La web del museo Picasso, premiada en Estados Unidos

El centro barcelonés es distinguido por su aplicación de las redes sociales





Las Meninas (Infanta Margarita María). Pablo Picasso. 1957. Óleo sobre tela, 100 x 81 cm. Museo Picasso de Barcelona.
  
La web del museo Picasso ha sido premiada en el encuentro anual de Archimuse, reunión de expertos informáticos dedicados a la creación cultural y científica, que se ha celebrado en Denver (EE UU). La página del museo barcelonés ha sido distinguida en el capítulo de redes sociales. Es la única web premiada no anglosajona.

La conferencia reunió durante cuatro días a 600 especialistas internacionales del diseño de webs culturales, gestión de colecciones online y construcción de redes sociales, móviles y multimedia.

Entre los otros galardonados destaca el MOMA por la muestra online de un proyecto educativo y por la exposición de la Bauhaus. El premio a la investigación online fue para el londinense Victoria and Albert y el de la innovación para el Obvservatorio de Greenwich por su presentación de una tormenta solar.

El concurso es internacional y en él participan webs de todo el mundo. El jurado estaba formado por representantes de museos de Nueva York, Chicago, Londres, Los Ángeles y Helsinki.




Ciencia y caridad. Pablo Picasso. 1897. Óleo sobre tela, 197 x 249,5 cm. Museo Picasso de Barcelona.


Museu Picasso de Barcelona: http://www.bcn.cat/museupicasso/es/coleccion/highlights.html


EL PAÍS





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Picasso 'vende' por 81,9 millones el cuadro más caro del mundo

'Desnudo, hojas verdes y busto' consigue el récord en subastas en Christie's




  
Picasso sigue siendo el artista con mayúsculas, al menos para aquellos afortunados o previsores millonarios cuyas fortunas no se volatilizaron con la crisis. Una vez más el malagueño hizo historia en la tarde del martes en la sede de Christie's en Nueva York con la venta de Desnudo, hojas verdes y busto (1932) por 106.482.500 millones de dólares (unos 81,9 millones de euros), convirtiéndose así en el cuadro más caro jamás subastado y también en el picasso más valioso.




Caía así del trono Alberto Giacometti, ocupado durante apenas unos meses por su escultura El hombre que camina I (1961), subastada en la sede de Sotheby's en Londres el pasado febrero por 104,3 millones de dólares. Hasta entonces había sido Picasso el rey absoluto de los precios de las subastas con su Muchacho con pipa (1904) que ostentaba el récord de cuadro más caro de las subastas de arte desde 2004, cuando fue vendido en Sotheby's por 104,1 millones de dólares.

Y es que con o sin crisis la marca picasso sigue siendo ese valor refugio al que los coleccionistas de arte acuden cuando todo a su alrededor parece derrumbarse. No obstante existen otros cuadros que han alcanzado precios más altos vendidos de forma privada y curiosamente, ninguno es de Picasso. El récord actual lo ostenta una obra de Jackson Pollock -Número 5, de 1948- vendida por el coleccionista David Geffen a un comprador anónimo por 140 millones de dólares en 2006. La segunda obra más cara también la vendió Geffen pero el comprador fue Steven Cohen, que adquirió Woman III, (1953) de William de Kooning, por 137,5 millones de dólares también en 2006. Esos precios parecen demostrar hacia dónde irá el mercado que ha visto cómo los artistas estadounidenses de la posguerra han multiplicado sus cotizaciones de forma exponencial durante la última década.

A las siete de la tarde en la sede de Christie's nadie parecía preocuparse por la abrupta caída de las bolsas europeas ante la crisis griega o por las nuevas amenazas terroristas que planean sobre EE UU.

En una sala abarrotada de coleccionistas elegantes, muy perfumados y expectantes las apuestas arrancaron fuerte para el cuadro Desnudo, hojas verdes y busto, un excepcional retrato de Marie-Therese Walter, joven a la que Picasso conoció mientras estaba casado con la bailarina Olga Khoklhova y que se convirtió en su amante con apenas 17 años. El artista pintó el cuadro poco después de cumplir 50 años, cuando el romance ya tenía cinco de historia, en uno de los períodos más prolíficos de su vida y que los expertos consideran como uno de los mejores de su carrera. En este lienzo de grandes dimensiones (160 x 130 centímetros) no sólo aparece la imagen de aquella mujer que albergó la esperanza de casarse con Picasso hasta que éste murió en 1973, y que se suicidó tras su muerte, sino que también puede verse el perfil del artista, que observa el busto desnudo de su amada desde un pedestal.


Actualmente Picasso tiene tres obras entre las 10 más deseadas del mundo

La puja comenzó con un gran silencio seguido de una carcajada nerviosa del público poco antes de que el maestro de ceremonias de la noche anunciara que la cifra de arranque eran 58 millones de dólares. Los números fueron hinchándose a gran velocidad con pujas hechas por ocho compradores en la sala y por teléfono a golpe de millón.

Cuando se alcanzaron los 88 millones, la velocidad disminuyó y sólo quedaron dos coleccionistas en lucha a través del teléfono. Cada millón adicional fue arrancando una exclamación del público, hasta que la puja se cerró tras nueve emocionantes minutos en 95 millones de dólares (con la comisión y los impuestos se alcanzan los 106.482. 500) provocando un espectacular aplauso. La identidad del comprador no se hizo pública.

Hace cinco décadas que el cuadro no se mostraba. En 1951 fue adquirido por Sydney F. Brody, un constructor millonario enamorado del arte moderno que amasó una de las mejores colecciones de EE UU, la que ayer protagonizaba la subasta de Christie's.

El precio que había estimado la casa de subastas para el cuadro de Picasso estaba entre los 70 y los 90 millones de dólares pero era una valoración a la baja, una de las estrategias frente a la crisis de las casas de subastas para no crear excesivas expectativas alrededor de sus ofertas -en 2009 hinchar los precios no funcionó y los coleccionistas se abstuvieron de comprar obras sobrevaloradas-. Sin embargo, frente a Desnudo, hojas verdes y busto muchos expertos habían augurado que se superaría la barrera de los 140 millones de dólares.



Las 10 piezas más deseadas


- Pablo Picasso




El cuadro Desnudo, hojas verdes y busto (1932), de Pablo Picasso, que se subastó ayer en Christie's por 81,9 millones de euros, nuevo récord.


- Alberto Giacometti




L'homme qui marche I, (3-2-2010) 79,9 millones de euros, por  Alberto Giacometti


- Pablo Picasso




Muchacho con pipa (6-5-2004), 79,8 millones de euros, por Picasso




Dora Maar au chat (3-5-2006), 73 millones de euros, por Picasso


- Gustav Klimt




Retrato de Adele Bloch Bauer II (noviembre 2006), 67, 4 millones de euros por Klimt


- Francis Bacon




Tríptico (14-5-2008), 66,1 millones de euros, por Francis Bacon


- Van Gogh




Retrato del Dr. Gachet (15-5-1990), 63,2 millones de euros, por Van Gogh




'Los lirios' 41,5 millones de euros (subastado en 1987) por Van Gogh


- Renoir




Au Moulin de la Galette (17-5-1990), 59,9 millones de euros, por Renoir


- Rubens




La masacre de los inocentes (10-7- 2002), 58,8 millones de euros, por Rubens


- Rothko




Centro Blanco (Amarillo, Rosa y Lavanda sobre Rosa Rosa) (15-5-2007), alcanzó 55,8 millones de euros, por Rothko


- Andy Warhol




Green Car Crash (16-5-2007), 54,9 millones de euros, por Warhol


En Febrero de 2010 la clasificación estaba así, enlace: http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?f=45&t=10187



FRANCE PRESSE | EL PAÍS





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Picasso contra Rusiñol

El museo barcelonés aborda la relación de los dos artistas   





Rusiñol según Picasso.La exposición que puede verse en el Museo Picasso de Barcelona hasta el 5 de septiembre centrada en la relación entre ambos ha conseguido reunir 12 de aquellos retratos.

Entre 1899 y 1903, Pablo Picasso realizó 21 retratos de Santiago Rusiñol, casi todos dibujos o esbozos en los que plasmó el paso de la admiración a la crítica mordaz de una figura que entonces dominaba el entorno cultural catalán. Aunque no hay constancia de que Picasso se hubiera referido después a Rusiñol -sí hay testimonios de su admiración por Nonell y en sus inicios copiaba directamente de Ramon Casas-, la tesis de la exposición Picasso versus Rusiñol, abierta hasta el 5 de septiembre, es que fue el pintor y literato modernista el referente principal de la etapa de formación de Picasso en Barcelona.
 
Eduard Vallès, comisario de la exposición y conservador del Museo Picasso, destaca estos 21 retratos, algo inédito, y va desarrollando los posibles puntos de unión o de referencia de los dos artistas. Dada la diferencia de edad, de 20 años, entre ellos, siempre es Picasso quien, en todo caso, se mira en Rusiñol, aunque este fue uno de sus primeros coleccionistas, ya que adquirió seis dibujos en las "subastas" que realizaba el primero en la taberna Els 4 Gats.

En todo caso, más allá de la tesis y de la interesante comparación que se va estableciendo entre las obras de ambos, la exposición tiene otros puntos de interés paralelos que hacen imprescindible la visita. De entre las 145 obras que se exhiben, hay algunas excepcionales. El ámbito dedicado a la reivindicación de El Greco, de la que Rusiñol fue adalid, cuenta con el excepcional Retrato de un hombre, un óleo del maestro cretense que proviene del Metropolitan de Nueva York. También es un descubrimiento el hallazgo de un fragmento hasta ahora desconocido de la obra El abrazo (1900) que tiene el museo. El fragmento, también firmado, es de una colección privada y parece que se cortó al principio con el acuerdo de Picasso.




De la admiración a la crítica. Además de los originales que se exhiben en los diferentes ámbitos del montaje, la exposición tiene un prólogo en el que se reproducen los 21 dibujos que hizo Picasso de Rusiñol. Era el momento en el que el pintor y literato modernista dominaba la escena cultural catalana y la cronología de los relatos permite ver también como Picasso pasó de una cierta fascinación por Rusiñol, retratándo sus rasgos de artista bohemio, a considerarlo un reflejo de la Barcelona localista que ansiaba dejar para instalarse en París. El último retrato, como se aprecia aquí, es una caricatura mordaz y escatológica en el que muestra a Rusiñol sodomizado por la crítica para conseguir así la gloria y el dinero.




