, 'Retrato del doctor Gachet' (1890). Por el cuadro de Vincent van Gogh pagaron 63 millones de euros (subastado en 1990)


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Van Gogh, 'Los lirios' (1889). Por el cuadro de Vincent van Gogh pagaron 41,5 millones de euros (subastado en 1987)


elpais.com
 




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Casa Museo Picasso A Coruña



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Entrada al museo (la verdad la entada es poco agraciada, menos mal que la colección merece la pena)

Dirección: Calle Payo Gómez 14, Bj y 2. 15004 A Coruña
Coordenadas GPS: 43.3672,-8.407
Teléfono: 981 189 854

Horario:

    Casa Museo Picasso (segunda planta):

    Martes a sábado de 10:30 h. a 14:00 h. y de 17:30 h. a 20:00 h. Domingo y festivos de 10:30 h. a 14:00 h. (Es necesario pulsar el timbre)

    Exposiciones (planta baja):

    Martes a sábado de 12:00 h. a 14:00 h. y de 18:00 h. a 20:00 h. Domingo y festivos de 12:00 h. a 14:00 h.



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Interior Casa Picasso


CASA MUSEO PICASSO A CORUÑA

Acceso:

    El acceso es gratuito.
    Visitas guiadas previa solicitud en el Teléfono 010 ó 981 189 854 (museo)
    Grupos escolares previa reserva.

Fondos:

En la Casa Picasso se han reproducido 33 obras, de las cuales 4 son del padre y las demás del joven Picasso. Estas obras se han integrado dentro de la decoración de la casa, en las diferentes estancias de uso excepto en los dormitorios.

Hay óleos sobre lienzo, óleos sobre madera, dibujos a lápiz y a pluma, tintas, carboncillos y acuarelas.

Exposición permanente: Soño e mentiras de Franco.

Datos de interés:

    Fecha de inauguración: 18 de diciembre de 2002.
    Picasso vivió en la segunda planta de esta casa entre los años 1891 y 1895.


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Interior Casa Picasso
 

TIENDA CASA MUSEO PICASSO (cerrada al público temporalmente)

Dirección: Calle Payo Gómez nº 14 Bj. C.P. 15004 A Coruña

Teléfono: 981 184 200 - 981 189 854 (museo)

Su web

Horario: martes a sábado de 10:30 h. a 14:00 h. y de 17:30 h. a 20:00 h. Domingo y festivos de 10:30 h. a 14:00 h.

Datos de interés: Fecha de inauguración: 20 de junio de 2013.


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Interior Casa Picasso



Fuentes: coruna.es, elverticecorunes.com
 




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El Museo Picasso de A Coruña muestra una obra nunca expuesta del pintor

El centro presenta 'Retrato de hombre viejo', un cuadro de la etapa juvenil del autor



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Dos visitantes de la Casa Picasso de A Coruña observan 'Retrato de hombre viejo'.

La Casa Museo Picasso de A Coruña expondrá desde mañana viernes, y hasta el 22 de abril, una obra inédita y nunca expuesta del artista malagueño, según ha explicado el coordinador de proyectos de Arteca, Francisco Muiños. Se trata de la obra Retrato de hombre viejo, perteneciente a una colección privada.

Según ha explicado a Europa Press, el coordinador de proyectos de Arteca, es una obra que Picasso realizó cuanto tenía unos 14 años, entre finales de 1894 y 1895, y que supone "una de las últimas obras que pintó en A Coruña", ciudad donde residió durante unos años junto a su familia.

Además, ha precisado que la obra fue comprada por el abuelo de la actual propietaria y que, tras su paso por Estados Unidos, se encontraba en París. Ahora, y de forma temporal, hasta el 22 de abril, podrá verse en la Casa Museo Picasso de A Coruña, tras la inauguración oficial este viernes, a las 20,00 horas.

Sobre la obra, Francisco Muiños ha señalado que se trata de una temática que "Picasso desarrolló mucho cuando era pequeño". Sobre la localización del cuadro, ha dicho que responde a una labor de investigación que culminó con la localización de la propietaria.

Las empresas Arteca y Art & Projects presentan esta obra coincidiendo con el 121 aniversario de la primera exposición de Picasso en la ciudad herculina.

La iniciativa se encuadra, además, en el ciclo Obra invitada, consistente en la exposición pública de una pieza artística de relevancia en el Espacio Cultural de la Casa Picasso.

El ciclo arrancó el pasado año con la muestra del óleo sobre lienzo La alternativa. La exhibición de esta obra de la etapa coruñesa del andaluz atrajo a más de 3.000 personas entre el 27 de noviembre y el 11 de diciembre del año pasado.


elpais.com
 




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El MNAC comienza a ver la luz

Picasso, el divino Morales, y la donación de arte medieval de Antonio Gallardo, en una temporada que aumenta un 36% la dotación para programación



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'Busto de hombre', de Picasso, de 1907.

Después de cuatro años como director del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) Pepe Serra hizo ayer algo que no había hecho hasta ahora: Explicar las exposiciones que podrán verse este año y avanzar las de 2017 y 2018; un signo que Serra interpreta como síntoma de que un museo funciona con normalidad y que cuenta con proyectos bajo el brazo. El mandato de Serra comenzó con el inicio de la crisis que ha llevado al primer museo catalán a contar con el presupuesto más bajo de su historia. “El museo es como un atleta que ha perdido musculatura pero sigue entrenando”, le gusta decir a Serra. Por suerte, la situación, tras tocar fondo, comienza a cambiar.

