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FORO DE XERBAR


Galerí­a Pintores Extranjeros - VAN GOGH



j.luis [ Martes, 13 Febrero 2007, 00:25 ]
Título del mensaje: VAN GOGH
Continuando con la exposición de mis pintores favoritos... Este tabajo está dedicado a Vicent van Gogh, otro genio de la pintura que marcó su propio estilo impresionista, que han seguido muchos..., para mí será siempre uno de los dos o tres más grandes de la nueva escuela vanguardista, que surgió a principios del siglo XIX en Francia. Su vida fue muy dramática, cuenta con una extensa obra y en la actualidad sus cuadros son de los más apreciados en las subastas. Sin duda fue un artista grandioso y muy brillante... por su originalidad, su trazo ondulado y especial colorido, der su obra me gusta casi todo, especialmente los paisajes y sus autorretratos.

00_1416227760_515456Vincent van Gogh. Holanda. (1835-1890) Nació en Groot-Zunder, en el Brabante holandés, el 30 de marzo de 1853, pero vivió la mayor parte de su vida en Francia. En un principio su obra está influenciada por los impresionistas y por la obra de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai, pero mas tarde adopta los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat.

En 1888 se trasladó al sur de Francia con la idea de fundar con sus amigos el "Taller del Mediodía", allí en la Provenza se dedicó a pintar escenas rurales, cipreses, campesinos y variadas escenas de la vida cotidiana de la región, fué en esa época cuando empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos, es ese año cuando Gauguin, a instancias de Theo, hermano de Vincent, decide vivir con él. Este, alegre, pinta sus girasoles para decorar la habitación del huesped. Pero poco a poco, las diferencias entre ambos creadores van surgiendo hasta que al fin estalla la crisis.

Vicent quiere agredir a Gauguin con un cuchillo y éste escapa. Esa noche de Navidad de 1888 una prostituta recibió de manos de Vicent el más horrible de los regalos: una oreja cortada. Vicent se autorretratará con el oído vendado en una casa de salud que proteje su locura.

El 17 de mayo, salido del manicomio de Saint-Remy, llega a París y prosigue camino hacia Auvers, donde le atiende el doctor Gachet, amigo de Cézanne y admirador de Vincent. Los cipreses, los cielos, los caminos, las iglesias y trigales tiemblan. Van Gogh descubre la energía total que unifica el universo. Pero los cielos, sobre los trigales de oro, se van ennegreciendo, la muerte se convierte en un segador que sonríe a Van Gogh. Y en medio de esos trigales, el 27 de julio, en un gesto de impaciencia y de dolor se dispara un tiro en el pecho.

Falleció el 29 de julio a la una y media de la madrugada en brazos de su hermano Theo.

Espero que éste trabajo recopilatorio que he realizado con mucho esmero, sea apreciado por los compañer@s del foro de xerbar y aficionados al arte.





Algunas obras


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Autorretrato con oreja vendada. 1889. Óleo sobre lienzo. 60 x 49 cm. Courtauld Instituto de Arte. Londres. Inglaterra. Tras varias peleas con Gauguin, presagiando el final del “estudio del sur” y por tanto el hundimiento de su sueño, se apoderó de Vincent una tremenda tensión hasta que una noche que había visto como su amigo salía de casa se mutiló la oreja derecha con una navaja de afeitar. Según la versión de los hechos que aparece en “Avant et Aprés” , Vincent había intentado atacar a Gauguin con la navaja, volviéndola después contra sí mismo para cortarse la oreja y entregársela después a una prostituta, volviendo a su casa donde fue hallado por la policía al día siguiente. Una vez recuperado de este trágico episodio pintó en varios lienzos su autorretrato con la oreja vendada. En esta versión, que se encuentra en Londres, el pintor se ha representado evitando la frontalidad y poniendo el acento en el vendaje. Su mirada, aburrida, rehuye el contacto directo con el espectador. La pincelada se deshace en pequeños trazos de dirección vertical y los colores empleados son fríos. Al fondo aparece una de las estampas japonesas que el artista había empezado a coleccionar en Auvers y que en el periodo de Arlés eran una de sus principales fuentes de inspiración. En este lienzo Vincent aparece irreconocible, el rostro está demacrado y la pincelada traza una línea accidentada, como si se detuviese a seguir cada hueso. La chaqueta abrochada y el gorro contribuyen a dar a la imagen un aspecto cerrado, introduciendo un elemento de distancia entre la figura y el ambiente que la rodea.


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Autorretrato con sombrero de fieltro gris. 1887-1888. Óleo sobre lienzo. 44 x 37.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda. De los treinta y cinco autorretratos que realizó el autor, veintinueve fueron pintados en París, como este “Autorretrato con sombrero de fieltro gris”, en el que deseoso de huir de la ciudad de la luz, se representa con un gesto de preocupación. La obra, de estilo puntillista debido a su relación con Seurat durante ese invierno, está realizada mediante pequeñas líneas de color que parten de sus ojos en círculos alrededor de su cabeza.




