Portal    Foro    Buscar    FAQ    Registrarse    Conectarse
Mensaje del equipo




Publicar nuevo tema  Responder al tema 
Página 1 de 1
 
 
Google Earth: Obras Maestras De La Pintura Vistas Como Nunca
Autor Mensaje
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje Google Earth: Obras Maestras De La Pintura Vistas Como Nunca 
 
Google extiende un proyecto español de digitalización de cuadros en el que han participado museos como el Reina Sofía, el Thyssen-Bornemisza, la National Gallery de Londres, el MoMA de Nueva York o la Galería de los Uffizi de Florencia     



El ojo de Google entra en el museo



detalleojoobracarpaccio

Imagen extraída de la web www.googleartproject.com: detalle de un ojo en Joven caballero en un paisaje, de Carpaccio, obra del museo Thyssen


imagendelapinturacomple

Imagen de la pintura completa Joven caballero en un paisaje, de Carpaccio


thyssen

Museo Thyssen - Bornemisza: Young Knight in a Landscape, Vittore Carpaccio

Más info: http://www.googleartproject.com/?ut...aign=artproject

Google ha dado a conocer hoy su llamado "Proyecto Artístico", una colaboración única con algunos de los museos de arte más aclamados del mundo, cuyo objetivo es que los ciudadanos puedan descubrir y ver online más de mil obras de arte con un nivel de detalle extraordinario. La idea original de Google ha sido desarrollada por cuatro españoles, Koldo García, Iñaki Arredondo, Antonio Solis y Fernando García, de la empresa madrileña Madpixel. En el último año y medio, de la mano de Google, han trabajado con 17 museos de todo el mundo, entre ellos los españoles Reina Sofía y Thyssen-Bornemisza, que han aportado sus obras La botella de Anís del Mono de Juan Gris y Joven caballero en un paisaje de Vittore Carpaccio, respectivamente. Los resultados de esta colaboración pueden verse en googleartproject.com . En 2009 ya se presentó una suerte avanzadilla del proyecto para el Museo del Prado.

Cada una de estas imágenes contiene alrededor de 14.000 millones de píxeles, lo que equivale a más de 1.000 veces el detalle que se conseguiría con una cámara de fotos normal

Para el proyecto se tomó además una selección de imágenes en súper alta resolución de famosas obras de arte. Asimismo se han creado visitas a galerías de arte usando la tecnología para interiores en 360 grados de Street View. Con este proyecto, cualquier usuario en cualquier parte del mundo podrá conocer la historia y los artistas que se encuentran detrás de un gran número de obras de arte con tan sólo hacer un clic con el ratón, informa el buscador en un comunicado.

"Internet ha permitido que el acceso a la cultura se democratice y que cualquier persona, sin importar dónde se encuentre, pueda admirar el arte de maestros como Rembrandt, Van Gogh, Juan Gris o Manet. Además, la tecnología utilizada para este proyecto permite un nivel de detalle verdaderamente asombroso, por lo que la experiencia de cada usuario al visualizar el cuadro será distinta", explica Javier Rodríguez Zapatero, director de Google España.

Cada uno de los museos ha colaborado exhaustivamente con Google, aportando su experiencia y orientando en todas las etapas del proyecto, desde la selección de las colecciones que debían integrar el proyecto y aconsejando sobre cuál era el mejor ángulo desde el que tomar las fotos, hasta sugiriendo qué tipo de información debía acompañar a la obra de arte. Cada una de estas imágenes contiene alrededor de 14.000 millones de píxeles, lo que equivale a más de 1.000 veces el detalle que se conseguiría con una cámara de fotos normal. En el proyecto pueden verse obras de arte tan distintas como El nacimiento de Venus, de Botticelli, No Woman, No Cry de Chris Ofili, obras postimpresionistas de Cézanne o iconografía bizantina; incluso nos podremos trasladar de los techos de Versalles a los templos del Antiguo Egipto, o de una colección de Whistler a Rembrandt. En total se han incluido en el proyecto 486 artistas de distintos puntos del planeta.


palaciodeversallesmaraa

Palacio de Versalles: María Antonieta de Lorena-Habsbourg, reina de Francia, y sus hijos, Louise Elisabeth Vigée-Lebrun


Igual que pasear por el museo

Gracias a la tecnología de Street View, que Google emplea en sus callejeros urbanos, los usuarios podrán moverse virtualmente por las galerías de los museos y seleccionar las obras de arte que más les interesen. Podrán hacer clic en ellas para obtener más información o ver las imágenes en alta resolución cuando estén disponibles. El panel de información permite que se pueda acceder a más detalles sobre la obra de arte, que se encuentren más trabajos de ese artista o que se acceda a vídeos relacionados en el portal YouTube.