La temporada de este 2016, que ayer se presentó y que tiene como nombres destacados a Picasso, el divino Morales o la donación de 20 obras medievales que ha realizado el coleccionista Antonio Gallardo, contará con un presupuesto para programar exposiciones de 1,1 millones de euros, un 36% más que el año anterior. “Sigue siendo una cifra muy contenida pero es la prueba de que con muy poco más se puede hacer mucho más”, puntualizó Serra.  

Ayer, además, la presentación contó con la presencia, al final del acto, del nuevo consejero de Cultura Santi Vila, que tras asegurar que “el MNAC es el buque insignia de la cultura catalana, que cuenta con la mejor colección de pintura mural del mundo, que hay que conseguir que se conozca en cualquier punto del planeta”, dejó claro el respaldo incondicional de su departamento al centro, verbalizando que la dotación presupuestaria debe mejorar para dar respuesta a este programa.


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Compartimentos de la predela con Santa Caterina de Alexandria y Jesucristo, de Lluís Borrassà, de la dacción de Gallardo.

Serra presentó las exposiciones que se verán a lo largo del año y que terminarán con la gran apuesta para esta temporada cuyo protagonista será Picasso y sus afinidades con el arte románico, que comportará el desembarco de 40 obras del malagueño procedentes del Musée Picasso de París. Según Juan José Lahuerta, jefe de colecciones del MNAC y comisario junto a Emilia Philippot de la muestra pone el foco en varias fechas. “En 1906, Picasso se instala en Gosol, en el Pirineo, año en que coincide con el descubrimiento del románico; y 1934, el pintor visitó las colecciones de arte románico del que hoy es el MNAC”. Una visita que le llevó a exclamar aquello de “Esto es lo mío”. La exposición, que podrá verse (desde noviembre) en las salas dedicadas al románico, mezclando picassos y pintura mural “pero sin establecer una relación mecánica entre unas obras y otras, sino mostrar afinidades, que no siempre se han mostrado”, girará en torno a la obra de la Virgen y el Niño de Gosol, que Picasso vio durante su estancia en la localidad y que conserva el MNAC, la crucifixión y la calavera, dos temas que el pintor trató en varias de sus obras.


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Una de las sombras chinescas de Ramon Casas. MNAC

Antes podrán verse dos exposiciones de primer nivel. La primera (desde marzo) formada por las 20 obras donadas por Antonio Gallardo "una de las más importantes realizadas en la historia del museo", según Serra, que a partir de julio se integraran en la colección permanente. "Es un ejemplo a seguir para garantizar el crecimiento de las colecciones", prosiguió. La otra, a partir de junio, es una coproducción con el Prado sobre Luis de Morales, conocido como el Divino, un pintor del siglo XVI del cual se han reunido 50 obras (dos del MNAC) fruto de un exhaustivo estudio sobre este artista. Otra de las coproducciones de la temporada es la realizada con el Museo Nacional de Varsovia que permitirá exponer las fotografías realizadas en 1933 en Barcelona por Marianne Breslauer. El MNAC también tendrá una retrospectiva dedicada a Ramon Casas durante su 150 aniversario, pero la hará en los museos de Sitges, uno de los 18 museos de arte catalanes con los que colabora. Además, en las salas de arte moderno se verá desde junio obra gráfica inédita del artista y nueve sombras chinas dibujadas por Casas que se acaban de integrar en la colección del museo.


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Detalle de la pintura románica del Maestro de Sorpe.


Lluïsa Vidal y Smith

El MNAC seguirá con su labor de recuperación de olvidados del canon del arte. Este año, tras las muestras de Casagemas, Tapiró y Gosé (prorrogada hasta el 3 de abril), le toca el turno a Lluïsa Vidal (desde septiembre); la única mujer pintora profesional del modernismo catalán. La comisaria es Consol Oltra, que lleva años reclamando su puesto en la historia del arte catalán. También se revalorizará (desde de noviembre) a Ismael Smith, un autor inclasificable, de la mano de Josep Casamartina, mostrando sus esculturas, dibujos, proyectos de monumentos, grabados, joyas y ex libris, una actividad que le llevó a ser reconocido en Estados Unidos.

Otro de los empeños de Serra es que el MNAC viaje, y que esté presente en otros lugares, más allá de Montjuïc. En septiembre, el museo presentará parte de su fondo modernista en Brasil y al mes siguiente obras de Fortuny volarán hasta la Alhambra de Granada. "Es otra forma de aportar recursos", explicó el director.


Dalí, protagonista en 2018 del museo nacional, de la mano de Gala

En plena polémica sobre la retirada o no del nombre de Salvador Dalí de una plaza de Madrid, por su vinculación al anterior régimen, y la ausencia en el callejero barcelonés, donde es difícil seguir el rastro del pintor en la ciudad con la que tuvo una fuerte vinculación familiar y afectiva, el MNAC —que cuenta con tan solo cuatro obras menores del artista— apuesta por normalizar esta relación con la celebración en 2018 de una gran exposición sobre Dalí y su musa Gala. La comisaria es la especialista Estrella de Diego y la coproducirá junto a la fundación Gala Salvador Dalí de Figueres. Ayer, durante la presentación de esta temporada, Serra dijo que la muestra “permitirá revisar el personaje desde un punto de vista original e inédito, una oportunidad única y sorprendente”.