Autorretrato delante del caballete




Autorretrato envejecido




Autorretrato con sombrero de paja. 1887. The Detroit Institute of Arts. Detroit. USA




Autorretrato. 1889. Óleo sobre lienzo. 57 x 43.5 cm. Collection Mrs. John Hay Whitney. Nueva York. USA




Autorretrato. 1886. Óleo sobre lienzo. 39.5 x 29.5 cm. Haags Geentemuseum. La Haya. Holanda




Autorretrato. 1886. Óleo sobre lienzo. 48 x 38 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda


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Autorretrato. 1886. Óleo sobre lienzo. 39.5 x 29.5 cm. Haags Geentemuseum. La Haya. Holanda.


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Autorretrato con sombrero oscuro. 1886. Óleo sobre lienzo. 41.5 x 32.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda


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Autorretrato con pipa. 1886. Óleo sobre lienzo. 48 x 38 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.


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Autorretrato con pipa. 1886. Óleo sobre lienzo. 27 x 19 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.


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Autorretrato como un bonzo dedicado a Gauguin.



Los girasoles

Los girasoles (en francés: Les Tournesols, en neerlandés: Zonnebloemen) es una serie de cuadros al óleo realizados por el pintor holandés Vincent van Gogh. De la serie hay tres cuadros similares con catorce girasoles en un jarrón, dos con doce girasoles, uno con tres y otro con cinco.

Van Gogh pintó los primeros cuatro cuadros en agosto de 1888, cuando vivía en Arlés, en el sur de Francia, y otros tres similares en enero del año siguiente. Las pinturas están todas ejecutadas en lienzos de cerca de 90 x 70 cm.

Usó un pigmento en sus girasoles, el amarillo de cromo o cromato de plomo, al cual deben su misterioso y enigmático color. La descomposición del cromato de plomo por efecto de la exposición a la luz convirtió el amarillo brillante original en un tono pardo verdoso.

Van Gogh se estableció en Francia en marzo de 1886, tras un duro invierno en que falleció su padre y pasó penurias económicas. Animado por su hermano Theo, se estableció en París, la capital del arte en aquel entonces, donde se vivía un ambiente de efervescencia artística, provocado por la aparición unos años antes del impresionismo. En la capital francesa conoció a otros artistas, como Toulouse-Lautrec, Pissarro, Seurat, Signac y Gauguin, con los que compartía un deseo de renovación del impresionismo.2 Sin embargo, su naturaleza inquieta le llevó a buscar un lugar más tranquilo para trabajar, y aconsejado por Toulouse-Lautrec se instaló en Arlés (Provenza), donde llegó el 20 de febrero de 1888. Aquí de nuevo se vio en una apurada situación económica, ya que no vendió ninguno de sus cuadros, pero subsistió gracias a la ayuda económica de su hermano. Al cabo de unos meses se reunió con él su amigo Paul Gauguin, con el que convivió por un período de dos meses. Sin embargo, la fricción entre sus diferentes temperamentos provocó graves disputas entre ambos, hasta que el 23 de diciembre Vincent atacó a su amigo con una navaja de afeitar, que luego volvió contra sí mismo y se cortó la oreja. Poco después ingresó en un hospital siquiátrico en Saint-Rémy, donde procuró olvidar sus frustraciones refugiándose en su trabajo. El año pasado en Arlés fue quizá el más fecundo de su carrera, en el que creó algunas de sus obras más originales.


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Jarro con doce girasoles. Vincent van Gogh, 1888. Óleo sobre lienzo, 93 × 72 cm. Neue Pinakothek, Múnich, Alemania

Van Gogh empezó a pintar Los girasoles a finales de verano de 1888 y continuó durante el año siguiente. Su casa en Arlés tenía la fachada pintada de amarillo; eso, junto con el ardiente sol mediterráneo del sur de Francia, le inspiraron para elaborar esta serie. Los cuadros están estrechamente ligados a la amistad entre Van Gogh y Gauguin,4 hecho que se demuestra porque uno de los cuadros fue a decorar la habitación de Gauguin. Por otro lado, su amigo le hizo un retrato pintando los girasoles, conservado en el Museo van Gogh de Ámsterdam. El motivo inicial de los girasoles era meramente decorativo, Vincent quería decorar su casa ante la inminente llegada de su amigo, y eligió un motivo que aunaba la belleza con la evocación de la naturaleza, además de que le permitía plasmar su color preferido, el amarillo.5

Con la esperanza de llegar a vivir con Gauguin en nuestro estudio, quiero pintar una serie de cuadros. Nada más que grandes girasoles... Si llevo a cabo mi plan, pintaré una docena de cuadros. El conjunto es una sinfonía en azul y amarillo. Trabajo todos los días desde que sale el sol. Porque las flores se marchitan enseguida y hay que pintarlo todo de una vez.
Carta a Theo nº 526

Las pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, desde plenamente en flor hasta que se marchitan. En su día fueron innovadoras en el uso de todo el espectro del color amarillo, que Van Gogh empleó en una gama cromática conjunta con naranjas, ocres, marrones y beiges. El color está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para dar volumen a los girasoles. Para resaltar el amarillo y el naranja, empleó verde y azul cielo en los contornos, creando un efecto de suave intensidad lumínica...