El hallazgo de un fragmento desconocido. Uno de los muchos alicientes de la exposición es que puede verse por primera vez el cuadro "El abrazo" (1900), de Picasso, tal como debió ser originalmente. El comisario de la muestra, Eduard Vallès, ha localizado un fragmento de este cuadro del que no se tenía noticia hasta ahora. El fragmento, extraño, está en manos de un coleccionista privado y ha podido reconstruirse en esta muestra mostrando cómo formaba parte de una composición mayor, propiedad del Museo Picasso. Según Vallés, todo parece indicar que Picasso autorizó la fragmentación ya que las dos firmas son originales.




El Greco del Metropolitan. Santiago Rusiñol fue uno de los grandes defensores de El Greco en un momento en el que el pintor cretense no era muy valorado en España. En 1894 llevó en procesión las dos obras de Domenikos Theotokópoulos que había adquirido para su casa de Sitges, el Cau Ferrat, y montó una colecta para erigirle un monumento. Picasso retrató a Rusiñol como "el caballero con la mano en el pecho" y también reivindicó siempre la figura de El Greco. Con motivo de la exposición, el Metropolitan de Nueva York ha cedido "Retrato de un hombre", considerada una dea las grandes obras del artista, para que se exhiba en el ámbito dedicado a la irradiación de El Greco en el arte de la época.




Los tesoros del Cau Ferrat. La exposición reúne un total de 145 obras, de las que 72 proceden de la casa museo Cau Ferrat de Sitges, que reúne la colección que atesoró Santiago Rusiñol. Entre estas obras figura el espléndido retrato que hizo el pintor modernista del escultor protoexpresionista Carles Mani en 1895, exhibido en el ámbito dedicado a mostrar la referencia que tenía Picasso de Rusiñol como modelo de artista de su época. En la planta baja, también hay un pequeño ámbito con otras 28 obras de diferentes épocas y técnicas procedentes de la colección que se atesora en el Cau Ferrat, cerrado por obras de reforma hasta otoño de 2012.


EL PAÍS





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Subastan en Londres “El bebedor de absenta” un Picasso del período azul




“El bebedor de absenta”, un famoso Picasso del período azul, que es en realidad un retrato del amigo de juventud del artista Ángel Fernández de Soto, se ofrecerá al mejor postor el próximo 23 de junio en Londres.

Así lo anunció hoy la casa de subastas Christie’s, que valora la obra, pintada en 1903, en una cantidad que oscila entre los 33 y los 44 millones de euros y según la cual el dinero obtenido irá a la fundación del compositor Andrew Lloyd Webber.

La pintura iba a haberse subastado en Christie’s, de Nueva York, en noviembre de 2006, pero fue retirada de la puja por la propia fundación británica a raíz de una reclamación de los herederos del banquero judío Paul Mendelssohn Bartholdy.

Éstos denunciaron que la obra había sido vendida a la fuerza en 1934, es decir durante la época nazi, a un marchante berlinés, y exigieron suspender la venta.

La fundación Andrew Lloyd Webber, que había comprado el cuadro en una subasta en 1995 por 29,2 millones de dólares a la Colección Stralem, argumentó que la obra había cambiado de manos al menos cuatro veces desde 1934 y que había adquirido la obra de buena fe a su anterior propietario.

Hace dos años, un tribunal neoyorquino pareció haber resuelto la disputa a favor de la fundación al dictaminar que Julius Schoeps, sobrino nieto del banquero, no había logrado demostrar que fuera el “legítimo heredero”.
 
Una empleada de la casa de subastas Christie’s observa el cuadro “El bebedor de absenta”, del pintor español Pablo Ruiz Picasso, presentado en Christie’s hoy, miércoles 17 de marzo de 2010 en Londres (Reino Unido). El cuadro, del período azul de Picasso, se ofrecerá al mejor postor el próximo 23 de junio en Londres, según anunció hoy la casa de subastas, que valora la obra, pintada en 1903, en una cantidad que oscila entre los 33 y los 44 millones de euros. El dinero obtenido irá a la fundación del compositor Andrew Lloyd Webber. EFE/Andy Rain.
El pasado enero, la fundación Andrew Lloyd Webber anunció en un comunicado que había llegado a un acuerdo definitivo con Schoeps y el resto de los herederos de Paul Mendelssohn Bartholdy, por lo que se consideraba propietaria legítima del cuadro, sin dar empero detalles.

El Retrato de Ángel Fernández de Soto, es una de las obras icónicas del período azul de Picasso, que pintó a su amigo con valientes pinceladas como torbellinos que recuerdan en cierto modo a El Greco y anuncian el virtuosismo que caracterizará hasta el final de su vida al pintor malagueño.

Picasso muestra a su amigo sentado en una mesa con una gran copa de absenta en primer plano, la bebida favorita de muchos artistas de la Belle Epoque, desde Henri de Toulouse-Lautrec hasta Paul Gauguin o Vincent Van Gogh o poetas como Baudelaire, Rimbaud o Verlaine.

Picasso conoció a Fernández de Soto en 1899 en el famoso café Els 4 Gats, en aquella época centro de reunión de artistas y bohemios, y ambos, unidos entre otras cosas por su dandismo, se volvieron amigos inseparables.

Ángel y su hermano Mateu eran artistas, pero mientras que este último era un escultor dotado, Picasso consideraba a Ángel un “gandul divertido”, más aficionado a la bebida y a la juerga que al arte, aficiones a las que no era tampoco ajeno el propio Picasso.

Fernández de Soto y Picasso compartieron en dos ocasiones estudios de artista en la capital catalana, la segunda vez en 1903, justo el año en que se pintó el retrato.

Este último era el mismo estudio de la Riera de Sant Joan que Picasso había compartido antes con otro joven artista amigo llamado Carles Casagemas, cuyo suicidio inspiró en parte su período azul.

Muchos de los retratos que Picasso hizo de su amigos durante sus años barceloneses están hoy en museos, como el de Sebastià Junyent, que se conserva en el Museu Picasso, de Barcelona, o el de “Sebastià Junyer Vidal y una mujer en un café”, que guarda el Los Angeles County Museum of Art.

El “retrato de la señora Soler” pertenece a las Bayerische Staatsgemäldesammlungen, de Múnich; el de Benet Soler está en el Ermitage, de San Petersburgo, y el de la Familia Soler se conserva en el Museo de Bellas Artes de Lieja (Bélgica).




“El bebedor de absenta”, un famoso Picasso del período azul, que es en realidad un retrato del amigo de juventud del artista Angel Fernández de Soto, se ofrecerá al mejor postor el próximo 23 de junio en Londres. Así lo anunció hoy la casa de subastas Christie’s, que valora la obra, pintada en 1903, en una cantidad que oscila entre los 33 y los 44 millones de euros y según la cual el dinero obtenido irá a la fundación del compositor Andrew Lloyd Webber.


Vía EFE





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Exposición en Berna


Cara a cara de Picasso y Klee




Los herederos de los artistas: Alexander Klee (izda.) y Claude Picasso, en la presentación. | AFP

Una exposición en la capital helvética reúne por primera vez a dos grandes artistas de la misma generación cuyas personalidades no podrían ser más antitéticas: Pablo Picasso (1881-1973) y Paul Klee (1879-1940). El primero, de temperamento extrovertido como buen hijo del Mediterráneo; introvertido y espiritual, el suizo alemán. Los dos artistas se conocieron personalmente -se sabe que mantuvieron dos reuniones, una en París, otra en Berna- e incluso compartieron a algún marchante o galerista.

El lirismo y el misterio, unidos a la inclinación a la sátira y a la ironía de la obra de Klee contrastan poderosamente con la sensualidad y el carácter dramático de la pintura del español.

Picasso era una auténtica fuerza de la naturaleza a cuya atracción resultaba difícil resistirse, como reconoció el propio Klee al señalar la importancia de estar siempre vigilante para evitar su influencia, aunque fuera involuntaria. "Es una personalidad muy fuerte, y ocurre que uno adopta inconscientemente cosas que aprueba. Pero cada cual debe seguir su propio camino", escribió Klee.

No consiguió sustraerse totalmente a la influencia de su colega español, como puede apreciarse en la exposición que puede verse hasta el próximo 26 de septiembre en el centro Paul Klee de Berna.

Ese influjo se hizo patente sobre todo a partir de que surgiese el cubismo analítico de la mano del genio español, a quien Klee incluso dedicó en 1914 un cuadro a modo de homenaje en el que utilizó incluso el formato oval de algunas pinturas cubistas de Picasso.

La exposición, que reúne más de 180 obras de ambos artistas, procedentes de colecciones privadas y museos de Europa y Estados Unidos, comienza contraponiendo algunas pinturas líricas y melancólicas de los períodos azul y rosa de Picasso con los primeros dibujos, todos ellos abiertamente satíricos, de Klee.

Especialmente interesante resulta la confrontación a la que ha sometido la comisaria de la exposición, Christine Hofpengart, el cubismo analítico de Picasso, frente a las creaciones geométrico-abstractas del mismo período de Paul Klee.

Otro de los puntos fuertes de la original muestra lo constituyen las obras de la llamada fase surrealista de Picasso y la respuesta que suscitan esas creaciones en su colega suizo.

A los cuerpos femeninos descoyuntados que abundan en las pinturas de los años 20 y 30 de Picasso corresponden las fantasías grotescas de Klee, que marcarán su obra a partir de entonces.

Con todo, la deformación de la figura humana no constituye una novedad en Klee: a través de esa desfiguración, el artista expresa estados anímicos como el amor, el miedo o la tristeza.

Los grandes formatos de Picasso, sobre todo la monumentalidad de sus representaciones de mujeres, animó a Klee, según la comisaria de la exposición, a renunciar a los cuadros pequeños de su primera etapa.

El momento de mayor alejamiento entre los estilos de ambos artistas coincide con la llamada etapa clásica del español, que contrasta con el lenguaje visual desarrollado por Klee caracterizado por fuertes dosis de ironía y fantasía.

Especialmente fascinante es también la contraposición de los cuadros de la última etapa de la vida de ambos creadores: Picasso se rebela contra la muerte hasta el final, aferrándose a la sexualidad de una forma casi obsesiva, mientras que Klee refleja la premonición sobre su propia muerte de una forma mucho más interior.




'Verfluchende Frau', de Klee (1939) y 'Femme Assise', de Picasso (1909)


EL MUNDO





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Picasso y Degas, cita en Barcelona. El museo del artista malagueño acoge una exposición que retrata su pasión por el maestro impresionista. La muestra establece los paralelismos entre ambos


No llegaron a conocerse, aunque en París trabajaban a pocos metros

Ambos amaban a las mujeres: Picasso era un mujeriego, Degas un 'voyeur'




Joven bailarina de 14 años, de Degas, y Desnudo amarillo, de Picasso.