Con respecto a la ampliación del MNAC en uno de los pabellones de la Fira, el consejero Vila fue claro ayer: “En momentos anteriores quizá se pecó de exceso de ambición, pero ahora sí se dimensiona bien el proyecto se podrá desencallar”, aseguró tras remarcar que había encontrado buena sintonía sobre este aspecto con los responsables municipales, algo que Serra también confirmó.

Serra también anunció que en 2017 habrá una exposición de Annible Carracci, en coproducción con el Prado, y que tendrán muestra el enigmático Pere Torné i Esquius y la pintora polonesa Mela Muter. En 2018, además de Dalí se podrá ver una exposición coproducida con el Victoria and Albert Museum de Londres sobre Arts and Crafts.


elpais.com
 




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Lo publica en su perfil de Twitter el Reina Sofía


Pierce Brosnan desata la polémica con una foto delante de 'El Guernica'


"Hoy nuestro "Guernica" ha recibido una visita de cine... La de Pierce Brosnan", ha escrito el Museo Reina Sofía en Twitter

La fotografía ha causado una gran revolución en las redes sociales, ya que está prohibido realizar fotografías delante de la obra




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Pierce Brosnan, ante 'El Guernica', en el Reina Sofía.

El actor irlandés Pierce Brosnan visitó este miércoles la exposición del pintor Ingress en el Museo de El Prado y el Reina Sofía, donde se fotografió ante el Guernica de Pablo Picasso. El actor de cine colgó en Instagram una foto tras su visita al Prado y el Reina Sofía hizo lo mismo en Twitter. "Hoy nuestro "Guernica" ha recibido una visita de cine... La de Pierce Brosnan", fue el mensaje que el Reina Sofía tuiteó en su perfil oficial acompañado de la foto del actor frente a la conocida obra del artista malagueño.


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El comentario del Reina Sofía desató reacciones de usuarios de la red social, muchas de ellas críticas por permitir hacer fotos de la obra. "@museoreinasofia @PierceBrosnan fotos en sala no, a ver si aprendemos, por mucho Pierce Brosnan que haya...", "@museoreinasofia @PierceBrosnan mmmm... Y la igualdad? Cuando estuve ahí a mí no me dejaron sacar una foto", son algunos de los comentarios de usuarios en Twitter.

Debido a las quejas, el Reina Sofía hizo público un comunicado en su perfil de Facebook en el que ha pedido disculpas por el malestar de los usuarios y ha explicado que la polémica fotografía es "una acción de comunicación" como "otras muchas similares realizadas a lo largo de la historia" del museo. "Se trata de una iniciativa que busca potenciar el conocimiento de la obra y del museo, tanto dentro como fuera de España, y de aprovechar la oportunidad que nos brinda que una persona del mundo de la cultura haya decidido visitar el Reina Sofía durante su estancia en Madrid", ha indicado la institución.


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Pierce Brosnan, en el Museo del Prado. FACEBOOK

Asimismo, en el comunicado se explica que "la fotografía se realizó, de manera excepcional, con un móvil y sin interferir, en absoluto, en la visita del público que se encontraba en la sala". El Reina Sofía ha recordado, además, que la decisión de no dejar al público realizar fotografías delante de la obra de Picasso fue "tanto por motivos de conservación (los flashes) como por las constantes y múltiples quejas del propio público, ante la avalancha de cámaras móviles levantadas o grupos posando". Y ha añadido que el museo permite hacer fotografías en el 90 por ciento de sus espacios.

Por su parte, el actor, de visita en Madrid, colgó en su perfil de Instagram otra fotografía en el exterior del Prado donde acudió a visitar la exposición de Jean-Auguste-Dominique Ingres. El actor no dudó en ensalzar en la red social la obra del pintor francés. "The Prado... Madrid... Una exposición asombrosa de la obra de la Ingress", ha escrito Brosnan. El mensaje del actor que encarnó al agente 007 no tardó tampoco en generar reacciones en Instagram, pero esta vez positivas, invitándole a visitar la Alhambra de Granada y los cuadros de Velázquez y Goya que se exhiben también en el Prado.


elmundo.es
 




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Picasso y las ‘Lollipops’

La conversión del pintor malagueño en icono de la cultura popular revela el énfasis en la celebridad y el culto a la obra maestra



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Pablo Picasso y su modelo Sylvette David, en 1954. François Pagès / Colección Paris Match (Getty)

Hace unas semanas, las redes sociales han difundido una curiosa imagen del cantante de hip-hop y ganador de 21 Grammy, Kanye West. Su esposa, Kim Kardashian, lo retrató dormido en el salón de su casa, despatarrado y con la boca abierta. La imagen no tardó en salir disparada desde su cuenta de Instagram, lo que provocó más burlas que admiración, sobre todo porque una semana antes el rapero de Atlanta había lanzado The Life of Pablo, del que había dicho, en un ataque de egolatría, que era “el mejor disco de todos los tiempos”.