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Jarrón con catorce girasoles (F454, JH1562), óleo, 93 x 73 cm, Arlés, agosto de 1888. National Gallery, Londres, Gran Bretaña.

Autenticidad. En marzo de 1987 obtuvo resonancia mundial la noticia de la compra de un Jarrón con catorce girasoles por el magnate japonés Yasuo Goto en una subasta en Christie's de Londres, pagando una cifra récord hasta entonces en una subasta, de 39,9 millones de dólares.13 La pintura reside en la actualidad en el Sompo Japan Museum of Art de Tokio. Después de la compra se planteó una controversia sobre si se trataba de una auténtica obra de Van Gogh o una falsificación de Émile Schuffenecker, una polémica finalmente resuelta en 2002 con la publicación de un informe conjunto del Museo Van Gogh de Ámsterdam y del Art Institute of Chicago que confirmaba la autenticidad del cuadro, aunque matizaba que Schuffenecker había restaurado la obra y realizado algunos pequeños retoques propios.


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Jarrón con tres girasoles (F453, JH1559), óleo, 73 x 58 cm, Arlés, agosto de 1888. Colección privada, Estados Unidos.


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Jarrón con cinco girasoles (F459, JH1560), óleo, 98 x 69 cm, Arlés, agosto de 1888. Destruido por el fuego en la Segunda Guerra Mundial el 6 de agosto de 1945.


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Jarrón con catorce girasoles (F458, JH1667), óleo, 95 x 73 cm, Arlés, enero de 1889. Museo van Gogh, Ámsterdam, Países Bajos.


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Jarrón con catorce girasoles (F457, JH1666), óleo, 100,5 x 76,5 cm, Arlés, enero de 1889. Sompo Japan Museum of Art, Tokio, Japón.


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Jarrón con doce girasoles (F455, JH1668), óleo, 92 x 72,5 cm, Arlés, enero de 1889. Museo de Arte de Filadelfia, Estados Unidos.

Nota: las obras están consignadas de acuerdo a la clasificación realizada por Jacob-Baart de la Faille (F) en The Works of Vincent van Gogh (1928, revisado en 1970) y Jan Hulsker (JH) en The Complete Van Gogh (1980).


El dormitorio en Arlés

El dormitorio en Arlés (en francés: La Chambre à Arles; en neerlandés: Slaapkamer te Arles) es el título que reciben tres cuadros similares, obra del pintor del siglo XIX holandés postimpresionista Vincent van Gogh.

El título que Van Gogh le dio a esta composición fue simple: El dormitorio (en francés: La Chambre à coucher). Hay tres versiones auténticas descritas en sus cartas, que se distinguen con facilidad entre ellas por los cuadros que hay a la derecha de la pintura.

Análisis. El cuadro representa el dormitorio de Van Gogh en el número 2 de la Place Lamartine en Arlés, Bocas del Ródano, Francia, conocida como la Casa Amarilla. Era la primera habitación propia que tenía Van Gogh.1 En ella estuvo en 1888-1889. Lo pintó antes de la llegada a Arlés de Paul Gaugin, amigo del artista: el encuentro habría hecho nacer luego un círculo artístico.

La puerta a la derecha se abría a la planta superior y la escalera, la puerta de la izquierda servía para la habitación de invitados que preparó para Gauguin. Sobre la pared del frente se abre una ventana, por encima de una mesita, ligeramente descentrada. Esta ventana daba a la Place Lamartine y sus jardines públicos. Pero el panorama más allá de la ventana no puede verse. La habitación no era rectangular sino trapezoidal, con un ángulo obtuso en la esquina izquierda de la pared frontal y un ángulo agudo en la derecha. Van Gogh evidentemente no dedicó mucho tiempo a este problema, simplemente indicó que allí, de alguna manera, había una esquina.

Es un alojamiento modesto, con poco mobiliario, hecho de madera de pino: una cama a la derecha, un perchero, dos sillas, una mesilla de madera en el ángulo y cuadros en las paredes.

Una fuerte perspectiva, con la típica leve torsión, propia del autor, refleja sus ideas sobre la pintura.


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El dormitorio de Van Gogh en Arlés (primera versión) Vincent van Gogh, 1888. Óleo sobre lienzo, 72 × 90 cm. Museo van Gogh, Ámsterdam, Países Bajos

Primera versión. Van Gogh comenzó la primera versión en octubre de 1888 mientras se encontraba en Arlés. A través de las cartas que enviaba a su hermano Theo, se pueden conocer sus pretensiones con el cuadro y los medios a su alcance:

Esta vez simplemente reproduce mi habitación; sólo el color tiene que hacerlo todo, dando un estilo grandioso a los objetos con su simplificación, llegando a sugerir un cierto descanso o sueño. Bueno, he pensado que al ver la composición dejamos de pensar e imaginar. He pintado las paredes de violeta claro. El suelo con el material jaqueado. La cama de madera y las sillas, amarillas como mantequilla fresca; la sábana y las almohadas, de verde limón claro. La colcha, de color escarlata. La ventana, verde. El lavabo, anaranjado; la cisterna, azul. Las puertas, lila. Y, eso es todo. No hay nada más en esta habitación de contraventanas cerradas. Las piezas del mobiliario deben expresar un descanso firme; también, los retratos en la pared, el espejo, la botella, y algunas ropas. El color blanco no se aplica al cuadro, así que su marco será blanco, con la pretensión de conseguir el descanso obligatorio que me recomiendan. No he representado ninguna clase de sombra; sólo he aplicado simples colores planos, como los de las crêpes.