Mejor que en vivo

Cada uno de los 17 museos seleccionó una obra de arte para fotografiarla a un nivel de detalle extraordinario, utilizando para ello una tecnología fotográfica de gigapíxeles o súper alta resolución. Cada imagen de este tipo contiene aproximadamente 14.000 millones de píxeles que permiten que la persona que la contempla pueda estudiar detalles como la pincelada y la pátina de una forma que no podría apreciar a simple vista. Detalles difíciles de identificar emergen de repente a la superficie, como la minúscula copla latina presente en la obra de Hans Holbein el Joven, Retrato del mercader George Gisze, o las personas ocultas detrás de un árbol en la obra de Ivanov, Aparición de Jesucristo ante el pueblo.

Además, los museos han proporcionado imágenes de alta resolución para una selección de más de 1.000 obras de arte. Este nivel de zoom permite que los amantes de la pintura puedan ver detalles minúsculos de los cuadros que posiblemente nunca habían visto de cerca, como las personas en miniatura en el río que aparece en la pintura de El Greco, Vista de Toledo, o los puntos individualizados en la obra de Seurat, Una tarde de domingo en la Isla de la Grande Jatte.


rijks

Rijksmuseum / Night Watch, Rembrandt Harmensz. van Rijn

Más info: http://www.googleartproject.com/?ut...aign=artproject



Las cifras del Proyecto artístico:


- 17 museos

- 11 ciudades, 9 países

- 17 pinturas en gigapíxeles

- Más de 6.000 panoramas de Street View

- 1.061 imágenes de obras de arte en alta resolución

- 486 artistas

- 385 salas de galerías



Museos participantes


- Altes Nationalgalerie, Berlín, Alemania

- Gemäldegalerie, Berlín, Alemania

- Colección Frick, Nueva York, EE.UU.

- Galería Freer del Smithsonian, Washington DC, EE.UU.

- MoMA, The Museum of Modern Art, Nueva York, EE.UU.

- The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE.UU.

- Museo Reina Sofía, Madrid, España

- Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, España

- Palacio de Versalles, Francia

- Galería de los Uffizi, Florencia, Italia

- Galería Tretyakov, Moscú, Rusia

- Museo Hermitage, San Petersburgo, Rusia

- Museo Kampa, Praga, República Checa

- Museo Van Gogh, Ámsterdam, Países Bajos

- Rijksmuseum, Ámsterdam, Países Bajos

- National Gallery, Londres, Reino Unido

- Tate Britain, Londres, Reino Unido



Google mira al Prado con lupa


Los 14 "imprescindibles" del museo del Prado se exponen en la Red en altísima resolución



detalledeeldescendimien

Detalle de 'El descendimiento', de Roger van der Weyden. En el recuadro, las lágrimas del apóstol San Juan, segundo por la izquierda en el lienzo.
 

Una lupa gigante mira desde ayer al detalle 14 de las obras imprescindibles del Museo del Prado. Pequeños universos se despliegan así inusitados ante la mirada de investigadores, estudiantes o simples aficionados. No son 14 obras cualesquiera. La pinacoteca posee un millar de piezas maestras, pero las elegidas forman parte de lo que se conoce como El Prado esencial: Las meninas de Velázquez; El jardín de las Delicias, de El Bosco; El caballero de la mano en el pecho, de El Greco... Y en ellas hay mucho, muchísimo de nuevo que ver. De las lágrimas de San Juan en El Descendimiento, de Roger van der Weyden, a la abeja que se revolotea sobre el pétalo de una rosa en el lienzo Las tres gracias, de Rubens, o la expresión desencajada por el terror de uno de los ajusticiados de Los fusilamientos del 3 de mayo, de Goya.

Todo ello es posible gracias a un acuerdo entre la pinacoteca madrileña y el buscador Google, que aplica a los lienzos las técnicas de su herramienta Google Earth (http://earth.google.es), que permite con imágenes vía satélite obtener fotografías detalladas de casi cualquier rincón del mundo. El resultado es asombroso; su nitidez es 1.400 veces mayor de la que se conseguiría con una cámara digital de 10 megapíxeles.

El proyecto convierte al Prado en el primer gran museo internacional que facilita el acceso a sus tesoros en megaaltarresolución a través de Internet. Su director, Miguel Zugaza, aseguró ayer, durante la presentación del ingenio, que El Prado entra así de lleno en el siglo XXI al enriquecerse con el aporte de las nuevas tecnologías. "Con un realismo prodigioso, se universaliza el conocimiento de las obras. Disponemos ahora de una herramienta deslumbrante para investigadores, docentes y amantes del arte".