A ambos les gustaban las mujeres pero a Pablo Ruiz Picasso (1881- 1973) le gustaba el sexo y lo practicaba sin complejos, mientras que Edgar Degas (1834-1917) fue sobre todo un voyeur atormentado, siempre rodeado de mujeres pero con fama de célibe. Pertenecían a dos generaciones distintas. Cuando Picasso llega a París por primera vez en 1900, Degas es uno de los referentes del impresionismo, cuyo mejor momento parece ya haber pasado.

Conocida es la pasión del malagueño por los grandes maestros; por los clásicos del pasado y por los que llegó a conocer. Pero entre la cantidad de trabajo académico sobre su obra, no había casi nada de su pasión por Degas. Fue una institución del prestigio del Sterling & Francine Clark Art Institute de Williamstown (EE UU) la que se atrevió a proponer una muestra sobre ello. Hace cinco años se pusieron en contacto con el Museo Picasso de Barcelona para pedir obras prestadas para la muestra. La respuesta fue: lo que ustedes quieran, pero lo haremos conjuntamente.

El resultado es la exposición Picasso frente a Degas, que se inauguró ayer en el museo barcelonés, donde permanecerá hasta el próximo 16 de enero; una muestra exquisita, fruto de "un ejercicio creativo", en palabras del especialista en Degas Richard Kendall, que la ha comisariado junto a Elizabeth Cowling, experta en la obra de Picasso. Una apuesta que supone un salto cualitativo en la proyección internacional del Museo Picasso de Barcelona, gracias, en parte, al indiscutible prestigio de la Fundación Clark.

Es cierto que el edificio que construyen Kendall y Cowling tiene algo de creación. No existe evidencia de que Degas y Picasso llegaran a conocerse personalmente, pero en 1a primera década del siglo pasado vivían en París separados por unos cientos de metros. Picasso y sus amigos catalanes compartían el edificio del Bateau-Lavoir, en Montmartre; Degas tenía su estudio en la calle Victor Massé, debajo de la plaza de Pigalle, al lado del cabaret Le Chat Noir, que serviría de modelo para Els Quatre Gats de Barcelona.

Kendall define la muestra como "una novela con seis capítulos". El primero es el de ese París de comienzos del XX y el último el de los años finales de Picasso, cuando adquiere una serie de monotipos de burdeles de Degas y reconvierte algunos en grabados propios, e incluso pinta un retrato del viejo maestro francés al que atribuye una muy freudiana similitud con su propio padre.

Picasso y Degas tenían bases comunes: ambos habían recibido una formación académica y orientaban su trabajo en relación con los grandes maestros. Los dos experimentaron con grabado y fueron pintores-escultores. Y ambos creían que el dibujo está en el origen de toda gran obra de arte. El paralelismo de sus orígenes académicos es sorprendente. Pero todavía lo es más la mezcla de emulación y reto que el malagueño profesa a Degas y que ha sido la excusa para traer la pieza más emblemática de la muestra: En el café (La absenta), de 1876. El Museo d'Orsay no acostumbra a prestarla y ahora comparte pared con la impresionante respuesta picassiana: el Retrato de Sebatià Junyer i Vidal (1903) de la época azul, en el que el joven pintor, consciente ya de su genialidad, no solo emula al maestro, sino que lo quiere superar ya que la tela es más grande y los colores más fuertes.

A medida que el visitante se adentra en la muestra se acumulan los paralelismos, como la obsesión de ambos por las mujeres bañándose y peinándose: La espectacular Mujer peinándose (1906), de Picasso, comparte espacio con dos óleos de Degas: El peinado y la tela aparentemente inacabada Mujer desnuda secándose.

Kendall y Cowling buscan también las coincidencias históricas. Picasso pinta en Barcelona, en 1905, el famoso Retrato de la Señora Canals, una tela de inspiración goyesca de una dama italiana, Benedetta Coletti, casada con el pintor Ricard Canals, uno más del círculo de Els Quatre Gats. La señora de Canals había sido modelo de Degas en París y era amiga de otra modelo de la época: Fernande Olivier, la primera mujer con la que Picasso convivió, la gran protagonista del primer cubismo.

Pero quizás el personaje que mejor relaciona a Picasso con Degas sea el marchante Ambroise Vollard, un recién llegado en aquellos momentos, pero que fue el primero en organizarle en París una exposición al joven pintor en la galería de la calle Laffitte. Vollard se había convertido en el marchante oficioso del viejo Degas, quien sin duda tuvo oportunidad de ver el trabajo de quien estaba destinado a cambiar la historia del arte. Y es en este sentido como hay que entender la relación que propone la muestra entre la icónica y polémica escultura de Degas Joven bailarina de catorce años y el Desnudo amarillo de Picasso: una bailarina con una pose calcada de la escultura de Degas cuya cara es una máscara africana que anticipa Les demoiselles d'Avignon, el cuadro que dio inicio a la pintura del siglo XX.




Picasso frente a Degas: a la derecha, Desnudo peinándose, del artista español, y a la izquierda su escultura Mujer encinta. En el medio, la Mujer encinta de Edgar Degas.


EL PAÍS





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Exposición en Palencia



Picasso, inventor del libro como obra de arte



Las ilustraciones no son una adición; autor y pintor dialogan entre ellos

'Sueño y razón de Franco' revela un asco y odio más explícito que el Guernica

Encargos, política y amistad, las razones para ilustrar





Estampa tauromaquia de Picasso.

Pablo Picasso es un universo aún en expansión. El discernimiento de su obra no parece terminar, ni tampoco su influencia sobre las nuevas generaciones. Goza todavía de un favor, casi incondicional, del público. Sensual, violento, egocéntrico, magnético e insoportable, su vida privada es todavía alimento de polémicas biografías.

El suyo es un genio tan vivo que parece ignorar la muerte del artista ocurrida hace ya casi cuatro décadas. Aproximarse a Picasso siempre conlleva descubrir piezas como si éstas fueran nuevas entregas tan libres que desafían los periodos que los especialistas trazan sobre la obra del malagueño. Por ejemplo, ¿conocen a un Picasso generoso, que no piense sólo en imponer su sacrosanta voluntad, que se entregue una empresa común y quiera agradar a sus amigos, a sus patrocinadores y al público? Un Picasso que se pliegue al tema y al talento de otro talento pero, a la vez, dé lo mejor de sí mismo como maestro indiscutible del clasicismo, el simbolismo y el expresionismo e inventor del cubismo. Y, al tiempo, apunte resonancias que llegan hasta el mejor cómic de hoy.

Esto es lo que sucede en la exposición Picasso y los libros, que reúne en Palencia una muy pertinente selección de volúmenes a los que ilustró o, por expresar mejor la potencia de su contacto, iluminó.

Confeccionada con los fondos –cada vez más completos– de la Fundación Bancaja y contenida en el Centro Cultural de la Diputación palentina, esta muestra resulta el perfecto complemento de la de De Durero a Morandi, que aún puede verse en Salamanca.

Pero mientras esta última es un repaso de cinco siglos de grabado a través de grandes figuras, la segunda es un testimonio de la fuerza cósmica de Picasso: engulle siglos de literatura y obra gráfica para proyectarlos al futuro.

A partir de los años 20, el genio se alía con sus amigos vanguardistas y con editores osados y exquisitos para, en contra del prosaico libro industrial y sus miles de ejemplares, 'inventar' la rara y artesanal poesía del libro, cuya confección a veces tarda años, su tirada nunca alcanza cuatro cifras y, a pesar de ello, su venta puede no agotarse en décadas.

Una locura elitista, se podrá decir, pero que sobrevivirá, al contrario que el libro convencional, a la llegada de cualquier soporte digital, pues encarna el tacto tanto para las manos como para la mirada y la inteligencia.

Como todos aquellos que se han enfrentado a la obra de Picasso, el comisario de la muestra, Juan Carlos Carrete, ha abarcado una incesante actividad. Ha escogido entre piezas significativas de sus variados trabajos gráficos unidos a los libros y los tres motivos del autor de Las señoritas de Avignon para realizarlos: el encargo, la amistad o la militancia.

Al final, ha seleccionado 25 ejemplares distintos que no son simples adiciones de una ilustración a un texto o viceversa, sino que ofrecen "al lector y al visitante una muestra de libros en los que se ha producido un diálogo entre el artista y el autor literario".

En el París de entreguerras, Ambroise Vollard fue uno de los editores clave para establecer ese diálogo. Sus encargos, a menudo, tenían el enganche de un autor clásico para captar a compradores adinerados. Es aquí donde deviene uno de los hitos incontestables de esta exposición y, posiblemente, de la obra de Picasso: el trabajo desarrollado sobre la narración de Balzac Le chef-dŽoeuvre inconnu. Este texto narra la historia de un viejo pintor que dedica diez años de su vida a una pintura que quiere que sea perfecta. En el proceso, obsesivo, el artista recubre una y otra vez el lienzo hasta que –escribe Balzac– solamente se ven «colores confusamente amontonados y contenidos por una multitud de extrañas líneas".

Era inevitable que el propio Picasso se identificara con el relato. Creó doce láminas para él en 1927 y un pequeño retablo con ocho estampas en 1931. El resultado de estas imágenes en blanco y negro supone, en cualquier caso, un viaje fascinante al subconsciente de Picasso enfrentado a la pintura y a sus fantasmas habituales del arte, el sexo y la muerte.

En una reveladora lámina, a la vez divertida y terrible, se puede ver al pintor del cuento fijándose en la modelo que ya ha perdido su juventud. Pero ya sólo pergeña confusas líneas, una suerte de abstracción imposible.

El estilo casi similar al cómic, expresado en un retablo, vuelve a aparecer con fuerza avasalladora en el ejemplar Sueño y mentira de Franco, máximo exponente del Picasso de intención política.

La obra contra Franco la realizó, según Carrete, al mismo tiempo que el Guernica y, en verdad, viene a ocupar para el Picasso impresor la misma importancia que el anterior en el Picasso pintor. "La diferencia es que el Guernica era, comparado con lo que contiene Sueño y razón de Franco, una especie de estilización, mientras en el libro el asco y el odio son explícitos". Dos estampas con nueve viñetas cada para los mil ejemplares de tirada. 18 dibujos en los que el dictador es un monstruo repulsivo que destruye (el caballo, el toro, la madre...) a su paso lo que el bombardeo arrasa en el Guernica.