Van Gogh incluyó esbozos de la composición en esta carta así como en una carta a Gauguin, escrita poco después.

Esta versión tiene sobre la pared de la derecha miniaturas de retratos de Van Gogh de sus amigos el poeta Eugène Boch y el soldado Paul-Eugène Milliet. Los originales de estos cuadros de Van Gogh se encuentran en el Museo van Gogh (Ámsterdam) y el Museo de Orsay (París), respectivamente.

Los brillantes parchazos de colores puros que contrastan entre sí constituyen uno de los rasgos más llamativos de este cuadro.

Van Gogh pretendía transmitir la idea de descanso y sueño, a partir sobre todo del uso de tonos verdosos y azulados, que sugirieran «el descanso y el sueño en general». Reforzaría esta idea la la figuración pictórica que se encuentra sobre la cama y la escasez de objetos de la habitación, ordenada y limpia. Utilizó tres pares de colores complementarios: rojo y verde, amarillo y violeta, azul y naranja.

A pesar de la intención de Van Gogh de dar «una sensación de solidez, de permanencia, de tranquilidad»,6 el resultado es más bien un sentimiento de angustia debido a la gruesa línea que rodea los objetos, los colores puros y privados de sombras, y las paredes inclinadas, reforzando la extraña perspectiva.

Van Gogh consideraba que era la mejor obra realizada durante su estancia en Arlés.6 La tela nunca abandonó el patrimonio de Van Gogh y está en posesión de la Fundación Van Gogh, en exposición permanente en el Museo van Gogh de Ámsterdam.


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El dormitorio en Arlés (segunda versión), 1889, óleo sobre lienzo, 72 x 90 cm, Art Institute de Chicago

Segunda versión. En abril de 1889, van Gogh envió la versión inicial a su hermano lamentando que resultó dañada por la inundación del Ródano, mientras él se encontraba ingresado en el hospital de Arlés. Theo le propuso devolvérselo para que lo copiara antes de restaurarlo, lo que expresaba la admiración de Theo por este cuadro.

Esta repetición a la escala original (el término de Van Gogh es «répetition») se ejecutó en septiembre de 1889. Ambas pinturas fueron devueltas entonces a Theo.7

Desde 1926 ha estado en poder del Art Institute de Chicago.


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El dormitorio en Arlés (tercera versión), 1889, óleo sobre lienzo, 57,5 x 74 cm, Museo de Orsay, París.

Tercera versión. El dormitorio en Arlés (tercera versión), 1889, óleo sobre lienzo, 57,5 x 74 cm, Museo de Orsay, París.

Cuando Van Gogh, finalmente, en el verano de 1889, decidió rehacer algunas de sus «mejores» composiciones en un tamaño menor (el término que usó fue réductions) para su madre y su hermana Wil, El dormitorio se encontraba entre los que escogió.8 Estas réductions, acabadas a finales de septiembre de 1889, no son copias exactas.

En El dormitorio el retrato en miniatura de la izquierda recuerda al autorretrato de Van Gogh «Campesino de Zundert». El de la derecha no puede ser asociado de manera convincente a ninguna pintura existente de Van Gogh, aunque el de la derecha podría ser su amigo Paúl Gaugin o su padre, o aunque lo puso tal vez para adornar el cuadro.

Esta tercera versión, previamente en poder de la hermana de Van Gogh, Willemien y más tarde adquirida por el Príncipe Matsukata, entró en las colecciones nacionales francesas en 1959, después del acuerdo de paz franco-japonés, y forma parte de la exposición permanente del Museo de Orsay en París.



Otras obras


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La iglesia de Auvers-sur-Oise. Vincent van Gogh, 1890. Óleo sobre lienzo, 94 × 74 cm. Museo de Orsay, París.

Después de que Van Gogh dejase el hospital de Saint-Rémy-de-Provence el 16 de mayo de 1890, abandonó el sur de Francia para dirigirse al norte. Hizo una visita a su hermano Theo van Gogh en París y después se marchó a Auvers-sur-Oise, por consejo de su amigo Camille Pissarro, para que lo tratase el doctor Paul Gachet. Aquí Van Gogh pasó lo que serían sus últimas diez semanas de vida y en este breve lapso de tiempo pintó un centenar de cuadros. Van Gogh pintó durante un tiempo las flores del jardín del doctor, y luego fue dedicándose a la población y su entorno. Así descubrió la iglesia del pueblo, de estilo gótico, que pintó en este cuadro: La iglesia de Auvers-sur-Oise.

Este cuadro, con otras telas como el Ayuntamiento de Auvers y numerosos cuadros de pequeñas casas con los tejados de tejas son reminiscencia de las escenas de los paisajes nórdicos de su infancia.2 Una cierta nostalgia por el norte se podía ya notar en sus últimas semanas en Saint-Rémy: en una carta de un par de semanas antes de su partida, escribe «mientras estaba enfermo hice de todas formas algunos pequeños lienzos de memoria, que verás más adelante, en recuerdo del norte.»