En los trabajos se ha empleado medio año. Para dibujar esos minuciosos mapas se realizaron más de 8.200 fotografías que después se han montado como un puzle. La tecnología de Google Earth, mezcla de microscopio y atlas que todo lo ve, hizo el resto.

Zugaza explicó que la selección de los cuadros es la misma que ofrece la web del museo, una lista consensuada entre los expertos de la pinacoteca. Piezas consideradas en todo el mundo como obras cumbre de la historia del arte y reproducidas hasta la saciedad en los manuales. "Me gustaría que el proyecto hubiera incluido el millar de piezas de la colección del museo, pero por el momento es imposible", añadió.

¿Y qué opinarían los maestros si vieran su obra desmenuzada al detalle? ¿Su genialidad cartografiada de esa manera? Zugaza aseguró que seguramente los artistas se quedarían horrorizados al ver sus artimañas pictóricas al descubierto y cuánto pesa sobre los lienzos el paso del tiempo.

Javier Rodríguez Zapatero, director de Google España, añadió que este proyecto supone un nuevo avance en la democratización del acceso a la información y a la cultura. "Acerca el arte a todo el mundo, sin importar en qué lugar se encuentre y gratis".


Las 14 obras disponibles en Google Earth


- La Crucifixión, Juan de Flandes

- El caballero de la mano en el pecho, El Greco

- La familia de Felipe IV o Las Meninas, Velázquez

- El sueño de Jacob, Ribera

- 3 de mayo, Goya

- La Anunciación, Fra Angelico

- El Cardenal, Rafael

- El emperador Carlos V, a caballo, en Mühlberg, Tiziano

- Inmaculada Concepción, Tiepolo

- El Descendimiento, Roger van der Weyden

- El jardín de las Delicias o La pintura del madroño, El Bosco

- Las tres Gracias, Rubens

- Autorretrato, Durero

- Artemisa, Rembrandt


p01174

Las Meninas o La familia de Felipe IV. Autor: Velázquez, Diego Rodríguez de Silva y. Hacia 1656. Óleo sobre lienzo, 318 cm x 276 cm. Museo del Prado. Procedencia Colección Real. Retrato de la infanta Margarita, hija de Felipe IV (1605-1665), rodeada de su servicio o “familia” en una sala del Alcázar de Madrid.

El cuadro más famoso de Velázquez encierra una compleja composición construida a partir de una admirable habilidad para el uso de la perspectiva, de la plasmación de la luz y de la representación de la atmósfera.

Las interpretaciones sobre el tema y la plasmación del mismo han sido múltiples. Las más numerosas subrayan la reivindicación de la nobleza de la pintura frente a las prácticas artesanales. Velázquez se autorretrata pintando el propio cuadro a la izquierda del lienzo, afirmando así la supremacía del arte de la pintura. La infanta Margarita (1651-1673), vestida de blanco, aparece rodeada en el centro de la composición por sus damas de compañía, las “meninas” María Agustina de Sarmiento e Isabel de Velasco, dos bufones de la corte, María Bárbola y Nicolasito Pertusato, y un perro mastín. Detrás de ella, aparecen conversando un guardadamas, la dueña Marcela de Ulloa, y, en la puerta, al aposentador José Nieto.

Los reyes, Felipe IV y Mariana de Austria (1634-1696), se reflejan en el espejo del fondo, dando lugar a un juego espacial de extraordinaria complejidad.



p00809

El caballero de la mano en el pecho. Autor: El Greco. Hacia 1580. Óleo sobre lienzo, 82 cm x 66 cm. Museo del Prado. Procedencia: Colección Real.

Retrato de personaje desconocido, vestido con traje negro de cuello y puños de encaje y luciendo colgante y espada, detalle que destaca su condición de caballero. Una de las obras maestras del Renacimiento español y una de las más divulgadas de la producción de El Greco.

Pintada en los primeros años del artista en Toledo, El caballero de la mano en el pecho se distingue por la expresividad de la mirada que el personaje mantiene fija en el espectador y el naturalismo en el gesto de la mano.

Existen muy diversas interpretaciones entorno a la identidad del personaje y al significado del gesto, afirmando algunos que simboliza diferentes estados, como arrepentimiento o un juramento. Aunque existan dudas razonables, se ha llegado a identificar al caballero con Juan de Silva y Ribera, III marqués de Montemayor, alcalde del Alcázar de Toledo.