   El espectáculo debe continuar. Y en ese show son escasos los nombres que suenan a gloria: Leonardo, Einstein, Picasso, ¿Jobs?…

¿A qué Pablo se refiere el título del álbum? ¿Al apóstol mixtificador del mensaje cristiano? ¿Al mejor artista del siglo XX? En las letras —“Me siento como Pablo cuando estoy trabajando en mis zapatos / me siento como Pablo cuando me veo en las noticias”—, Kanye West no sólo se compara con Picasso, también con Steve Jobs (“decidme qué genio no fue un loco”). Su embestida megalomaniaca es formidable y desvergonzada, a la altura de la que exhibió el artista británico Damien Hirst el mismo día de la caída de Lehman Brothers, el 15 de septiembre de 2008, cuando vendió por subasta directa un importante lote de su obra, saltándose a su galerista Larry Gagosian.

Fuera o no Picasso la fuente de inspiración de West —el rapero aclaró posteriormente que el disco estaba dedicado a su amigo filósofo Pablo Pérez (¿?)—, lo que la noticia revela es que el énfasis en la celebridad y el culto a la obra maestra se mantienen como estrategias para retener la lealtad de un número de seguidores sin precedentes. Cuando apenas queda ni un picasso libre en circulación, cuando los museos han convertido sus jardines de esculturas en parques de atracciones, el espectáculo debe continuar. Y en ese show son escasos los nombres que suenan a gloria: Leonardo, Einstein, Picasso, ¿Jobs?…

 

—No puedes entrar con el barco en el museo.

—A lo mejor sí que puedo.

—Mejor juegas con él cuando vayamos a Central Park. Aquí no tienen ningún lago.

—Pues deberían tenerlos.


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‘Lovers and Lollipops’ (1956)

En el filme Lovers and Lollipops (amantes y piruletas), hay una escena donde la bella y extravagante viuda Ann (Lori March) entra con su hijita y su nuevo novio en el MOMA de Nueva York. La pequeña burla al vigilante de la entrada y se cuela en las salas del museo llevando en volandas un barco de vela de juguete. Navega entre lipchitzs, brancusis y picassos, hasta que mira por la ventana del segundo piso y se da cuenta de que ahí abajo hay una pequeña charca enmarcada por peñascos de formas sinuosas. Henry Moore, Kolbe, Lachaise y Maillol serían los vigías de su rebelde bajel, así que lo echa al pequeño estanque ante el enfado de los cuidadores. Un falso plano secuencia inmoviliza nuestra mirada desde el patio de esculturas del MOMA hasta uno de los lagos del Central Park, donde, esta vez sí, la nave se dejará mecer en las seguras y maternales aguas. La secuencia de la pequeña Peggy aleteando su infancia por las salas de la pinacoteca es de una gran sofisticación formal. Sus promotores fueron una pareja de cineastas independientes, Morris Engel y Ruth Orkin, que comprendieron que los resentimientos de la esplendorosa América, castigada durante un lustro por el macartismo, podían ser canalizados a través del arte.

En efecto, el tema patriótico era el arte moderno en una sociedad que comenzaba a consumir idealización y propaganda a partes iguales. Los estadounidenses dejaron atrás la cultura de los alerones y el déco. Necesitaban la velocidad del pigmento y un sentimiento del arte como espectáculo. Lo encontraron en la figura de Jackson Pollock. No fue un descubrimiento, sino una creación del propio sistema, que no tardó en reiniciar la máquina de producción de imágenes del artista, sobre todo en revistas de moda. El fotógrafo Hans Namuth lo retrató en su estudio de Springs en plena danza tribal sobre un gran lienzo colocado en el suelo. Pollock había abierto la pintura a las condiciones de la gravedad, pero cada vez que se colocaba frente a sus criptopaisajes a punto de estampar su firma, sentía el aliento de su admirado Picasso en el cogote: “Ese jodido pintor ya lo hizo todo”, pensó.


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Una de las caricaturas en tinta china de la serie que Pablo Picasso dedicó a su amigo Jaume Sabartés a partir de un recorte de una pin-up. Museo Picasso

Y así era. Pollock llevaba el fracaso incorporado a su pintura, al contrario que Picasso. El campeón del expresionismo abstracto murió en 1956, justo el año del nacimiento del arte pop de la mano del artista inglés Richard Hamilton y su pequeño collage Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? (¿qué es lo que hace a los hogares de hoy tan diferentes, tan atractivos?). Esa obra descubre el espacio doméstico típicamente americano: justo en el centro hay un enorme chupa-chup que un culturista coloca oportunamente al lado de su hinchado muslo, a modo de pene. Hay más elementos que caracterizan la nueva cultura popular: una mujer bien dotada con pechos de lentejuelas, un adorno del capó de un automóvil Ford estampado en una lámpara, una lata de jamón colocada sobre una mesa como si fuera un jarrón y una pintura de goteo de Pollock que adopta la función de alfombra mod. ¡El gran Pollock pisoteado por la publicidad el mismo año de su muerte!