De hecho, las palabras del propio pintor son tan válidas para las ilustraciones del libro como para el cuadro: "Gritos de niños gritos de mujeres gritos de pájaros gritos de flores gritos de maderos y de piedras gritos de ladrillos...". Pero la principal motivación de Picasso para trabajar en un libro, más que el encargo, era el afecto hacia los literatos que le resultaban queridos. Al gusto de quien escribe, cabe destacar la contribución para Atonin Artaud. Este escritor extremo viene a ser el reverso tenebroso de Picasso. Es, de alguna manera, el pintor de la narración de Balzac que, en busca de un nuevo lenguaje, le llevó a la locura.

La ilustración para ...Autre chose que de lŽenfant beau, poema que escribió Artaud tras ser rescatado del manicomio por sus amigos, puede entenderse como un hombre esquemático con una cabeza oscura, pero también sugiere un ocaso. Es, en cualquier caso, uno de los más sentidos homenajes al dolor de un amigo. Amistad, política, encargos de editores insistentes... Estas son las razones aparentes por las que Picasso se implicó con los libros, en una relación en la que el dinero y la fama, no sólo no eran motivos, sino estorbos.

"A los editores franceses le siguieron los alemanes y luego los insaciables americanos. Picasso, harto de presiones, provocador, mandaba grabados que nada tenían que ver con el contenido", comenta Carrete.

Pero tal vez se olvida de un motivo que une a muchos seres humanos a los libros: el simple placer de la evasión. Uno de los espléndidos ejemplos es uno de los 54 ejemplares del Libro del Conocimiento, Los viajes por África, con 17 ilustraciones y un viejo texto de los primeros descubridores del continente. Esta obra final refleja paisajes trazados con pocas líneas de ilusión primitiva, que hacen que uno crea que se encuentra ante el precursor de Hugo Pratt y su Corto Maltés. Un trabajo fechado en 1959 cuando Picasso ya sabía que su obra sería inmortal y genial. Ante esa prisión del destino, cogía un libro y soñaba que era un artista libre de la influencia de Picasso.



EL MUNDO





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La 'Mujer en azul' abandona el verde


El Reina Sofía inicia la restauración de uno de los lienzos fundamentales de Picasso

Se devolverá el color original que estropeó el barniz de una intervención anterior



      
La 'Mujer en azul' de Picaso. Museo Reina Sofía

Sondeo hecho a pie de obra (de arte): el 100% de los visitantes preguntados al azar en la sala 201 del Reina Sofía coincidían ayer en que Mujer en azul (1901), obra maestra temprana de Picasso y una de las estrellas de la colección permanente del museo, es... rematadamente verde. Un siglo de olvidos, de restauraciones erradas, de reentelados equivocados y de aplicación de barnices incorrectos han contribuido a la degradación tonal de un cuadro que, ironías del destino, se considera uno de los primeros hitos del periodo azul del pintor malagueño.

Un nuevo y ambicioso proyecto, patrocinado con unos 200.000 euros por Bank of America Merril Lynch, permitirá a un selecto equipo de restauradores del centro dedicarse a la tela "a tiempo completo", según Jorge García Gómez-Tejedor, jefe de restauración del museo, que ayer se encontraba en Londres en la presentación del programa Art Conservation de Bank of America. El objetivo es eliminar el efecto amarillento de un barniz aplicado y envejecido con los años y devolverle así el añil original a los ropajes y al entorno de la dama de mirada ausente que el artista inmortalizó con apenas 20 años.

Será un año de trabajo para ocho personas (cinco restauradores, un químico, un fotógrafo y un documentalista) que se repartirá en tres fases: estudio, tratamiento y conclusiones. La primera ya ha comenzado de manera discreta, como corresponde a una obra que se encuentra entre los mayores reclamos del museo. "Ya la estamos descolgando para llevarla al taller los martes, cuando cierra el Reina", explicaba ayer frente a la tela Ana Iruretagoyena, miembro del equipo de restauradores. "No es la clase de pieza que podamos sustraer a los visitantes y meter en el laboratorio durante un año".

Lo primero es medir el alcance del daño sufrido por el cuadro. La inspección durará cuatro meses e incluirá técnicas como la aplicación de rayos X, reflectografía infrarroja, fotografía con luz visible, colorimetría o la toma de retratos con calidad del gigapixel, que se efectúan en una cámara acorazada con revestimiento de plomo en la cuarta planta del edificio Sabatini.

Parte de ese trabajo de investigación pasará por fijar también qué tono es el que empleó exactamente Picasso; por razones obvias no existe documentación fotográfica de la época. "Estudiaremos en qué gama de azules se movía en aquel momento de su carrera", aclara Iruretagoyena. A esa labor seguirá la intervención sobre la tela. La idea es que "la obra esté fuera de la lección permanente el menor tiempo posible", según García Gómez-Tejedor. Por eso, solo se descolgará entre marzo y agosto. De su ubicación habitual se llevará a las silenciosas dependencias del equipo de restauración en la cuarta planta de Sabatini, donde ayer se trabajaba entre otras tareas en el cuidado de un palazuelo o en el remiendo de una pieza de Miroslaw Balka. Un obispo negro que viajará la semana que viene al monasterio de Santo Domingo de Silos, donde el museo mantiene una programación de arte contemporáneo.

El jefe de los restauradores confía en que el trabajo, además de devolver el azul original, arreglar el imperceptible descosido en forma de siete que se observa en la zona del chal y subsanar los leves craquelados de la parte inferior, revelará muchos aspectos desconocidos de la obra. "Aquí nos adentramos en el terreno de la hipótesis, pero yo no descartaría que Picasso no pretendiese aplicar barniz alguno. No sería la única de sus obras sin barniz". "Creo que van a identificar hasta los tubos de pintura que se usaron", añade medio en broma Manuel Borja-Villel, director del museo.

El proceso supondrá también un viaje por un siglo de arte español a lomos de la azarosa peripecia del cuadro, pintado por el artista malagueño en el estudio que compartía en la calle Zurbano durante su breve estancia en Madrid al despuntar el siglo XX. Lo presentó en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1901. Tibiamente acogido por la crítica, el lienzo quedó en unos almacenes propiedad del Estado por la pura desidia del propio Picasso, que nunca fue a recobrarlo.


El lienzo, de 1901, estuvo olvidado en un almacén hasta los cincuenta

Allí languideció hasta que en los años cincuenta el gran historiador del arte Enrique Lafuente Ferrari descubrió en la parte superior derecha la firma, temblorosa y juvenil, de Pablo Picasso (así, con nombre completo y no solo con apellido, como sería su costumbre posterior).

Los restauradores no saben fijar con exactitud en qué momento se aplicó el barniz que acabó por amarillear el cuadro. Sí, que fue con las mejores intenciones de restaurar la obra, después de su descubrimiento y con la tela ya como pieza destacada de la colección del Museo Español de Arte Contemporáneo (MEAC). "Al envejecer, el barniz amarilleó", según Iruretagoyena. Y, esto es de primero de pintura, ya se sabe que azul más amarillo da como resultado el verde deslavado que luce ahora la dama.

La idea de solicitar la ayuda que concede Bank of America Merril Lynch a través de su recién creado programa Art Conservation partió del jefe de restauradores. La elección de la obra que debía optar resultaba "lógica" a ojos de Borja-Villel. "Reunía las condiciones de ser una pieza muy conocida y que no había sido sometida a un proceso de restauración con profundidad desde hacía décadas", según García Gómez-Tejedor.


La financiación parte de un programa de Bank of America Merril Lynch

Los fondos del programa de la institución bancaria (1,17 millones de euros este año y 733.000, en los sucesivos) ya han servido para restaurar tres delicados lienzos renacentistas y llenos de secretos de Bronzino, pintor de la corte de los Medici, cuya obra se expone actualmente una muestra antológica en el Palazzo Strozzi, de Florencia. La victoria de Samotracia, escultura griega atesorada por el museo del Louvre, Caín matando a Abel, de Rubens, propiedad del londinense Courtald Institute of Art o una partitura del británico Henry Pourcel compuesta en 1685 son otras piezas que se beneficiarán del mecenazgo de Bank of America.

Lo cierto es que la dama que atrapa todas las miradas en la sala 201 del Reina Sofía, seguía exhibiendo ayer ese desdén algo verdoso que la ha hecho tan famosa, ajena a tanto revuelo financiero-artístico. Acaso porque su melancolía es en realidad un gesto de infinita paciencia. ¿Y si siempre supo que solo era cuestión de tiempo? Como aseguró uno de los visitantes consultados: "Antes o después debían hacer algo; o le devolvían el color azul o le cambiaban el nombre al cuadro".


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Exposición: 'Guitarras 1912-1914' en el MoMA de Nueva York


Picasso, el luthier





'Arlequín tocando la guitarra', 1919. Obra de Pablo Picaso
 
El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) dedicará en 2011 una exposición a las guitarras que creó el artista español Pablo Picasso, con la que estudiará la evolución de esta serie de obras desde 1912 hasta 1914, según informó la entidad en un comunicado.

Bajo el título 'Guitarras 1912-1914', la muestra abrirá sus puertas el próximo 13 de febrero y hasta el 6 de junio se podrán ver en el museo neoyorquino más de setenta dibujos, collages, esculturas, fotografías y construcciones que Picasso elaboró con guitarras como elementos fundamentales.

Las guitarras icónicas de Picasso, que los organizadores del museo describen como "modestas pero revolucionarias", demostrarán el "incandescente periodo de innovación material y estructural que suponen para la larga carrera del artista".

Así, se podrá disfrutar de la primera construcción de una guitarra conocida de Picasso, que consiste en una escultura que elaboró entre octubre y diciembre de 1912, en la que utilizó materiales como cartón, papel, hilo y metal para crear un "instrumento silencioso que no se parecía a ninguna escultura antes vista", explican los responsables del MoMA.

La creación de esa obra coincidió en el tiempo con una etapa en la que Picasso comenzó a utilizar en sus obras los que entonces suponían materiales no convencionales, como cartón, papel de periódico o arena.

Entre las piezas estelares de la exposición se encontrará también una construcción de otra guitarra a partir de metal que Picasso realizó en 1914, una especie de secuela de la primera pero realizada con materiales más duraderos y que deja atrás la "fragilidad del papel" de la primera, según detalla el museo.

Ambas esculturas fueron donadas al MoMA de Nueva York por el artista a finales de los años 70.

La idea de organizar la exposición 'Guitarras: 1912-1914', surgió después de que el museo redescubriera recientemente en sus almacenes un tablero que alguna vez acompañó a la primera de las guitarras del artista y que ahora expondrán conjuntamente en la muestra.