Esta obra procede de la Quinta del duque del Arco en el Pardo (Madrid).



p01117

El sueño de Jacob. Autor: José de Ribera. 1639. Óleo sobre lienzo, 179 cm x 233 cm. Museo del Prado. Procedencia Colección Real. El cuadro narra el sueño misterioso del patriarca Jacob, según relata el Génesis, quien aparece dormido, recostado sobre el brazo izquierdo. Detrás de él se encuentra un árbol y al otro lado la escala de luz por la que suben y bajan los ángeles.

El asunto muestra la capacidad técnica de Ribera para construir un discurso metafórico. A través de la representación de un pastor tendido a descansar en el campo describe uno de los episodios bíblicos más conocidos. La visión en primer plano del personaje sólidamente construido y los rasgos realistas de la escena sirven para hacer verídico el sueño milagroso, que se describe en un haz de luz bajo un cielo azul y gris.

Ribera da aquí una de sus numerosas pruebas de su delicado sentido del color y su exquisita capacidad para la composición, al contraponer en diagonal los volúmenes del primer plano.

Probablemente se trate de uno de los cuadros que se citan en 1658 en el inventario de don Jerónimo de la Torre, permaneciendo en poder de su familia hasta 1718. En 1746 reapareció entre las pinturas de la reina Isabel de Farnesio con atribución a Murillo.



p00749

El tres de mayo de 1808, o Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío. Autor: Goya y Lucientes, Francisco de. 1814. Óleo sobre lienzo, 268 cm x 347 cm. Museo del Prado. Procedencia. Colección Real. Representación de los fusilamientos de patriotas de Madrid por el ejército de Napoleón, como represalia al levantamiento del 2 de mayo de 1808 contra la ocupación francesa.

Los soldados franceses, de espaldas a la derecha de la composición, apuntan a los madrileños que han de morir. El dramatismo y la tensión de la escena quedan subrayados por el uso de la luz, que ilumina fuertemente a los héroes permitiendo diferenciar sus caracteres y actitudes en un detallado estudio psicológico de los personajes.

Esta obra fue realizada junto a su pareja, El 2 de mayo de 1808 en Madrid: La lucha con los mamelucos (P748), a iniciativa del regente don Luis en 1814. Ambas pudieron servir para decorar un arco de triunfo durante la entrada de Fernando VII en su retorno a Madrid o como conmemoración en las celebraciones del 2 de mayo.

En el lateral inferior izquierdo se observan las huellas de los daños que sufrió el lienzo durante su traslado a Valencia en 1937, durante la Guerra Civil española.



p00742

La maja desnuda. Autor: Goya y Lucientes, Francisco de. 1797 - 1800. Óleo sobre lienzo, 98 cm x 191 cm. Museo del Prado. Procedencia: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, 1901.

Imagen de Venus desnuda, tendida sobre un diván de terciopelo verde con almohadas y colcha. La leyenda ha querido ver en la modelo a la duquesa de Alba, aunque también ha sido identificada con Pepita Tudó, amante de Godoy desde 1797.

En 1800 aparece citada por primera vez en el palacio de Manuel Godoy sin su pareja, La maja vestida (P741), como sobrepuerta. En 1808 aparece mencionada por segunda vez junto a La maja vestida (P741), en el inventario realizado por Frédéric Quilliet, agente de José Bonaparte, de los bienes de Manuel Godoy, quien quizás las encargó. Y en 1813 se describe a las damas como Gitanas en el inventario de incautación de bienes de Godoy por el rey Fernando VII.

Esta obra ingresó en el Museo del Prado en 1901, procedente de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde había permanecido a lo largo de dos periodos: entre 1808-1813 y de 1836 a 1901, habiendo sido secuestrada por la Inquisición en el intervalo.



p00885

Recuperación de Bahía de Todos los Santos. Autor: Maíno, Fray Juan Bautista.1634-35. Óleo sobre lienzo, 309 cm x 381 cm. Museo del Prado. Procedencia: Colección Real.

El 1 de mayo de 1625 don Fadrique de Toledo recuperó para España la importante plaza de Bahía de Todos los Santos en Brasil, ocupada un año antes por los holandeses. El cuadro, dividido en dos partes, representa el momento posterior a la batalla. A la derecha, el general español muestra un tapiz a los vencidos, en el que el rey Felipe IV está siendo coronado con el laurel de la victoria por el conde-duque de Olivares y por Minerva, pisando a la vez los cadáveres de la Herejía, la Ira y el Engaño, en alusión a los enemigos de la monarquía española. A la izquierda, Maíno optó por mostrar las consecuencias de la guerra, a través del sufrimiento de las víctimas representado en la mujer rodeada de niños que podría personificar la Caridad cristiana.