Por aquellos meses de 1956, Picasso había instalado su estudio en La Californie, una villa del siglo XIX en las colinas que dominan Cannes. El pintor estaba viviendo su época más colorista y pop, con la Tauromaquia, Las mujeres de Argel, Las bañistas, los retratos de sus hijos jugando en el estudio y los de su compañera, Jacqueline Roque. También había una joven modelo, una rubia con cola de caballo llamada Sylvette David. De aquellas pinturas se difundieron miles de reproducciones. Picasso había entrado en las leoneras de los adolescentes, que colgaban sobre el empapelado sus pósteres como si fueran de estrellas de rock. Él mismo había realizado unas composiciones burlescas con recortes de revistas de moda de pin-up girls, en las que dibujaba a tinta china caricaturas de su buen amigo Jaume Sabartés.

Picasso murió a los 92 años, después de disfrutar de una vejez extraordinariamente vigorosa y creativa. Había presenciado el nacimiento de la cultura de masas, el auge y caída del pop art y de otras corrientes artísticas que él mismo había anticipado décadas antes, como el minimal y el povera. Fue el primer moderno que descubrió que el arte y las imágenes que generaba eran una herramienta de poder. Han pasado 60 años desde la primera entrada de los chupa-chups en el museo. En todo ese tiempo, el MOMA ha tenido unas cuantas ampliaciones.

   Picasso había entrado en las leoneras de los adolescentes, que colgaban sus pósteres como si fueran de estrellas de rock

Hay demasiados pintores, arquitectos, estrellas de rock y de cine a los que se les cuelga alegremente la etiqueta de genios y son millonarios sin apenas haber llegado a la cincuentena. Todo ocurre rápido. Tenemos la impresión de que la fama, el poder y el dinero corrompen las mentes más brillantes, pero no es más que una mentira piadosa. Picasso tuvo todo eso con menos de 40 años, y nada, ni la guerra, pudo pararle.

La muerte de Picasso el 8 de abril de 1973 puso fin a toda una época en el arte. Pocas horas después de publicarse la noticia de su desaparición, la ciudad de Nueva York inauguraba el complejo World Trade Center. Esas Torres Gemelas fueron derrumbadas en el ataque terrorista el 11-S, un instante en que la primera potencia mundial giró verdaderamente hacia el espectáculo del fin del mundo, la eutanasia del arte por sí misma. Fue el día en que la joven América supo ser histórica. Y todo comenzó con un chupa-chup.


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En el Museo Picasso Málaga


Picasso abre los ojos ante sus musas

Una exposición aborda la representación de la mirada en el arte picassiano, con especial atención a las obras en las que tomó como modelos a sus amantes



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Dos obras de la serie 'Retrato de mujer con sombrero de borlas y blusa estampada'. CARLOS DÍAZ

Si alguien se pusiera a contarlos, quizás serían millones los testimonios de una mirada distinta que dejó en todo los aspectos de su existencia el irrepetible Pablo Picasso (1881-1913). Poco se le resistió de todo aquello a lo que, en el arte y en la propia vida, le puso el ojo. Como aquel día en el que le echó su primera mirada en un café parisino a Dora Maar, quien quizás sea la musa del artista con una presencia más contundente en la exposición 'Juego de ojos', que acaba de inaugurar el Museo Picasso Málaga.

Eso sí, en las 44 obras poco conocidas de la colección de la pinacoteca que se muestran ahora para abordar la representación de la mirada en el arte picassiano, están Dora Maar y todas las demás. Con presencia mayoritaria de la temática femenina entre los dibujos, esculturas y cerámicas que se exponen, hay sobrados ejemplos de cómo Picasso abrió sus ojos para crear a través de las miradas de aquella fotógrafa, de Fernande Olivier, Olga Khokhlova, Jacqueline Roque, Francoise Gilot o Marie Therese Walter.

Y, además, como punto de partida cronológico de la muestra irrumpe una pieza en la que Picasso creó a partir de sus propios ojos. Los del creador aún joven que en el París de 1917 firmó el autorretrato 'Los ojos del artista', emblemático para la pinacoteca malagueña hasta el punto que ilustra sus entradas y no extraña ver a sus visitantes colgando en redes sociales 'selfies' en los que acercan los ojos de Picasso a los suyos.


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Un espectador junto a 'Los ojos del artista', autorretrato a lápiz realizado por Picasso en París en 1917.

Esta omnipresencia del tratamiento de la mirada en la obra picassiana adquiere otras dimensiones a través de una selección de libros ilustrados por el artista. Entre ellos, puede admirarse cómo se regodeó para una portada de la revista 'Verve' en los ojos de la jábega -la embarcación típica malagueña-, o el empleo de un grabado con los rasgos de Francoise Gilot como ilustración de un volumen de sonetos de Petrarca.

Además, el recorrido se completa con medio centenar de instantáneas del Fondo Fotográfico Roberto Otero, que forma parte del patrimonio del Museo Picasso y ofrece un testimonio de los últimos años de la vida del artista a través de la mirada que le prestó, a través de su cámara, el reportero argentino Roberto Otero (Trenque Lauquen, Buenos Aires, 1931-Palma de Mallorca, 2004).