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Un misterioso descubrimiento permite sacar a la luz 270 obras inéditas de Picasso


Se trata de obras pintadas en el primer tercio del siglo pasado y cuyo valor está en torno a los 60 millones de euros     




Naturaleza muerta, pipa y botella. Obra de Picasso

El 14 de enero pasado, Claude Picasso, el hijo del pintor y el administrador de su herencia, recibió una carta que le llamó mucho la atención. Un tal Pierre Guennec le pedía un certificado de autenticidad de 26 obras inéditas de Picasso y acompañaba para ello unas fotografías de no muy buena calidad. El 30 de abril, el hijo del pintor recibió otra tanda de fotografías y otro texto asegurando que se trataba de obras de Picasso. Según publica hoy en exclusiva el diario Libération, Claude Picasso, intrigado por la revelación, se puso en contacto con Guennec, que acudió a París en septiembre acompañado de su esposa y de una maleta. En ella, para estupefacción del hijo del artista y de varios expertos, fueron surgiendo hasta 271 obras desconocidas del autor, de un valor de 60 millones de euros, según el diario francés.




Imagen de archivo tomada en Cannes en 1957 del pintor malagueño Pablo Picasso. Una de las obras ? regaladas al electricista

Guennec aseguró que tal enormidad de dibujos, collages, retratos, pinturas y bocetos respondían a un regalo del pintor y de su esposa. Añadió que durante los tres últimos años de la vida de Picasso (fallecido en 1973) había trabajado para él como electricista, que incluso le había instalado alarmas en sus viviendas.

Como respuesta, y tras reunirse los seis herederos del pintor, denunciaron al electricista por robo. A juicio de los familiares de Picasso, es imposible que el artista regalara una tal montaña de obras suyas, muchas sin datar, sin dedicar o, incluso, sin terminar. "Es cierto que Pablo Picasso era bastante generoso. Pero fechaba, firmaba y dedicaba siempre sus donaciones, porque sabía que algunos las venderían para afrontar sus necesidades", ha asegurado Claude Picasso a Libération.




Desnudo tumbado en la playa, 1920. Obra de Picasso. Una de las obras ? regaladas al electricista

Por lo pronto, la policía ha puesto a buen recaudo todo este tesoro. Se encuentra incautado en las dependencias de la Oficina Central de Lucha contra el Tráfico de Bienes Culturales, en Nanterre. Y el electricista y su mujer se aprestan a una batalla judicial contra los herederos de Picasso. A la pregunta de por qué haber esperado tanto tiempo a sacar a la luz estas obras, la publicación francesa, tras hablar con el abogado de los herederos de Picasso, aventura una hipótesis: para eludir la cárcel gracias a la prescripción del delito.

"Antes que nada, hay que recuperar estas obras para la historia del arte", asegura en la publicación citada el abogado de la familia Picasso.




Pablo Picasso, sentada sobre 'La cabra' (1950)


Más info e imágenes: ¿271 picassos por valor de 60 millones, regalados?, enlace: http://www.elcultural.es/galerias/g...llones_de_euros


elpais.com / elcultural.es





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El último 'picasso' antes de que Picasso rompiera el canon

El Museo Picasso estudia y analiza 'Ciencia y caridad', el gran óleo de 1897
    




Ciencia y caridad. 1897. Obra de Pablo Picasso. Óleo sobre lienzo, 197 x 249,5 cm. Museo Picasso. Barcelona

De un absoluto academicismo, de tonos apagados que viran hacia la gama de marrones y sepias, hacia lo cerrado, Ciencia y Caridad (1897) el gran óleo que Picasso pintó cuando tenía tan solo 15 años, aparece a menudo como el punto de partida en la obra del genio que transformó la pintura. El Museu Picasso de Barcelona presenta ahora una exposición de cámara, cuya tesis desmiente este aserto; Ciencia y caridad sería, en todo caso, la última obra del genio antes de empezar a destrozar los cánones y antes de romper -artísticamente- con su padre, en quien está el origen del tema y el formato de esta obra destinada a la Exposición Nacional de Bellas Artes de aquel año, y con la que el precoz adolescente tan solo obtuvo una de las 250 menciones de honor.

La muestra, titulada Ciència i Caritat al descobert, que podrá verse hasta el 20 de febrero dentro del recorrido habitual de la colección permanente, incluye los trabajos que se han realizado sobre la tela, notablemente la radiografía y los análisis microscópicos de las capas de pintura, que ofrecen importante información sobre cómo, cuándo y con qué técnicas trabajó Picasso.


La radiografía desvela las dudas y correcciones del joven pintor

No hay un dibujo previo sobre la tela; el pintor realizó una serie de bocetos preparatorios que ahora, gracias a la radiografía que evidencia las numerosas correcciones que hizo el pintor, es posible situar cronológicamente. Se ve claramente que la cara del médico no tiene ninguna, ya que no era otro que su padre, a quien había pintado numerosas veces. El niño que sostiene la monja, sin embargo, que según su amigo Sabartes era el de una mendiga del barrio, cambia de posición. La cara de la enferma es la más trabajada.

No fue Ciencia y caridad la última de las pinturas academicistas destinadas a los concursos oficiales, pero sí la última que para el precoz adolescente tuvo algún interés, como lo demuestra el hecho de que guardara para sí uno de los bocetos e incluso se fotografiara con él, en Mugins, en 1970. Las dos siguientes, o han desaparecido o fueron utilizadas como lienzos para otras obras, como es el caso de Últimos momentos sobre la que Picasso pintó La vida en 1903.

Era la época del realismo social del que Emile Zola era abanderado, y que hizo furor en toda Europa. Más concretamente, Ciencia y caridad se enmarca en el subgénero de la pintura hospitalaria, muy en boga en la última década del XIX, que en el contexto de referente moral que se le exigía a la gran pintura, reúne los valores científicos de la Medicina con la vocación de entrega de las órdenes religiosas.

La muestra incluye un total de 39 piezas: 13 óleos, tres pinturas, un grabado, cuatro dibujos, siete fotografías y 11 documentos procedentes de otros museos y colecciones particulares. Destacan dos telas: El doctor (1891), del británico Luke Fildes, uno de los protegidos de Henry Tate, y La visita de la madre (1891), de Enrique Paternina, proveniente del Museo del Prado, que según los expertos podría haber sido la principal fuente de inspiración de Picasso para Ciencia y caridad, aunque la muestra deja abiertas muchas otras posibilidades, incluidas fotografías de la época.


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Aparecen obras desconocidas del artista

Expediente Picasso





Boceto de un caballo de Picasso. | AP Photo / Lionel Cironneau

VER ALGUNAS OBRAS: http://www.elmundo.es/albumes/2010/...dito/index.html




El electricista Pierre Le Guennec, en su casa de Francia.

Pregunta - ¿Quién es Pierre Le Guennec?

Respuesta - Un electricista de 71 años residente en Mouans-Sartoux (Alpes Maritimes), que trabajó para Pablo Picasso del 67 al 73, época en la que instaló los sistemas de alarmas antirrobos de sus tres residencias postreras: La Californie (Cannes), el Chateau de Vauvenargues (al norte de Aix-en-Priovencedonde se hallan las tumbas de Pablo y su esposa Jacqueline) y el molino de Notre-Dame-de-Vie, en Mougins (al norte de Cannes), donde el artista falleció.

P - ¿Por qué ha levantado semejante revuelo?

R - El pasado 9 de septiembre, Le Guennec y su esposa se presentaron en la sede parisina de Picasso Administration, en la rue Volney, con 175 obras de Picasso en una maleta. Meses antes, habían escrito a Claude Picasso, que gestiona los derechos de los seis herederos del pintor, para pedirle que certificara la autenticidad de algunas piezas que le enviaban fotografiadas. Ante las reticencias de éste, aparecieron en sus oficinas con el material y un grupo de expertos comprobó que era auténtico. Se trata de una colección de dibujos, grabados y collages que no aparecen en ningún catálogo y están sin firmar ni fechar, aunque se piensa que fueron realizados en el primer tercio del siglo XX. Su precio estimado: 60 millones de euros. Un hallazgo insólito en la reciente historia del arte.

P - ¿Cómo consiguió el electricista esa colección? ¿Por qué los hijos del pintor no le creen?

R - Según sus primeras declaraciones, se las había dado "el maestro" -un término que Picasso detestaba-. Sin embargo, Picasso siempre firmaba y dedicaba los trabajos que regalaba. En una segunda versión, el matrimonio Le Guennec afirmó que la autora de su donación fue su viuda, Jacqueline. Pero los sucesores del artista tienen fundadas sospechas. "¿Por qué usted? ¿Por qué tantas obras? ¿Por qué no hemos sabido nada hasta ahora?", le preguntó Claude Picasso cuando se encontraron. Silencio absoluto. "Nosotros no hemos robado nada", ha declarado su esposa, Danièle Le Guennec, a RTL. "Es posible que Jacqueline les diera una caja para tirar y se encontraran con semejante tesoro", insinuaba ayer a Le Monde un galerista de Niza.

P - ¿Cómo es posible que aún exista material 'picassiano' sin vender?

R - El artista tuvo una producción muy fértil y no tiraba ni el más pequeño papel garabateado, pensando que tal vez le serviría para el futuro y consciente de que su trabajo era muy cotizado. A su muerte, en 1973, aparecieron no menos de 40.000 bocetos y dibujos en su casa de La Californie, que por entonces le servía ya únicamente de almacén. La labor de la Picasso Administration es, en parte, catalogar y administrar todo ese legado, al tiempo que -por el propio interés de los seis hijos- procura que el mercado no se sature de obras en venta.

P - ¿De qué obras estamos hablando?

R - Se trata, en realidad, de piezas menores. Pero tampoco son cualquier cosa. Hay una acuarela de la etapa azul, varias gouaches sobre papel, algunos estudios de manos sobre tela (presumiblemente, de las propias manos del autor), una treintena de litografías y más de 200 dibujos. Pero la joya de la colección son nueves rarísimos collages cubistas realizados en 1912 que podrían valer, por sí solos, 40 millones de euros.

P - ¿Por qué Le Guennec no lo ha contado hasta ahora?

R - Según el matrimonio, nunca le dieron demasiado importancia a esas piezas y las tuvieron guardadas en el garaje de su casa durante tres décadas. Ahora, al hacerse mayores, pensaron en el futuro de sus hijos y trataron de obtener una estimación profesional de su valor real. Para lo cual, se pusieron en contacto con la Picasso Administration. Según otras versiones, la pareja ha esperado un tiempo prudencial para que prescriba el posible delito de apropiación indebida. Pero el tiro les ha salido por la culata, ya que su versión se sostiene difícilmente.