Realizado para el Salón de Reinos en el Palacio del Buen Retiro, allí permaneció hasta que fue llevado a París para el Museo Napoleón. Devuelto en 1815, se depositó la Academia de San Fernando hasta 1827, fecha en que ingresó en el Museo.



p00299

El Cardenal. Autor: Rafael. Hacia 1510. Óleo sobre tabla, 79 cm x 61 cm. Museo del Prado. Procedencia Colección Real.

Retrato de un cardenal que se ha identificado con los cardenales Alidosi, Bibbiena, Cybo o Trivulzio.

Esta obra fue pintada en Roma, momento en el que Rafael culminó su capacidad para pintar las personas más reales de lo que son, que le reconocían sus contemporáneos.

La composición deriva de la Gioconda de Leonardo da Vinci, pues en ambos casos el modelo aparece sentado, formando un triángulo con su cuerpo y su brazo. Resultan especialmente sorprendentes los contrastes cromáticos entre el brillante rojo del capelo, la manga blanca y el rostro del cardenal, gracias al uso de las luces. Esta característica y la minuciosidad de la pincelada otorgan un carácter tridimensional al retratado, que deja vislumbrar el interés por la escultura que Rafael tenía en esos años.

Esta obra fue adquirida por Carlos IV (1748-1819) en Roma siendo aún príncipe.



p02823

El jardín de las Delicias, o La pintura del madroño. Autor: El Bosco. 1500-05. Óleo sobre tabla de roble, 220 cm x 389 cm. Es depósito de Patrimonio Nacional en el Museo del Prado desde 1939. En el tríptico abierto se incluyen tres escenas. La tabla izquierda está dedicada al Paraíso, con la creación de Eva y la Fuente de la Vida, mientras la derecha muestra el Infierno. La tabla central da nombre al conjunto, al representarse en un jardín las delicias o placeres de la vida. Entre Paraíso e Infierno, estas delicias no son sino alusiones al Pecado, que muestran a la humanidad entregada a los diversos placeres mundanos. Son evidentes las representaciones de la Lujuria, de fuerte carga erótica, junto a otras de significado más enigmático. A través de la fugaz belleza de las flores o de la dulzura de las frutas, se transmite un mensaje de fragilidad, del carácter efímero de la felicidad y del goce del placer. Así parecen corroborarlo ciertos grupos, como la pareja encerrada en un globo de cristal en el lado izquierdo, en probable alusión al refrán flamenco: “La felicidad es como el vidrio, se rompe pronto”.

El tríptico cerrado representa en grisalla el tercer día de la creación del Mundo, con Dios Padre como Creador, según sendas inscripciones en cada tabla: “Él mismo lo dijo y todo fue hecho” y “Él mismo lo ordenó y todo fue creado” Génesis (1:9-13).

Obra de carácter moralizante, es una de las creaciones más enigmáticas, complejas y bellas de El Bosco, realizada en la última etapa de su vida. Adquirida en la almoneda del prior don Fernando, hijo natural del gran duque de Alba, Felipe II la llevó a El Escorial en 1593.



p00015k

La Anunciación. Autor: Fra Angelico, Hacia 1426. Témpera sobre tabla, 194 cm x 194 cm. Museo del Prado. Procedencia Colección Real. Retablo pintado para el convento de Santo Domingo en Fiesole, cerca de Florencia. La tabla central muestra bajo el pórtico la Anunciación del Arcángel Gabriel a María y, a su izquierda, la expulsión de Adán y Eva del Paraíso. La condenación y salvación del hombre. En el banco o predela se narran escenas de la vida de la Virgen: Nacimiento de María y los Desposorios con San José, Visitación de María a su prima Santa Isabel, Nacimiento del Niño Jesús, la Presentación del Niño en el Templo y la Dormición de la Virgen con Cristo recogiendo su alma.

Fra Angelico, también conocido como Beato Angelico, dedicó su obra exclusivamente a los temas religiosos pues entendía el arte como un aspecto de la devoción religiosa. Particularmente minucioso en los detalles y calidades de los objetos, naturaleza y personajes representados, Fra Angelico aúna en su estilo de la tradición tardogótica italiana con el nuevo lenguaje renacentista. Ejemplo de ello es la profundidad espacial de la arquitectura que, aunque sigue las recomendaciones de Brunelleschi de centrarse en un escenario cuadrado y sin adornos, denota algunos fallos propios de una obra temprana en la producción del artista.



p01670

Las tres Gracias. Autor: Rubens, Pedro Pablo. 1630-35. Óleo sobre tabla, 220,5 cm x 182 cm. Museo del Prado. Procedencia: Colección Real.