A lo largo y ancho de este itinerario expositivo, que estará vigente hasta el 11 de septiembre, la pinacoteca abre una reflexión en torno a un genuino uso de la mirada en el legado de Picasso que el experto en su obra David Gilmore pone en relación con sus raíces del sur español: «Si a un andaluz le hablas de algo valioso, desea verlo, quiere echarle un ojo. Para expresar que algo es bueno o verdadero, señala su ojo con el dedo: necesita verlo para experimentarlo, para sentirlo... Cuando un andaluz se fija en una cosa con la mirada, se apodera de ella. Sus dedos son como ojos que agarran y tientan... La 'mirada fuerte' implica curiosidad, hostilidad y envidia. Pero el componente sexual también está presente... El brillo de los ojos es altamente erótico...».


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Post Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
cimg0615_1458261827_230698 Hola, estoy haciendo en madera (taracea) un cuadro de Picasso que vi en algún sitio y no se su nombre. El cuadro es una interpretación de Picasso. ¿Alguien sabe como se llama?  Gracias anticipadas. (no soy capaz de subir la foto)
 



 
priaranza Send private message
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Post Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Bienvenida al foro Priaranza. El cuadro que presentas es una versión de 'El velador' a continuación te pongo la imagen.


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Picasso - El velador. 1920. Aguada y acuarela sobre papel. 26.7 x 21 cm. Colección particular.



 

Saludos.
 




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Post Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Muchisimas gracias. ¿Crees probable que Picasso hiciera mas tarde una versión de este cuadro como ha hecho con otros?. (Por cierto en el que yo he subido, la línea vertical recta no estaba en el cuadro, se me coló)
Saludos.  [smilie=muyfeliz.gif][img]
 



 
Last edited by priaranza on Friday, 18 March 2016, 16:26; edited 3 times in total 
priaranza Send private message
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Post Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
J. Luis, gracias a tu información he navegado un poco y he dado con el cuadro.
Pablo Picasso
Personaje con guitarra
1920
Gouache sobre papel
27 x 21 cm
Colección particular
Foto: Gasull Fotografia
personaje_con_guitarra_picasso
 



 
priaranza Send private message
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Post Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Priaranza, me alegro que hayas encontrado el cuadro que buscabas. Como ves, aquí o el resto de hilos del foro puedes participar siempre que quieras, además hay una sección que se pueden publicar manualidades.




 

Saludos.
 




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Last edited by j.luis on Friday, 18 March 2016, 18:30; edited 1 time in total 
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Post Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Gracias, ya subiré algún trabajillo.
Saludos
 



 
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Post Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
Otro 33 para Banderas: hará de Pablo Picasso

El actor aseguró en México que tiene un acuerdo de palabra para "33 días", cuya producción está detenida desde 2014.



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Antonio Banderas con Sarah Fergurson.

Antonio Banderas de paso por México en el marco de la gala Starlite, uno de los shows benéficos más importantes de Europa, dejó varios títulos en los minutos que habló con la prensa de ese país.

El también productor confirmó que ya tiene un preacuerdo con un empresario para lograr concluir la película 33 días, en la que interpretará al pintor Pablo Picasso.

Según diferentes medios, explicó que una persona importante, quien ha invertido en películas dentro y fuera de México, y a la que prefirió no identificar, hará la "aportación final" para poder finalizar dicho filme, cuya producción está detenida desde 2014.

Banderas enfatizó que él no es el productor de la película, pero que decidió involucrarse en el financiamiento porque es un filme que le interesa.

La cinta mostrará el proceso de Picasso mientras realizaba la famosa pintura "Guernica".

Justamente su última película "Los 33", la película que relata el calvario que sufrieron los mineros chilenos atrapados tras un accidente en 2010.


diariouno.com.ar
 




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Post Re: PICASSO (Pablo Ruiz Picasso) 
 
PSICOLOGÍA


Por qué los sabios viven más

Picasso o la Nobel Levi-Montalcini son famosos longevos que crearon hasta el final.

Una clave es la genética, pero ser optimista (y otras actitudes) influye más de lo que suponemos.




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Pablo Picasso (1881-1973).

¿Qué tienen en común Miguel Ángel, Verdi o Picasso? No solo les une la genialidad. Los tres vivieron muchos años y estuvieron creando hasta el final de sus vidas. Miguel Ángel, en su novena década, proyectó la cúpula de San Pedro. Verdi, con 80 años, compuso Falstaff, una de sus mejores óperas. Picasso siguió trabajando de modo incansable prácticamente hasta el día de su muerte. Hay muchos más referentes de famosos longevos que dieron guerra hasta el final. Como el francés Stéphane Hessel, que con 93 años escribió ¡Indignaos! (Destino, 2011), que tanta repercusión tuvo en la sociedad, especialmente entre los jóvenes, y cuyo prólogo escribe el abanderado del movimiento 15-M, José Luis Sampedro, escritor y economista que murió a los 96 años; o la superviviente más longeva de los campos de exterminio nazi, Alice Herz-Sommer, que vivió 110 años y nunca dejó de tocar el piano. El arquitecto brasileño Oscar Niemeyer siguió en activo siendo centenario; la bailarina Martha Graham realizó, con 90 años, la coreografía de La Consagración de la Primavera, de Stravinski; la científica italiana Rita Levi-Montalcini, Premio Nobel de Medicina, siguió investigando con 100 años; o el portugués Manoel de Oliveira, director y productor de cine, que murió el año pasado a los 106 años, rodó un año antes su última película. Increíble, ¿no?