Precisamente, se refería a un trabajo similar hecho en Nuenen cuando describe este cuadro en una carta a su hermana Wilhelmina:

Tengo un cuadro más grande de la iglesia del pueblo - un efecto en el que la construcción parece ser violeta contra un cielo de simple azul oscuro, cobalto puro; las ventanas parecen como manchas de azul ultramar, el tejado es violeta y en parte anaranjado. Al fondo, florecen algunas plantas verdes, y arena con el reflejo rosa del sol. Y otra vez más es casi la misma cosa que los estudios que hice en Nuenen de la vieja torre y el cementerio, sólo que probablemente ahora el color es más expresivo, más suntuoso.

El «simple azul oscuro» lo usó también en su Retrato de Adeline Ravoux, pintado en el mismo breve período que pasó en Auvers-sur-Oise.

La iglesia se alza sobre una colina levemente elevada. El cielo es de un color azul profundo, que se refleja en las amplias vidrieras.1 La parte superior del cuadro está iluminada brillantemente por el sol, pero la iglesia misma está cubierta por su propia sombra, y «ni refleja ni emana de ella ninguna luz propia».

Después de que Van Gogh fuera expulsado de la carrera evangélica que esperaba proseguir en el Borinage, escribió a su hermano Theo desde Cuesmes en julio de 1880, y citó la imagen de Shakespeare de Enrique IV, Parte 16 del vacío oscuro dentro de una iglesia para simbolizar una «predicación vacía y nada ilustrada»: «Su Dios es como el Dios del borracho Falstaff de Shakespeare, 'el interior de una iglesia'»

Alrededor de la iglesia se distingue hierba verde y caminos, bañados de luz, y que llevan en direcciones diferentes. El tema de los caminos divergentes también aparece en Campo de trigo con cuervos. Por uno de ellos se acerca una campesina al templo. En los laterales del cuadro pueden distinguirse las casas del pueblo y árboles.

Los colores son fuertes. Las pinceladas se han aplicado con vigor.

Es uno de los últimos cuadros de Van Gogh y, sin embargo, nada permite pensar en la desesperación que le llevaría al suicidio.

La iglesia se encuentra en Place de l'Eglise, 95430 Auvers-sur-Oise, Francia


Tejedor al telar (de frente). 1884. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 64 x 80 cm. Rijksmuseum Kröller-Müller. Otterlo. Holanda. En 1880, Van Gogh, en el colmo de la desilusión por el final de su carrera de predicador, recorrió a pie casi setenta kilómetros para ir a Courrières y así conocer al pintor Jules Bretón, particularmente admirado por él y uno de los paisajistas de Barbizon. Desanimado por el aspecto ordenado y burgués de la casa del artista, renunció a conocerlo, pero su viaje tuvo un resultado inesperado. En el pueblo vio multitud de tejedores y le impresionó la relación entre las grandes máquinas y los hombres que trabajaban. De estas primeras observaciones se derivaría, al cabo de varios años, una larga serie de dibujos y pinturas. Llegó a escribir "Los he visto tejer por la tarde a la luz de una lámpara, que crea unos efectos que recuerdan a Rembrandt". En este lienzo, aunque iluminado por la luz del día, se percibe que se ha tenido presente al gran pintor holandés en el acorde cromático de amarillo y marrón y en los efectos de sombra que se insinúan en las diferentes partes de la maquinaria. El artista ve un significado positivo en el connubio productivo entre hombre y máquina, mutuamente necesarios, hasta el punto de que el tejedor, relegado al fondo del cuadro, tiene un papel menor y el verdadero protagonista es el propio telar.


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Café por la noche, Place Lamartine, Arles. 1888. Óleo sobre lienzo. 70 x 89 cm. New Haven (Connecticut); Yale University Art Gallery. Van Gogh consideraba este lienzo una de sus mejores obras. En él representa el interior del local del cual era propietaria Madame Ginoux, la mujer retratada como "La arlesiana". Vincent muestra unos personajes aislados y poco cordiales; la actitud de la pareja del fondo del local no es, desde luego, la de dos enamorados, produciendo, por el contrario, una impresión de brutalidad.<P>El centro de la escena, exceptuando la mesa de billar, que proyecta una sombra inquietante, está vacío y en el cuadro domina una sensación general de abandono, mientras que el colorido vivo y estridente comunica una idea de violencia. Tras la organización del cuadro se oculta, sin embargo, una notable cultura: la multiplicación de los espacios, con las dos puertas del fondo y el espejo de la derecha, semeja un recuerdo de la pintura flamenca del siglo XVII e incluso del XV. El ambiente del café era uno de los temas predilectos de los impresionistas y de los puntillistas y Vincent muestra ser todo menos un artista aislado, ofreciendo una personalísima interpretación de un motivo muy frecuente en la pintura del momento.


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Puesta del sol en Montmajour. Van Gogh. 1888. Óleo sobre lienzo, 73,3 cm × 93,3 cm. Museo Van Gogh, Ámsterdam. La obra pictórica fue pintada durante su estadía en Arlés, en la que también creó los cuadros como Los girasoles, La Casa Amarilla o El dormitorio en Arlés.