P - ¿Hay otros precedentes de donaciones similares del artista?

R - Al pintor malagueño le divertía regalar algunos de sus trabajos a amigos y empleados. Su compinche de farras, el torero Luis Miguel Dominguín, recibió bastantes piezas, que su viuda Lucía Bosé subastó en el Christie's de Londres, en 2008, para financiar su peculiar Museo de los Ángeles en Turégano. Además, Picasso entregó mucha obra menor a su chofer Maurice Bresnu, a su peluquero Eugenio Arias, a su secretario y amigo de juventud Jaume Sabartés y, por supuesto, a la mayoría de sus amantes.

P - ¿Cómo ha intervenido la justicia francesa en el caso?

R - Advertida por Claude Picasso, la Oficina Central de Lucha contra el Tráfico de Bienes Culturales (OCBC) que dirige el coronel Stéphane Gauffeny realizó un registro, el pasado 5 de octubre, en el domicilio de Le Guennec y tomó bajo su custodia todo el lote. Interrogó a su actual dueño durante 24 horas y a su esposa durante 13, pero no les arrestó. Para impulsar la investigación judicial, los seis herederos del artista han interpuesto una "demanda contra X" -fórmula legal francesa que permite a la acusación civil personarse en una causa sin que exista un acusado concreto- en el juzgado de Grasse (Alpes-Maritimes), por posesión de obras de arte robadas.

P - ¿Qué pretenden los herederos?

R - "Lo que cuenta, ante todo, es recuperar una colección de suma importancia para la historia del arte", apunta en Libération su representante legal, Jean-Jacques Neuer. "Nos preocupa mucho que una serie única como la de los nueve collages cubistas sea disgregada y vendida por piezas al mejor postor", apunta la asistente personal de Claude Picasso, Christine Pinault.

P - ¿Qué significa Picasso en el mercado del arte actual?

R - Es el autor que encabeza todos los rankings de cotizaciones. De los 25 cuadros más caros de la historia, una docena llevan su firma. Al final, (casi) todo se reduce al dinero.




Detalle de la litografía de una mujer, obra de Picasoo



Juan Manuel Bellver (Corresponsal de EL MUNDO en  París)





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Retrospectiva del malagueño


Zúrich viaja en el tiempo para resucitar a Picasso

La muestra de 1932 fue la primera retrospectiva de un artista vivo

En aquella ocasión sólo se vendió un cuadro, que compró el propio museo





'Bañistas con balón de playa' (1928), una de las obras de la muestra  de Picasso. | Kunsthaus Zúrich
 
En septiembre de 1932, Pablo Picasso, que ya era un artista famoso, condujo en su auto desde París hasta Zurich para inaugurar una mega exhibición de sus obras que marcó un punto de inflexión en la historia de la cultura occidental.
Aunque él mismo fue el organizador del evento y se hospedó durante dos días en un lujoso hotel cercano, nunca fue a ver sus propias obras en el Museo Kunsthaus de la ciudad. Este invierno boreal, y para celebrar su centenario, el Kunsthaus recreó la histórica exhibición -o la mitad de ella- y ha convocado a multitudes.

Para la nuestra original, Picasso, que entonces tenía 51 años, eligió las 229 obras, entre pinturas, litografías y un puñado de esculturas de bronce. "En efecto (...) él escogió esta también", dice Tobia Bezzola, que organizó el nuevo evento.

En una época en que el arte contemporáneo era normalmente exhibido en galerías privadas y comerciales, la muestra de 1932 fue probablemente la primera retrospectiva de un artista vivo en un museo, según los historiadores culturales.




'Desnudo contemplando el mar' (1929) obra de Picasso

Pionero

El trabajo de cubrir la cosecha del artista español desde 1899, cuando era un prodigio de 18 años en Barcelona, hasta los períodos rosa, azul, cubista, constructivista y semi surrealista que atravesó ya en París a comienzos del siglo XX, inició una tendencia que sacudió al mundo del arte después de la Segunda Guerra Mundial y que sigue vigente hasta ahora.

Con sus catálogos, en versiones económicas y caras, sus posters y comunicados de prensa, la primera exhibición en el Kunsthaus fue un prototipo de las exitosas instalaciones de arte que actualmente generan ganancias a los grandes y pequeños museos de todo el mundo.

Éxito de público, no de ventas

Aunque en ese momento no dejó mucho dinero, ya que el mundo se encontraba en medio de los efectos de la Gran Depresión, el evento tuvo una impresionante convocatoria de 32.000 visitantes durante los dos meses que duró.

Un reflejo de la precaria situación económica de la época es que no se vendieron ninguno de los lienzos ofrecidos por Picasso, excepto uno, que fue comprado por el propio museo.

Aquel trabajo cubista, 'Guitar on a Gueridon', de 1915, es una de las piezas centrales de la nueva exhibición, que comenzó el 15 de octubre y finaliza el 30 de enero y ya ha recibido 250.000 visitantes.


elmundo.es





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Picasso mantiene su posición en el mercado de subastas


El cuadro La lectura supera las estimaciones iniciales de los expertos y es vendido por 29,3 millones de euros en Londres       





La lectura, el cuadro de Picasso subastado por 29,3 millones de euros

Picasso continúa manteniendo su posición en las subastas de arte. El óleo sobre lienzo, que fue pintado por el pintor malagueño en 1932 y que está dedicado a su amante y musa Marie Thérèse Walter, a quien conoció cuando la joven tenía 17 años y con la que mantuvo una relación secreta mientras estaba casado con la bailarina rusa Olga Khoklova, alcanzó este martes los 25,2 millones de libras (29,3 millones de euros) en una subasta en la prestigiosa casa de subastas londinense Sotheby's, según ha informado un portavoz.

Los expertos habían calculado que la obra alcanzaría un valor que oscilaría entre los 12 y los 18 millones de libras (entre 14 y 21 millones de euros), muy lejos de los 81 millones de euros que alcanzó Desnudo, hojas verdes y busto en el año 2010. Sin embargo, los vaticinios se quedaron cortos ya que la obra del pintor malagueño superó con los cálculos iniciales.

Por La lectura, que fue vendida dentro de un lote dedicado a la pintura modernista e impresionista y que pertenecía a un coleccionista privado americano, pujaron el martes por la tarde siete compradores, tanto en la sala como por teléfono. Después de seis minutos de acalorada competencia, el cuadro se vendió finalmente a un comprador anónimo que pujó por teléfono, según el mismo portavoz.




'Tete de femme' (1963), de Pablo Picasso.

En el cuadro, aparece Walter sentada en un sillón con la cabeza inclinada hacia arriba y los ojos cerrados mientras un libro abierto descansa sobre su regazo. Los expertos han comparado el cuadro con otro titulado El sueño, pintado el mismo año, a causa de la similitud de composición de ambas obras.

Otro Picasso que tampoco defraudó en la subasta fue Compotier et verres, pintado en 1943 y cuyo precio acordado se mantuvo dentro de lo previsto por los expertos: 802.850 libras (946.079 euros).




'Home assis sur une chaise' (1956), de Pablo Picasso


Otras subastas de Picasso

Si a principios de los años noventa el rey indiscutible de las subastas fue Van Gogh, con el nuevo siglo, la marca Picasso se ha convertido en una de las más cotizadas. El artista malagueño es de los más buscados por los coleccionistas y de los más caros. Estos son los picassos más caros de la historia:




- Desnudo, hojas verdes y busto (1932). 81,9 millones de euros. Año 2010. El 'picasso' más caro de la historia vale 81 millones de euros. La obra subastada en Christie's, pintada por el artista en 1932, bate el récord mundial en Mayo de 2010. Picasso sigue siendo el artista con mayúsculas, al menos para aquellos afortunados o previsores millonarios cuyas fortunas no se volatilizaron con la caída de los mercados financieros en 2008 y la crisis subsiguiente. Una vez más, el malagueño ha hecho historia en la sede de Christie's en Nueva York con la venta de Desnudo, hojas verdes y busto (1932) por 106,4 millones de dólares (81 millones de euros), convirtiéndose así en el cuadro más caro jamás subastado y también en el Picasso más valioso.




- Garçon a la pipe (1904). 80 millones de euros. Año 2004.




- Dora Maar au chat (1941). 68,6 millones de euros. Año 2006.




- Femme aux bras croisés (1904). 39,6 millones de euros. Año 2000.



elpais.com





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Cirujano Picasso





¿Otra exposición dedicada a Picasso? Sí. De las que los enemigos del malagueño necesitan pasar con caldo de almax. No una elefantiásica, destinada a congregar multitudes, sino pequeña, turbadora, necesaria. Picasso: guitars 1912-1914, es la historia viva del cubismo. Ese zarpazo parido entre el genio y su amigo Georges Braque. Muestra collages, dibujos, óleos (pocos) y esculturas en los que la guitarra descompuesta aparece y desaparece. Dos años después de soliviantar retinas con Las señoritas de Avignon, Picasso viaja en compañía del cortocircuito. Discute los principios últimos del arte. ¿Qué es hermoso? ¿Qué puede hacerse mientras Einstein dinamita las esferas y el cinematógrafo y la fotografía devoran la representación? ¿Hasta donde llegar? ¿Cuales son los límites? Como explica Holland Cotter en su crónica para el New York Times, «El cubismo fue, inicialmente, menos un estilo (aunque llegaría a serlo) que una manera de repensar el papel del arte en el mundo (…) Por una parte, se enchufaría al mundo real, cotidiano (en contraposición a la Academia), por el otro lado, crearía un mundo propio, que abrazará una constante experimentación pero también remodela las tradiciones existentes».

Por supuesto que esos parámetros, con el auge de la "posposposposmodernidad" (Montalbán dixit) derivarían en una suerte de lánguida apropiación de códigos sin otra chicha que el mero y sonriente niquelado que nada muerde o cuestiona. En la boutade inane. En la performance de genealogía estalinista que no cuenta nada, primero, ya lo explicaba David Mamet, por miedo a acabar en el gulag. Una vez exportada, triunfante, porque el mensaje pierde tracción, tuétano, hasta convertirse en incómodo abanico del que el artista prescinde. Así, hasta desembocar en cierto cine experimental, ciertos cortos patrocinados, cierta novela idiota, cierto vídeoarte, casi todo, que hace de la metáfora vacía, cool, estridente, niñata, su única bandera. Picasso no tiene la culpa. Ni de la miríada de tonterías que reciben bendiciones críticas ni de la caricaturización del arte moderno que acabo de perpetrar. Picasso, a lo suyo. A recoger y despojar influencias.