Este es uno de los cuadros que mejor transmite el grado de felicidad y sensualidad que manifiestan muchas de las últimas pinturas de Rubens, habiéndose interpretado como un canto del artista al amor, la felicidad y el placer derivados de su matrimonio con la joven Helena Fourment, que tuvo lugar en diciembre de 1630. Según diversas fuentes clásicas, las tres Gracias eran diosas nacidas de los amores de Zeus que pertenecían al séquito de Afrodita, y se asociaban con el amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad, entendidos como fuerzas generadoras de vida. El cuadro fue propiedad personal del artista hasta su muerte. En 1666 colgaba ya del Alcázar de Madrid.



p01393

El triunfo de la Muerte. Autor: Bruegel "el Viejo", Pieter. Hacia 1562. Óleo´sobre tabla, 117 cm x 162 cm. Museo del Prado. Procedencia: Colección Real.

Obra moral que muestra el triunfo de la Muerte sobre las cosas mundanas, simbolizado a través de un gran ejército de esqueletos arrasando la Tierra. Al fondo aparece un paisaje yermo donde aún se desarrollan escenas de destrucción. En un primer plano, la Muerte al frente de sus ejércitos sobre un caballo rojizo, destruye el mundo de los vivos, quienes son conducidos a un enorme ataúd, sin esperanza de salvación. Todos los estamentos sociales están incluidos en la composición, sin que el poder o la devoción pueda salvarles. Algunos intentan luchar contra su funesto destino, otros se abandonan a su suerte. Sólo una pareja de amantes, en la parte inferior derecha, permanece ajena al futuro que ellos también han de padecer.

La pintura reproduce un tema habitual en la literatura del medioevo como es la danza de la Muerte, que fue frecuentemente utilizado por los artistas nórdicos. Brueghel dotó a toda la obra de un tono pardo rojizo, que ayuda a dar un aspecto infernal a la escena, apropiado para el asunto representado. La profusión de escenas y el sentido moralizante utilizado por el autor, son parte de la influencia de El Bosco en su obra.

La pintura perteneció a la reina Isabel de Farnesio, quien la tenía en el Palacio de la Granja en 1745.



p02179

Autorretrato. Autor: Durero, Alberto. 1498. Óleo sobre tabla, 52 cm x 41 cm. Museo del Prado. Procedencia: Colección Real.

De medio cuerpo, ligeramente escorzado, Durero se pintó a si mismo junto a una ventana abierta a un fondo de paisaje montañoso. Viste de jubón blanco con guarniciones negras y camisa con puntilla dorada, pelo largo, gorra de listas blancas y negras con borlal, capa parda y guantes grises de cabritilla. La elección de unas ropas elegantes y aristocráticas y la mirada severa dirigida al espectador, con altiva serenidad, indican la voluntad del pintor de hacer ostentación de su situación social.

Destaca la riqueza de detalles, la minuciosidad del tratamiento de las calidades y el brillante colorido, de entonación dorada, todo ello apoyado en un dibujo de impecable precisión

La satisfacción de su propia capacidad artística se comprueba en la inscripción del alfeizar de la ventana, escrita en alemán: “1498, lo pinté según mi figura. Tenía yo veintiséis años Albrecht Dürer”.

Adquirido para Felipe IV en la almoneda de Carlos I de Inglaterra.



p00363

La Inmaculada Concepción. Autor: Tiepolo, Giambattista. 1767-69. Óleo sobre lienzo, 281 cm x 155 cm. Museo del Prado. Procedencia: Colección Real.

La Virgen María aparece sobre la bola del Mundo y la media luna, pisando la serpiente del Pecado Original, coronada por la paloma del Espíritu Santo y rodeada por ángeles y por algunos de los símbolos marianos. Éstos son la vara de azucenas, la palmera, la fuente y el espejo. Esta escena muestra la manera tradicional de representar la Inmaculada Concepción de la Virgen, que fue concebida sin pecado original.

La obra fue un encargo Real para la Iglesia de San Pascual de Aranjuez.