No se creía que la pintura fuese una obra auténtica de Van Gogh, hasta que fue autentificada en 2013. La pintura se inventarió en la colección de Theo van Gogh de las obras de su hermano en 18906 7 y fue vendida en 1901.

El empresario noruego Christian Nicolai Mustad compró el cuadro en 1908.2 Según su familia, el embajador de Francia en Suecia le informó de que probablemente no era una obra de Vincent van Gogh.1 La pintura permaneció almacenada en un ático hasta la muerte de Mustad, cuando reapareció como parte de su patrimonio.8 En la década de 1990, el cuadro fue mostrado al personal en el Museo van Gogh, pero fue descartado como obra no legítima de Van Gogh, ya que no estaba firmada.

Redescubrimiento e identificación. Con el desarrollo de mejores técnicas de investigación, una investigación de dos años se puso en marcha por el Museo van Gogh para determinar la autenticidad de la pintura.9 La pintura fue objeto de una investigación detallada de estilo y materiales. Se descubrió que se han pintado en la misma gama de pinturas que aparecen en las obras de Van Gogh en ese período.1

Entre la evidencia que confirma la autenticidad de la pintura está una carta escrita por Vincent van Gogh a su hermano Theo el 5 de julio 1888, que describe el cuadro que había pintado el día anterior:

"Ayer, al atardecer, yo estaba en un brezal pedregoso donde crecen muy pequeños y retorcidos robles, en el fondo de una ruina en la colina, y campos de trigo en el valle. Era romántico, no podía ser más, a la Monticelli, el sol se derramaba sus rayos amarillos muy por encima de los arbustos y el suelo, absolutamente una lluvia de oro".

El 9 de septiembre de 2013, el Museo van Gogh anunció en una presentación pública de la obra que se había confirmado que se trataba de una pintura de Van Gogh.1 No se ha descubierto ningún otro cuadro de Van Gogh del mismo tamaño desde 1928.


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La Siesta. Van Gogh. 1889-1890. Óleo sobre lienzo. 73 x 91 cm. Museo de Orsay. París. Francia. La obra está inspirada en su admirado Millet, al que Vincent consideraba como el maestro que más había aportado al arte francés. Es posible que en esta imagen el pintor nos quiera mostrar la alegría de su hermano Theo, casado hacía un año y que estaba esperando un bebé.<P>En el lienzo aparece una pareja que duerme plácidamente a la sombra de un montón de paja, agotados tras el duro trabajo. Van Gogh utiliza en esta imagen colores malvas, amarillos y azules, creando una sinfonía de color.


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Campamento de gitanos con carros. 1888. Óleo sobre lienzo. 45 x 51 cm. Museo de Orsay. París. Francia.<P>En 1888 Vincent, harto de París, y gracias al respaldo económico que le brinda su hermano Theo, se traslada a Arlés, para fundar una comunidad de pintores. Allí se encontró con una primavera plácida y apacible, que le hizo pintar al aire libre todo lo que veía, como es el caso de este “Campamento de gitanos”, en el que emplea unos colores intensos, brillantes, donde destacan los rojos, azules y amarillos.


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La ronda de los presos. 1890. Óleo sobre lienzo. 80 x 64 cm. Museo Pushkin. Moscú. Rusia. Van Gogh realizó este lienzo, copia de una estampa de Gustave Doré, durante su estancia en el manicomio de Saint-Rémy, debido a que le retiraron el permiso para salir a pintar y escogió quedarse voluntariamente dentro de su habitación. El tema del cuadro reflejaba el estado de ánimo del pintor, que precisamente a comienzos de 1890 comunicó a su hermano Theo su intención de volver a marcharse al norte y abandonar el hospital, cuya atmósfera le resultaba cada vez más opresiva. La escena, inmersa en una irreal luz azulada, resulta bastante claustrofóbica, no sólo no existe ningún horizonte y los muros de la prisión parecen prolongarse hasta el infinito; además, la forma poligonal contribuye a aumentar la sensación de sitio cerrado, acentuada por el círculo de presos, que parece dar vueltas sin fin. En el preso mas cercano al margen del lienzo, volviendo la mirada al espectador, Vincent se ha representado a sí mismo.


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Los comedores de patatas. 1885. Óleo sobre lienzo. 81.5 x 114.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda. Van Gogh muestra con toda crudeza una mísera cabaña, de espacio angosto y desnudo, en la que está reunida una familia campesina en el momento de la cena para tomar su ración de patatas. La luz que desprende la lámpara inestable, en el medio de la mesa, hace destacar los rostros angulosos y las manos nudosas, mostrando los signos del trabajo cotidiano. Las figuras de la mesa se sitúan de manera que el espectador se integra en la estancia compartiendo la comida con los campesinos, sus miradas no se cruzan, parecen estar aislados y la niña que está en la sombra dando la espalda al espectador es un factor de distanciamiento que se excluye de la escena. Los colores usados son toscos y sucios, evitando así la idealización de los personajes. Es el cuadro mas importante de la época holandesa de Van Gogh, antes de establecerse en París y para el propio artista una de sus obras maestras.