Según la filóloga y coach Gloria Méndez, no hace falta poseer cualidades especiales para tener una vida plena: “Es totalmente democrático, no hay excepciones. Todo el mundo puede hacer que su vida tenga más vida dentro de ella. Estar 100% vivo depende únicamente de uno mismo”. El psiquiatra Jesús Fraiz ha recopilado a lo largo de más de 20 años de estudio una base de datos documental de aproximadamente 6.000 famosos centenarios.

A la pregunta de cuál es el secreto de vivir una larga vida, Fraiz responde que, aunque influyen los hábitos de vida saludable, la genética y la medicina, lo más común en todos ellos es la resiliencia (capacidad de sobreponerse), mantenerse activo el máximo tiempo posible, el optimismo y un fuerte sentido del propósito en sus vidas. “Hay gente que a los 70 años comienza a pintar, escribir, hacer fotografía, pasear por el campo… Tiene que ver con las inquietudes. Muchos se mueren porque no saben disfrutar. Y después hay casos de gente a la que le toca vivir situaciones tremendas y, sin embargo, logra salir adelante como los centenarios que he investigado y que estuvieron en campos de concentración. La sola esperanza de salir de allí era un acicate para ellos. Como si se dijeran ‘hoy no me rindo, quizás mañana o pasado, pero hoy no”.

La vida siempre sigue

Independientemente de lo larga o corta que sea la vida de cada uno, la filósofa y asesora Mónica Cavallé apunta que quienes viven la vida en toda su amplitud son aquellos que están movidos por el amor, no por el miedo; los movidos por el afán de crecer, de aventurarse y de descubrir; quienes asumen que las ganancias y las pérdidas son indisociables del hecho de estar vivo y han experimentado el poder transformador de las pérdidas; quienes persiguen su felicidad personal, pero que también se entregan a valores y causas más grandes que ellos mismos. Y quienes son espiritualmente ricos y no temen el paso del tiempo, y dejan ir con elegancia todo aquello que los años se llevan consigo.


Un caso poco común

Cuando el psiquiatra Jesús Fraiz visitó al menorquín Joan Riudavets, que con 114 años ostentaba entonces el récord de ser la persona más longeva del planeta, esperaba encontrárselo postrado en la cama. Sin embargo, estaba sentado frente a una mesa camilla leyendo el periódico y pidió ponerse la chaqueta para la foto (no quería salir en bata). Le contó que a los 90 años los médicos dudaron si ponerle un marcapasos, al final se lo implantaron. Diez años después tuvieron que cambiarle la pila, y una vez más a los 110. Es cierto que tenía una salud poco común: pudo montar en bicicleta hasta su muerte, a la edad de 114 años (a consecuencia de un resfriado).


Cómo vivir más intensamente

1. Encuentre el sentido: sepa que todo lo que le ocurre tiene un sentido. Usted está en todas las cosas que le ocurren porque tienen algo que ver con usted. Pregúntese: ¿Qué sentido le voy a dar?

2. ¿Para qué a mí?: pregúnteselo en vez de “por qué a mí”. El por qué se presta al drama, el para qué conecta con la utilidad que tiene eso que le ocurre con su vida.

3. Deje de procrastinar: no posponga nada y empiece ya porque igual mañana no llega nunca. Haga lo que tenga que hacer, en pequeñas dosis, pero actúe. No espere.

4. Tenga sueños: sea ambicioso, no se conforme con proyectos pequeñitos porque estos no alimentan. Su deseo de llegar a algo grande es lo que realmente le dará el combustible para vivir intensamente.

5. Conecte con la gratitud: siempre hay algo por lo que estar agradecido. La gratitud le conecta con lo que le gusta de su vida. Piense “qué bien que…he podido hacer algo…, que haya recibido una llamada...” La suma de varios “qué bien” produce la ‘hormona de la satisfacción’.


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Picasso recibe a Pollock en casa

El legendario Mural del artista norteamericano, icono del expresionismo abstracto, desembarca en Málaga


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El pintor estadounidense Jackson Pollock, en 1943 junto a 'Mural'.

Una de las obras que cambió el devenir del arte contemporáneo en los Estados Unidos de los años cuarenta aterriza esta semana en Málaga. Se trata de Mural, ese cuadro que nació destinado a ocupar el recibidor del apartamento neoyorquino de la rica y excéntrica Peggy Guggenheim, ese ante el cual el artista norteamericano experimentó un monumental bloqueo, el que se convirtió en germen de una nueva técnica para Pollock y en icono de un nuevo movimiento, el expresionismo abstracto. El legendario cuadro de Jackson Pollock, (Cody, 1912 - Long Island, 1956), firmado en 1943, desembarca en la casa de su antiguo rival, del artista que le hacía perder el sueño. El Museo Picasso lo acoge a partir del próximo 20 de abril.

Se trata de una obra icónica, que algunos consideran preludio del dripping, la técnica con la que Pollock, pitillo colgando de sus labios, botas llenas de salpicaduras, disparando chorros de color con el pincel o derramando la pintura directamente desde el bote sobre un lienzo pegado al suelo, revolucionó el discurso pictórico de la posguerra. Recala en España hasta el 11 de septiembre después de haber sido restaurado —sufrió los efectos de unas terribles inundaciones en Iowa en 2008—, y de haberse embarcado en una gira europea que lo ha llevado a la Peggy Guggenheim Collection de Venecia, a la Deutsche Bank Kunsthalle de Berlín y, ahora, a orillas del Mediterráneo. Mural, una obra que cuenta muchas historias, marcó el inicio del expresionismo abstracto, movimiento mediante el cual Nueva York le robó la modernidad a París de la mano de una nueva generación de artistas. Es la primera vez que esa gigantesca tela se puede ver en España.