El boceto para este lienzo se conserva en las Courtauld Institute Galleries de Londres.



artemisarembrandt

Artemisa. Autor: Rembrandt. 1634. Óleo sobre lienzo, 142 x 153 cm. Museo del Prado. La escasez de obras holandesas en el Museo del Prado viene motivada por el enfrentamiento militar entre españoles y holandeses durante la larga Guerra de los Países Bajos. Esa enemistad será la causa por la que sólo una obra de Rembrandt se puede apreciar en las salas de nuestro museo: la Artemisa. El maestro ha representado a la reina de Pérgamo sentada a una mesa - sobre la que hay un libro -, en el momento de recibir las cenizas de su esposo en una copa, que es ofrecida por una sirvienta a su izquierda, mientras una anciana contempla la escena al fondo. Artemisa viste un elegante traje blanco amarillento con las mangas bordadas y cuello de armiño, destacando el virtuosismo de los detalles. La obra está firmada y fechada en 1634, la época de mayor éxito del artista holandés, en la que le llovían los encargos. Su feliz matrimonio con Saskia van Uylemburgh, que se va a convertir en su modelo habitual, hace pensar a algunos especialistas que la mujer que aquí contemplamos es un retrato de su esposa, al aludir a la fidelidad y el amor conyugal. Rembrandt está trabajando en un estilo similar al naturalismo tenebrista de Caravaggio, aprendido con su maestro Pieter Lastman. Las luces son muy fuertes, provocando bruscos contrastes de luz y sombra. El colorido oscuro es otra nota característica de este estilo. El fondo neutro empleado hace que sobre él se recorten las tres figuras, dando así mayor volumen a la composición. La monumentalidad de los personajes causa sorpresa y admiración, cuando el espectador contempla esta delicada imagen.



p02825

El Descendimiento. Autor: Roger van der Weyden. Hacia 1435. Óleo sobre tabla, 220 cm x 262 cm. Museo del Prado. Procedencia: Patrimonio Nacional.

El gran maestro de Tournai centra la composición en la Compassio Mariae, la pasión que experimenta la Virgen ante el sufrimiento y la muerte de su Hijo. Para traducirla en imágenes, el pintor escoge el momento en que José de Arimatea, Nicodemo y un ayudante sostienen en el aire el cuerpo de Jesús y María cae desmayada en el suelo sostenida por San Juan y una de las santas mujeres.

La riqueza de sus materiales -el azul del manto de María es uno de los lapislázulis más puros empleados en la pintura flamenca de la época- y sus grandes dimensiones, con las figuras casi a escala natural, evidencian ya lo excepcional de la obra. El espacio poco profundo, de madera dorada, en que Weyden representa a sus figuras y las tracerías pintadas de los extremos superiores -imitando también la madera dorada-, al igual que el remate rectangular del centro, las hacen semejar esculturas policromadas. Además, el engaño óptico se refuerza aún más por el fuerte sentido plástico que Weyden imprime a sus figuras, siguiendo el ejemplo de su maestro Robert Campin, como hace en todas sus obras tempranas.

Weyden maneja con maestría las figuras representadas en un espacio limitado al fondo y en los extremos, donde los movimientos opuestos y complementarios de San Juan y la Magdalena cierran la composición. En el interior de ese espacio sobresale el juego de diagonales paralelas que diseñan los cuerpos de Cristo y de María, poniendo de manifiesto su doble pasión. Impactan los gestos, la contención con que se expresan los sentimientos y el juego de curvas y contra curvas que une a los personajes.

Es encargada por la Cofradía de los Ballesteros de Lovaina hoy en Bélgica para su capilla en la Iglesia de Nuestra Señora de Extramuros. En las esquinas inferiores están representadas pequeñas ballestas. Adquirida por María de Hungría en el siglo XVI, pasa después a manos de su sobrino Felipe II. Éste la coloca en la capilla del Palacio de El Pardo hasta su entrega a El Escorial en 1574. Desde ese año estuvo allí hasta 1939 en que se trae al Museo Nacional del Prado, enviándose como contrapartida la copia de Michel Coxie.



He encontrado otras dos obras en altísima resolución:


e00028

Ofrenda de Orestes y Pílades (Grupo de San Ildefonso). Autor: Anónimo Hacia 10 a.C. Técnica: Esculpido en mármol. Medidas: 161 cm x 106 cm x 56 cm - 496 kg. Escuela: Arte Antiguo. Tema: Mitología. Museo del Prado. Procedencia: Colección Real.

La escultura representa a Orestes y Pílades, modelos legendarios de amistad, ofreciendo un sacrificio por haber vuelto de la Táuride con la imagen de Artemisa (la estatuilla representada), acto que purificó a Orestes de su castigo divino. Otros autores identificaron las estatuas con los hermanos Cástor y Pólux.

En época moderna fue añadido al torso izquierdo el retrato romano de Antínoo. Creación del clasicismo augusteo, el grupo escultórico es un soberbio reflejo del eclecticismo de esta época.