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Campesinos comiendo patatas (1885) Litografía sobre papel Japón. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid


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Mujeres con sacos de carbón. 1882. Acuarela. 32 x 50 cm. Rijksmuseum Kroller-Muller. Otterloo. Holanda.<P>En 1879, Van Gogh marchó al Borinage, una región minera de Bélgica donde los trabajadores vivían en condiciones miserables. Impulsado por una fuerte vocación religiosa, había logrado que le dieran un cargo de seis meses en la Escuela Evangelista de Bruselas, pero, por causa de un celo que rozaba el fanatismo, no se le renovó su mandato. Vincent había decidido compartir plenamente su vida con los mineros, viviendo en una barraca, durmiendo en el suelo y ayunando, e incluso bajaba a predicar a la mina. Esta obra muestra la intensidad del que ha asistido personalmente a estas escenas.


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Japonería, Oiran. 1887. Óleo sobre lienzo. 105 x 60.5 cm Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda. La apertura de Japón a Occidente a partir de 1850 determinó una auténtica invasión de arte oriental en el territorio europeo, dando lugar a un fenómeno cultural etiquetado como "japonismo". Los pintores más vanguardistas, empezando por los impresionistas, se lanzaron a coleccionar las estampas de Hiroshige y Utamaro y a inspirarse en ellas para crear imágenes decorativas. Van Gogh empezó a coleccionar estampas japonesas en la época holandesa, ya que a finales de 1885 compró algunas en Amberes, llegándose a convertir en un verdadero fanático del arte japonés. Esta obra está inspirada en la portada de un número de la revista "París illustré" en la que se reproducía una figura en kimono de Kesei Eisen.


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El viñedo rojo cerca de Arlés. Vincent van Gogh, 1888, óleo sobre lienzo, 75 × 93 cm. Museo Pushkin, Moscú, Rusia. Supuestamente es la única obra que vendió el artista estando vivo.

El viñedo rojo se exhibió por primera vez en la exhibición anual de Los XX, 1890 en Bruselas, y fue vendido por 400 francos (el equivalente a 710 € actuales) a Anna Boch, una pintora impresionista, miembro de Los XX y coleccionista de arte de Bélgica. Anna era la hermana de Eugène Boch, otro pintor impresionista y amigo de Van Gogh también, que pintó el retrato de Boch (Le Peintre aux Étoiles) en Arlés, en otoño de 1888.

Al igual que El café de noche, fue adquirido4 por el famoso coleccionista ruso Sergei Shchukin. La obra fue posteriormente nacionalizada por los bolcheviques con el resto de la colección de Shchukin y, finalmente, pasó a formar parte del Museo Pushkin de Moscú.


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Campo de Trigo con Cipreses. 1889. Óleo sobre lienzo. 51,5 x 65 cm. Colección Privada.<P>Pintada entre la primavera y el verano de 1889, en esta obra Vincent muestra uno de los campos de trigo que rodeaban el sanatorio de Saint-Rémy donde estaba ingresado. Los tonos empleados son vivos y alegres, amarillos, verdes, malvas, rojos y blancos. El cielo está pintado con sus famosas espirales, que ya usó en “Noche Estrellada”, utilizando unas pinceladas conocidas con el nombre de facetas.


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Campo de tulipanes. 1883. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 48 x 65 cm. Collection Mr. and Mrs. Paul Mellon. The National Gallery of Art. Washington. USA. Las vistas de la campiña holandesa eran uno de los temas favoritos a la hora de decorar los hogares; Conocedor de este dato Vincent realizó varios paisajes de este tipo bajo la influencia de los paisajistas de la Escuela de la Haya, en especial de su tío Antón Mauve, con el que estudió dibujo y pintura. En esta obra podemos apreciar como el color va introduciéndose en la obra de Van Gogh, la pincelada se obtiene a base de pequeñas manchas, la imagen está tomada con un realismo absoluto donde las nubes dan una sensación de movimiento a la obra.


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Mujeres Bretonas o Mujeres y niños bretones. 1888. Óleo sobre lienzo. 47.5 x 62 cm. Civica Galleria d'Arte Moderna. Milán. Italia. Esta escena de mujeres se inspiró en una pintura de Émile Bernanrd, que pasó mucho tiempo trabajando en Bretaña junto con Gauguin, creador del sintetismo, sus axiomas son bien visibles en la copia realizada por Van Gogh. Los detalles se reducen a lo esencial; las superficies son aplanadas por los campos de color y por el uso de la línea negra de contorno. En la base del sintetismo estaba también el rechazo a seguir el modelo, prefiriendo una pintura basada en la memoria y en la idea. Aunque Vincent había hecho algunas pruebas en este sentido, era contrario a lo que definía como "abstracciones" y volvió muy pronto a pintar del natural, única garantía, a su modo de ver, de una pintura "auténtica" que respetase la esencia de la naturaleza.