En la exposición del MoMA Picasso abarca cafés humeantes. Estudios gélidos. Postales vistas desde su ventana. Botellas y migas de pan sobre el hule a cuadros que hay frente al caballete. Periódicos de calendario quemado. Etc. Como un monje paciente y loco borra lo prescindible. Los clientes del café. El camarero. El perrito que husmea bajo las mesas, los churros, las bufandas, el vaho de los cristales, los ceniceros bronquíticos, las conversaciones y hasta las puertas. Elimina a la casera gorda. Al vecino mirón. Las telarañas del estudio. Las manchas de semen en las sábanas de la modelo y la modelo misma. Los anuncios por palabras. Los grandes discursos políticos, los columnistas y titulares del diario. Todo lo que los pintores previos dibujaron con paciencia, barba amarilla, muñeca somnolienta, anillo de diamante falso, sombrero de artista respetable, ardor de estómago y bostezo. Deja lo necesario. El perfil femenino de la guitarra. La sombra de unos muslos automáticos. El trasluz de las palabras colocadas junto a la bombilla insuficiente. Con eso, con lo mínimo, busca la función última, el interruptor cerebral que lejos de querer abrumarnos o perpetrar la mera continuación de lo ya visto redescubre la vida y desabrocha sus venas. Rechazadas las convenciones, guías y estilos destripará el mundo con intención y finura de relojero valiente. Construirá esqueletos desprovistos de mala literatura y peores costumbres.




Picasso en su estudio, sin datar

Tan amante de la figura humana, tan capaz de radiografiar una psique abocetando un ojo, abandona los tristes arlequines, los niños con paloma, los payasos azules. Deja para más tarde el colosalismo de las bellísimas gordas que corren por la playa, los minotauros priápicos, las palomas románticas, los mosqueteros, para cuando la planta necesite reactivarse bebiendo en el limo de la pintura barroca española, cuando la Guerra Civil solicite de una pasión política que veinte años antes congela en favor de un ruidoso silencio. Con los años llegaría a ser una repetición de sí mismo, como por otra parte le sucede a cualquier artista con demasiada obra. En 1912, antes del triunfo, hambriento de gloria, incapaz de abrazarla por vías convencionales, se maneja con poco. Con los cuchillos que evisceran objetos. Que galvanizan, felices, la música oculta para cualquiera excepto el pintor atento.

Según sentencia luminosa de Arcadi Espada a Picasso solo le interesaron dos cosas. Su polla y su pintura. Eso que ganamos quienes estamos hartos de tanto creador palabrero y tanto ego derrochado en salvas. Durante siglos el arte desempeñó un papel mágico u ornamental. Después, en tiempos recientes, quedaría dañado por los misioneros de la jerga, los críticos alelados, la nausea que provocan las noticias de subastas millonarias, los modernos sin nada que contar, su metafísica curil, los catálogos de prosa tartaja, las sublimes instalaciones que invitan al pistoletazo. En 1912, ajeno a lo ya visto, incapaz de otra cosa que no fuera cabalgar el tigre, Picasso modelaba el cubismo. También podría haberlo llamado verdad. Cirugía.




Guitars 1912-14. Obra de Pablo Picasso. (Naturaleza muerta con guitarra). Estado Variant. París, reunidos antes de Noviembre 15 de 1913. Posteriormente conservado por el artista. Cartón, papel, cuerda y alambre pintado instalado con caja de cartón cortado, 76,2 x 52,1 x 19.7cm. Museo de Arte Moderno de Nueva York. Regalo artista.

Picasso: Guitarras 1912-1914
Exposición MoMA Nueva York
Del 13 Febrero al 6 Junio de 2011



elmundo.es / moma.org / curatedobject.us





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Picasso se 'reencuentra' con Van Gogh


'Picasso en París, 1900-1907' muestra 80 obras sobre la primera etapa parisina del pintor     




'Autorretrato con paleta' obra de Pablo Picasso. 1906, Philadelphia Museum of Art. A. E. Gallatin Collection. Pictoright Amsterdam 2011

Cuando Picasso viaja a París por primera vez tiene solo 19 anos y está dispuesto a devorarlo todo. Él vive entonces en Barcelona, ciudad mucho más moderna que Madrid, por ejemplo, pero nada que ver con aquél París, capital mundial del arte. Acompañado por dos amigos escritores, Pallarés y Carles Casagemas llegan al final de la exposición mundial de París, pero les da tiempo de sobra para conocer la obra en directo que entonces hacían artistas como Toulouse Lautrec, Cezannne, Seurat.....Y todo lo que ve lo asimila y lo acaba llevando a sus lienzos. Esta es la etapa de Picasso que muestra la exposición Picasso en París, 1900-1907 que el viernes se abre al público en el Museo van Gogh de Amsterdam; es la etapa en la que el artista español se convirtió en un referente en la vanguardia europea, antes de pintar sus Señoritas de Avignon. A partir del 1 de junio, la muestra será reinterpretada en el Museo Picasso de Barcelona. Los cambios serán sustanciales porque mientras que en Amsterdam sólo hay un retrato de Van Gogh, en Barcelona se podrán ver 15 obras del artista holandés, explica Pepe Serra, director del Museo Picasso de Barcelona.




'Señuelos para hombres' obra de Pablo Picasso. Pictoright Amsterdam. Reproducido en Le Frou-Frou. 31 de agosto de 1901

Marilyn McCully la comisaria y experta mundial en Picasso asegura que esta es la primera vez que en Holanda van a poder conocer de una manera más detallada la obra de Picasso. Las ochenta obras prestadas por coleccionistas de todo el mundo detallan como Picasso descubre París (Toulouse-Lautrec, Steinlen, Cézanne, Gauguin y Van Gogh le hacen experimentar con técnicas y colores nuevos). Se pasa después al Picasso simbolista, cuando el pintor adopta un estilo melancólico y triste a consecuencia del suicidio de su amigo Carles Casagemas, iniciando así el Periodo Azul. La vida Bohemia es el tercer apartado, dedicado básicamente al circo y por fin, la exposición llega a lo que fue el estudio parisino del pintor, el Bateau Lavoir desde donde llega a cambiar la historia del arte del siglo XX.




'Esperando (Margot)', obra de Pablo Picasso. 1901 Museo Picasso, Barcelona. Pictoright Amsterdam 2011




'Casagemas en su ataúd', obra de de Pablo Picasso. 1901, Colección privada. Cortesía James Roundell. Pictoright Amsterdam 2011




'Mujer desnuda peinándose el pelo', obra de de Pablo Picasso. 1906. Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas. Pictoright Amsterdam 2011




'Naturaleza muerta', obra de Pablo Picasso. 1901. Museo Picasso, Barcelona. Pictoright Amsterdam 2011


 
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Picasso, doble ración


EE UU celebra al artista con dos nuevas exposiciones





'Guitarra', de Picasso, una de las obras expuestas en el MOMA de Nueva York.

Picasso se multiplica como los panes y los peces. Los estadounidenses lo adoran, ya sea en galerías como Gagosian, donde hace dos años la gente se peleaba por entrar para ver el trabajo del artista en el corazón del barrio de galerías ultramodernas de Chelsea, en Nueva York o en grandes museos, donde la pasada primavera ya fue protagonista con sendas exposiciones en el Museo de Arte Moderno (MOMA) y en el Metropolitan de la misma ciudad. Pero con un creador tan prolífico, admirado, mitificado y bien cotizado como Picasso, las posibilidades de ángulos de comisariado y el número de obras con las que organizar una exposición parecen inagotables así que ya sea por casualidad o de forma planificada, Estados Unidos vuelve a celebrar al artista con dos grandes exposiciones.

La primera se inauguró el pasado fin de semana en el MOMA. Bajo el título Guitarras 1912-1914 la muestra explora una de las épocas de experimentación más radical del artista, con más de sesenta piezas que raramente se han visto juntas antes y que se unen bajo una mirada común: la del cubismo en plena ebullición. La segunda exposición, en cambio, se inaugura el próximo viernes en el Virginia Museum of Fine Arts en Richmond, y es una ambiciosa y monumental retrospectiva organizada con fondos del Museo Nacional Picasso de París, actualmente cerrado por obras, lo que ha permitido que 176 cuadros que raramente salen de aquella institución se muestren en Estados Unidos hasta el próximo 15 de mayo.

El punto de arranque de la exposición del MOMA son dos obras que el artista le donó al museo antes de morir: un collage cubista titulado Guitarra y fechado en 1912 y otro homónimo emulándolo pero esta vez realizado en metal en 1914. Entre ambas piezas el pintor malagueño utilizó la figura de la guitarra para experimentar con materiales y formas y avanzar hacia figuraciones y desfiguraciones radicales que después marcarían no solo su obra si no a muchos de sus contemporáneos y a casi todos los que llegaron después. En la muestra hay sobre todo collages pero también dibujos, óleos fotografías y esculturas procedentes de 35 museos internacionales con las que se construye una visión muy poco común de un período especialmente importante en la producción del artista.

La muestra del Virginia Museum of Arts, titulada Obras maestras del Museo Nacional Picasso de París es exactamente eso, un recorrido a través de las obras que el propio artista coleccionó a lo largo de ocho décadas y en las que están representados todos sus periodos creativos. Curiosamente el museo no se limita a anunciarla por su valor artístico si no que el mismo director aparece en un video promocional del museo hablando del impacto económico que tendrá la exposición en el área de Richmond. No es un secreto que Picasso mueve millones y ahora que tanto escasean en el mundo de la cultura, su figura se presenta como un reclamo seguro para llenar las maltrechas arcas de las instituciones.


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El viaje de un 'picasso' hasta los territorios palestinos


Un museo holandés negocia la cesión de 'Busto de mujer' a una academia de arte en Ramala

El traslado del cuadro y su paso por los controles israelíes será filmado como parte de un proyecto artístico





Busto de mujer (1943), expuesta en el museo holandés Van Abbe, que negocia su cesión a la Academia Internacional de Arte Palestina

La Academia Internacional de Arte Palestina, situada en Ramala, la ciudad cisjordana sede de la Autoridad Nacional Palestina, ha pedido al museo holandés Van Abbe la cesión de un cuadro de Picasso. Se trata de Busto de mujer (1943), una obra elegida por los propios estudiantes de la Academia, que querían presentar a un gran pintor moderno en su centro. Ambos partes están ultimando los detalles del acuerdo para que la pintura sea expuesta lo antes posible.