La primera referencia a este grupo data de 1623 en la Villa Ludovisi, Roma, en posesión del cardenal Massimi. Tras la muerte del religioso, la pieza entrará a formar parte de las colecciones de Cristina de Suecia y, a continuación, de las del primer rey Borbón en España, Felipe V (1683-1746).



p07265

Cacería de liebres. San Baudelio de Casillas de Berlanga. Anónimo. Siglo XII. Técnica: Pintura mural al fresco. Soporte: Revestimiento mural, 183 cm x 355 cm. Museo del Prado. Procedencia: Depósito temporal indefinido del Metropolitan Museum of Art, 1957.

El conjunto de las pinturas murales de la Iglesia de San Baudelio de Berlanga adornaban el interior de la iglesia mozárabe de comienzos del siglo XI. Fueron arrancadas, exportadas a Norteamérica en 1926 y repartidas entre diferentes instituciones. Hoy en día, continúan exhibiéndose piezas pertenecientes al mismo conjunto en los museos de Boston, Indianápolis y en el Cloisters' Museum de Nueva York.

Los seis fragmentos formaban parte de la decoración del registro inferior del cuerpo de la Ermita de San Baudelio y del frente de la galería del coro, todos de tema profano. El conjunto se caracteriza por las composiciones simples, la utilización de colores primarios, la disposición de volúmenes planos en las figuras y la utilización de perfiles muy esquemáticos.

La cacería de liebres -en el muro norte como La cacería del ciervo(P7268)- muestra a un cazador a caballo -casi de frente como el Soldado-, con el tridente en la mano, lanzando tres perros para acosar a las liebres -símbolo de la concupiscencia- y llevarlas hasta la red tendida por el cazador.



Fuentes y agradecimientos a: museodelprado.es / elpais.com / elmundo.es / artehistoria.jcyl.es / Google


 

Sin duda el tener la posibilidad de visualizar grandes obras maestras por el Google Earth, es un gran avance tecnológico; especialmente para los especialistas y curiosos. A mí particularmente una obra que me gusta, me trasmite mucho al contemplarla en directo al natural en el museo de turno, pero reconozco que como no podemos ver todos los museos del mundo, bueno es al menos poder verlos en Internet en altísima resolución en nuestro PC.
 




___________________________
.
.
No debemos dejar que la Cultura muera, si muere el Arte, muere nuestra parte humana...

Los actos de hoy, marcarán nuestra era, sino...

¿Qué dejaremos para el que venga mañana?

.
.
 
última edición por j.luis el Viernes, 22 Julio 2016, 17:27; editado 10 veces 
j.luis Enviar mensaje privado Enviar correo al usuario
Volver arribaPágina inferior
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje Re: Google Earth: Obras Maestras De La Pintura Vistas Como N 
 
Muy interesante J.Luis la verdad que el Google Earth no para de crecer y cada vez ofrece más, le echaremos un vistazo.

Un Saludo.
 




___________________________
Antes que nada lee las NORMAS del foro.
Los mensajes deben de ser con respeto y educación hacia todos los usuarios.
Xerbar Administrador del Foro.
 
xerbar Enviar mensaje privado Visitar sitio web del autor/es
Volver arribaPágina inferior
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje Re: Google Earth: Obras Maestras De La Pintura Vistas Como N 
 
Son geniales estos del Google  
Este es el enlace que nos han puesto de los museos virtuales en su página de inicio  

http://www.googleartproject.com/?ut...aign=artproject
 




___________________________
mini_140316081758881209
 
galarina Enviar mensaje privado
Volver arribaPágina inferior
Responder citando   Descargar mensaje  
Mensaje Re: Google Earth: Obras Maestras De La Pintura Vistas Como N 
 
Me parece una excelente idea por parte de los de Google.  

Se puede apreciar con mucho detalle y, aunque nunca será lo mismo que estar en el museo, quizás internet pueda conseguir que a la gente le entren más ganas de visitar esos templos del arte.
 




___________________________
jmnktd
 
kertassi Enviar mensaje privado
Volver arribaPágina inferior
Mostrar mensajes anteriores:    
 

Publicar nuevo tema  Responder al tema  Página 1 de 1
 



Usuarios navegando en este tema: 0 registrados, 0 Ocultos y 1 Invitado
Usuarios registrados conectados: Ninguno


 
Lista de Permisos
No Puede crear nuevos temas
No puede responder temas
No puede editar sus mensajes
No puede borrar sus mensajes
No puede votar en encuestas
No puede adjuntar archivos
No puede descargar archivos
Puede publicar eventos en el calendario