La historia de este cuadro arranca con un póquer de nombres clave del arte contemporáneo. Fue un encargo que Guggenheim hizo a Pollock, asesorada por Piet Mondrian, y con la bendición de Marcel Duchamp. La coleccionista y mecenas estadounidense, impulsora de una nueva generación de artistas desde su galería neoyorquina The Art of this Century, quería un mural que ocupara toda la pared del recibidor de su apartamento en Manhattan. Y quería impulsar la carrera de ese joven al que había echado el ojo, Paul Jackson Pollock. Corría el año 1943.

Por aquel recibidor estaba destinada a pasar la crème de la crème del momento, como Max Ernst, André Breton o Fernand Léger. Mondrian fue uno de los que sugirió el nombre de Pollock a Guggenheim. Y Duchamp fue quien le aconsejó que, en vez de trabajar directamente sobre la pared, pintara sobre un lienzo. El encargo, firmado en julio, incluía un sueldo de 150 dólares (unos 133 euros) al mes hasta que completara la obra, que debía ser entregada en noviembre.

El joven Pollock, hasta entonces enfrascado en la pintura regionalista, se vio de pronto frente a un inmenso lienzo en blanco de seis metros de ancho y dos y medio de altura. "Sabía que era el momento de causar impresión, de hacer una declaración de intenciones, de presentar algo nuevo y diferente", explica en conversación telefónica desde Iowa Sean O’Harrow, director del Museo de Arte de la Universidad de Iowa, institución propietaria de la obra. Peggy Guggenheim, Mondrian, Duchamp, el crítico Clement Greenberg, todos tenían la vista puesta en él. "Todos ellos se dieron cuenta del éxito de Pollock antes de que este ocurriera", sostiene O’Howard.

La presión jugó una mala pasada a este James Dean del arte contemporáneo con denodada inclinación por la botella. Sufrió un bloqueo. El lienzo en blanco se convirtió en una obsesión, en una pesadilla. Varios historiadores sostienen que Pollock, artista que trasladó las turbulencias de su atormentado mundo interior a su obra —y que murió, ebrio, a los 44 años, en un accidente de coche del que su amante salió ilesa— padecía en realidad un trastorno bipolar.

Cuadros y objetos

Durante años circuló la leyenda de que el precursor del dripping salió del bucle en una noche de inspiración y completó el trabajo en apenas día y medio. Pero el proceso de restauración llevado a cabo por el Getty Conservation Institute de Los Ángeles, previo al inicio del tour europeo del cuadro, puso de manifiesto que lo pintó a lo largo de varios meses, en el verano de 1943. "Pollock logró combinar la apariencia de una extrema espontaneidad con lo que en realidad era una forma muy calculada de pintar", manifiesta vía correo electrónico David Anfam, el comisario de la muestra Mural. Jackson Pollock. La energía hecha visible.

"En aquellos días, los cuadros eran objetos", explica el director del Museo de Arte de la Universidad de Iowa —Peggy Guggenheim donó el cuadro esa institución, dotada de un vibrante programa de arte, en 1948—. "Fue la primera vez que un lienzo se convirtió en una instalación participativa. Al entrar al recibidor, uno casi entraba en el cuadro, que se convertía en parte del entorno. Es una especie de primera instalación creada por un pintor".

El contenedor de 1.500 kilos que transporta esta obra valorada en unos 200 millones de dólares (177 millones de euros) desembarca ahora en Málaga envuelto en su misteriosa aura. Se supone que representa una de esas brutales estampidas de vacas y búfalos a las que asistió Pollock en su infancia en los EE UU profundos. Pero es una obra muy abierta a interpretaciones. Algunos ven en ella figuras en danza. "Es un cuadro termómetro, de pulsiones y emociones", manifiesta José Lebrero, director artístico del Museo Picasso de Málaga. "En un día bueno, te hace sentir grande".



Duelo de pintores y obsesiones


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Una clase en la Universidad de Iowa presidida por la obra de Pollock.

Pollock siempre vio a Picasso como un rival. "Era un hombre obsesionado con Picasso, lo odiaba", explica la crítica de arte Ángela Molina. "Pollock necesitaba superar al gran genio; su relación con él es como la de Salieri y Mozart". El autor norteamericano concibió su 'Mural' poco después de que otro gran mural pasara por el MOMA (y por la Valentine Gallery) de Nueva York en el año 1939: el 'Guernica', de Pablo Picasso.

"Pollock representa la libertad del individuo que quiere hacer las cosas a su manera", dice José Lebrero, "y el 'Mural' es un icono que ayuda a entender qué sucedió en el arte contemporáneo a mediados del siglo XX". El museo malagueño exhibirá, además del gran Mural, unas 40 obras entre las que hay pinturas, esculturas, fotografías y facsímiles que muestran la influencia que tuvieron en Pollock los naturalistas mejicanos y un gran clásico como El Greco.


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