"Probablemente hablamos de la muestra más pequeña del mundo dedicada a Picasso, porque solo incluye esta pieza. Lo interesante es ver cómo llega y la respuesta del público", han asegurado portavoces del museo holandés. Será también la primera vez que un lienzo del pintor malagueño viaje a territorio palestino. Su traslado desde Holanda y su paso por los controles israelíes hasta alcanzar Ramala formarán parte de una cinta filmada como parte de la cesión. La Academia Internacional de Arte Palestina se ha comprometido a preparar una habitación especial con la temperatura adecuada para que el cuadro no se estropee.

La película del viaje de Busto de mujer tiene un candidato clave para dirigirla: el cineasta palestino Rashid Masharawi. Nacido en Gaza, e hijo de una familia de refugiados, hoy vive y trabaja en Ramala. Allí fundó el Centro de Producción y Distribución de Cine. Entre otras cosas, se ocupa de proyectar películas en los campos de refugiados y de organizar un festival de cine infantil.

El museo holandés Van Abbe, abierto en la ciudad de Eindhoven (sede de la multinacional electrónica Philips), alberga una importante colección privada de Picasso y Kandinsky.



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Museo Picasso Málaga - Exposición 'Kippenberger miró a Picasso'



Una obsesión por Picasso


Una exposición analiza la atracción de Kippenberger por el artista malagueño





Un fotógrafo en la exposición Kippenberger miró a Picasso, en el Museo Picasso Málaga

Martin Kippenberger (Dormunt, Alemania, 1953-Viena, Austria, 1997) fue un enfant terrible de la escena artística internacional en la década de los 80 del siglo pasado. Artista prolífico, que amaba la controversia y combinaba la irreverencia con su pasión por el arte, Kippenberger mostró su talento en campos diversos: pintura, escultura, dibujo, instalaciones y fotografía; y, además, grabó varios discos con un grupo punk. Fue también el cabecilla de la generación de artistas jóvenes, los chicos malos nacidos después de la II Guerra Mundial, que surgió en la estela del neoexpresionismo alemán. Entre sus compañeros artísticos estaban Markus y Albert Oehlen, Georg Herold y Günther Förg, casi tan célebres por sus juergas como por su arte. Precisamente, una de sus esculturas de esta época se titula Farol para borrachos y puede verse hasta el 29 de mayo en el Museo Picasso Málaga (MPM), que hoy inaugura la exposición Kippenberger miró a Picasso.

La muestra exhibe 55 obras entre pinturas de gran formato, dibujos, esculturas, 48 libros de artista y 73 carteles y tarjetas de invitación realizados a lo largo de su carrera. También reúne una selección de imágenes, comentarios y entrevistas en vídeo de 1979 a 1997 que documentan los trabajos expuestos.




La muestra exhibe 55 obras entre pinturas de gran formato, dibujos, esculturas, 48 libros de artista y 73 carteles y tarjetas de invitación realizados a lo largo de su carrera.


Las fotografías del malagueño en 1962 inspiraron obras del creador alemán

Kippenberger miró a Picasso es la segunda exposición que acoge el Museo Picasso, tras la de Bill Viola, que busca la huella de Picasso en los artistas de la segunda mitad del siglo XX. Así, se muestra el acercamiento de las obras de Kippenberger a las del artista malagueño, pero, según destacó ayer el director del MPM, José Lebrero, "centradas en un Picasso como un icono complejo o poderoso en el dominio de la cultura contemporánea y no solamente haciendo una especie de interpretación formalista de su obra".

Por su parte, la comisaria de la muestra, Eva Meyer-Hermann, aseguró que a Kippenberger le interesó de Picasso "la personalidad, el papel que desarrolló y cómo eso lo presentaba a su entorno mediante sus obras o sus apariencias públicas". Según la comisaria, no hay que hablar de "la influencia estilística" de Picasso en el artista alemán; sino de "paralelismos", es decir de "la presencia de Picasso como el nombre asociado al arte moderno".

Y es que, la obra de Kippenberger se compromete con los conceptos culturales, y en ese sentido es moderna y a la vez vanguardista. Kippenberger toma al pie de la letra los clichés de los medios de comunicación, los políticos y las imágenes de publicidad, poniendo en tela de juicio tanto nuestra realidad social como la historia de nuestra cultura.

A Kippenberger la obra de Picasso le fue familiar desde la infancia. En su casa convivió con reproducciones de sus obras y, al igual que el genio malagueño, mostró un temprano interés por la pintura alentado por su padre, un pintor aficionado. Desde entonces y hasta el final de su vida, las alusiones a Picasso se repitieron constantemente.




Ohne Titel / Sin título. De la serie Jacqueline: The paintings Pablo couldn't paint anymore / Jacqueline: Los cuadros que Pablo ya no pudo pintar. 1996. Óleo sobre lienzo. 180 x 150 cm. Penny Pritzker y Bryan Traubert © Estate Martin Kippenberger, Galerie Gisela Capitain, Cologne.


'Jacqueline: los cuadros que Pablo ya no pudo pintar' es una de las series

Ya a mediados de los ochenta, para una exposición en Tenerife, Kippenberger realizó el cartel y la tarjeta de invitación utilizando una conocida fotografía tomada por David Douglas Duncan en 1962 en la que Picasso posa en calzoncillos con un perro. Esta misma imagen le sirvió de inspiración para las fotografías con las que ilustró un calendario de 1988 y para crear, ese mismo año, una serie de autorretratos en gran tamaño, Sin título (1988), que pinta durante su estancia en Carmona (Sevilla), donde residió después de vivir en Tenerife y antes de afincarse una temporada en Madrid. Una selección de estos óleos pueden verse en el MPM.

Un año antes de morir, con sólo 43 años debido a un cáncer de hígado, Kippenberger volvió a interesarse por las fotografías que Duncan realizó a Picasso y a su esposa Jacqueline Roque. El resultado fue Jacqueline: los cuadros que Pablo ya no pudo pintar (1996), una serie de óleos que reflexionan sobre los límites difusos entre retrato y autorretrato, entre lo masculino y lo femenino, la identidad y la pérdida. El propio Kippenberger explicó entonces: "Picasso ha muerto, y ella se ha puesto triste. Así que yo me hago cargo de su trabajo. Basándome en las últimas fotos que había de Jacqueline, en blanco y negro y desenfocadas, intento trasladarlas al color y convertirlas en picassos. En cierto modo, completar su obra, por así decir. Al fin y al cabo, ella fue uno de sus temas principales".




Ohne Titel / Sin título (Medusa) Palazzo Vendramin - Venezia. 1996. Lápiz sobre papel de carta con membrete de hotel. 21 x 29,7 cm. Cortesía de Galerie Gisela Capitain © Estate Martin Kippenberger, Galerie Gisela Capitain, Cologne Photo © Simon Vogel, Cologne




Ohne Titel / Sin título. De la serie Jacqueline: the paintings Pablo couldn't paint anymore / Jacqueline: los cuadros que Pablo ya no pudo pintar. 1996. Óleo sobre lienzo. 180 x 150 cm. © Estate Martin Kippenberger, Galerie Gisela Capitain, Cologne.




Ohne Titel / Sin título. 1988. Óleo sobre lienzo. 240 x 200 cm. Nicolas Berggruen Charitable Trust. © Estate Martin Kippenberger, Galerie Gisela Capitain, Cologne.




Ohne Titel / Sin título (Medusa) Wiener Staatsoper. 1996.Lápiz de color sobre papel de carta con membrete de hotel. 29,7 x 21 cm. Cortesía de Galerie Gisela Capitain. © Estate Martin Kippenberger, Galerie Gisela Capitain, Cologne Photo © Simon Vogel, Cologne



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Exposición en La Casa Natal de Picasso


Los momentos más íntimos de Picasso



'El barbero de Picasso' es una colección de fotogrías, carteles y dedicatorias





Eugenio Arias con Pablo Picasso.

La Casa Natal de Picasso acoge desde este martes y hasta el 17 de abril una de las exposiciones más íntimas en torno al pintor malagueño. Titulada 'El barbero de Picasso', la exposición es una colección de fotografías, dedicatorias y cartelería.

La muestra se presenta como el testimonio de una amistad y homenaje a dos hombres: Eugenio Arias Herranz, el barbero, y Pablo Ruiz Picasso. Una amistad española que surgió en territorio francés, estando ambos exiliados, y que duró 26 años. De hecho, el artista fue testigo de la boda de Eugenio Arias con su esposa Simone, que tuvo lugar en 1950 en Vallauris (Francia), y cuya acta de matrimonio puede verse en la Casa Natal.




De la Torre y Lourdes Moreno en la presentación de la muestra.

Salvo algunos carteles realizados por el propio Picasso, como el de 'Toros en Vallauris', de 1958, o el cartel del Congreso Mundial para el desarme y la paz, de 1962, la muestra se centra en esos momentos intimistas que muestran a un Picasso diferente, un hombre natural y espontáneo que tenía una gran relación con su barbero, al margen de su figura de gran artista.

Fotografías en blanco y negro en las que se ve a un Picasso descamisado mientras Eugenio Arias recorta su pelo y su barba, o fotografías del barbero cortándole el pelo a Jacqueline, última esposa del pintor. De hecho, también se pueden ver fotografías realizadas por la propia Jacqueline y alguna imagen de Picasso acudiendo de visita a la casa de su barbero. Así como un fotomontaje de 1989 que mezcla los rostros de Picasso y Eugenio.




Una joven observa varias fotos de la muestra.

Haciendo un recorrido por la muestra, que también incluye utensilios del barbero y varios regalos a la familia Arias dedicados por Picasso -algunos con dibujos del artista-, se conoce más la parte personal del pintor malagueño y también la de este barbero no tan conocido.

Eugenio Arias, nacido en Buitrago de Lozoya, donde donó estas obras en 1982 dando lugar a la creación del Museo Picasso-Colección Arias, fue veterano en la Guerra Civil y participó también en la II Guerra Mundial.




Eugenio Arias Herranz, el barbero, y Pablo Ruiz Picasso.

Tras su exilio, pasó el resto de su vida en Vallauris, donde falleció en 2008, y donde compartió con Picasso una gran amistad cimentada en la pasión por los toros y el comunismo, así como la añoranza por España y su cultura.

Ahora esta amistad llega a la Casa Natal de Picasso gracias al hijo del barbero, Pedro Arias, que durante la presentación de la misma ha recordado cómo veía a Picasso, siendo él muy pequeño, como un amigo más de su padre, "luego resultó que era un gran pintor", ha bromeado.




Fotografía de Picasso expuesta en la Casa Natal.


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