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Noche estrellada. 1889. Óleo sobre lienzo. 73,7 x 92,1 cm. Museo de Arte Moderno. New York. USA. A diferencia de sus amigos Gauguin y Benard, que estaban elaborando una pintura de contenido simbolista, fruto de su imaginación y no inspirada en modelos reales, Vincent se decanta por el contacto directo con la realidad, pero ésto le supone un problema ya que le resultaba difícil representar el cielo nocturno, para ello ideó un sistema tan extravagante como ingenioso: colocó velas encendidas en su sombrero y pudo así realizar la primera obra nocturna al aire libre de la historia. Sin embargo, y a pesar de haber trabajado al natural, el resultado es cualquier cosa menos realista, la poderosa imaginación del autor transforma la vista nocturna en una especie de acontecimiento cósmico donde el cielo parece iluminado por multitud de cometas que giran vertiginosamente, creando una serie de remolinos de luz, haciendo que el pueblo parezca sumergido en una atmósfera sobrenatural. La composición del cuadro es magistral, la línea diagonal de las montañas, las ondulaciones amarillas de los astros, las pinceladas espirales que forman los árboles diseminados entre las casas, mientras que el largo tejado en punta del campanario rima con la forma del solitario ciprés, cuya silueta cierra la escena en primer plano.


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Noche estrellada sobre el Ródano. 1888. Óleo sobre lienzo. 72.5 x 92 cm. Museo de Orsay. París. Francia. Los impresionistas destacan por su especial interés hacia la luz. Si Monet se preocupa por captar las diferentes luces en las distintas horas del día, Van Gogh se sentirá atraído por las luces nocturnas, ya sean las estrellas como en este caso, o las luces de gas del Café nocturno. Bien es cierto que las luces artificiales también las observamos aquí, reflejadas en las aguas del Ródano. En primer plano aparecen un par de figuras, contemplándose tras ellas el espectáculo del río semi-iluminado y las siluetas de algunos edificios de Arlés al fondo. Pero lo que llena de sentimiento a la escena son las estrellas, rodeadas de un halo amarillento, como si Vincent plasmara en ellas todos sus deseos. Los tonos empleados son oscuros, consiguiendo crear un efecto especial con los amarillos y verdes, dominando a los azules oscuros. La pincelada que Van Gogh muestra es muy particular, con pequeños toques de color, formando facetas que organizan rítmicamente la composición. La pincelada depurada y relamida del academicismo ha sucumbido ante el genio explosivo de los artistas impresionistas y neo-impresionistas.


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La casa amarilla. 1888. Óleo sobre lienzo. 72 x 91.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda. Van Gogh alquiló la Casa Amarilla de Arlés mientras esperaba la llegada de su amigo Gauguin, con la esperanza de convertirla en el "Estudio del Sur que sería la sede de una comunidad de pintores vanguardistas. El cuadro es una especie de sinfonía en amarillo, el color más amado por Van Gogh en este período, símbolo del sol del sur de Francia, también utiliza el verde pálido para algunas fachadas, los árboles de los bordes de la plaza y la inclusión del toldo rosado del edificio contiguo a la casa del artista contrastando con la franja de cielo, de un azul intenso. El tono general del cuadro da la impresión de una hora del mediodía, con el sol en vertical, pero para animar la amplia escena Vincent ha introducido una serie de figuras, distribuyendo las pequeñas siluetas alrededor de los edificios. A lo lejos se ve un tren cruzando el puente ferroviario con su locomotora de humo blanco, uno de los temas preferidos de los impresionistas y repetido por Monet en muchos de sus cuadros.


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La silla de Van Gogh. 1888. Óleo sobre lienzo. 93 x 73.5 cm. National Gallery. Londres. Esta pintura nació junto con otra que representa la "Silla de Gauguin" durante su estancia en Arlés, cuando la idea del "estudio del sur" parecía realizable. Van Gogh, en vez de representar a su amigo, optó por mostrar su sitio vacío, e hizo otro tanto consigo mismo. Para su silla Vincent escogió un colorido luminoso y delicado, centrado en tres tonos, el anaranjado de las baldosas del pavimento, el amarillo de la silla y el turquesa de las paredes. La silla, colocada en diagonal, se ve en primer plano, como si fuese un retrato a todos los efectos. El artista es sustituido por dos objetos: la inseparable pipa con el tabaco y en una cesta que está en el suelo varios girasoles, debajo de ellos resalta la firma del pintor, que se compone sólo del nombre de pila. El cuadro, lleno de la presencia de su autor, trasmite una impresión de gran serenidad. Vincent atravesaba una época de relativa alegría, nada hacía presagiar el trágico epílogo de la oreja cortada, que determinaría el hundimiento de sus sueños de una vida artística compartida.


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La silla de Gauguin. 1888. Óleo sobre lienzo. 90,5 x 72,5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda.<P>Pensado como pareja del cuadro "La Silla de Van Gogh", saltan a la vista una serie de notables diferencias al comparar ambas obras, el acorde cromático es completamente distinto. Mientras que el artista utiliza para su propia silla colores claros y luminosos, para la de Gauguin se vale de tonalidades oscuras y fuertes. Prevalecen los colores fríos: el verde y el azul, aunque mitigados por la combinación con el amarillo de los libros y la lámpara y por las pinceladas que avivan el pavimento; el marrón de la silla no es especialmente alegre y contribuye al tono oscuro del conjunto. Otra de las diferencias entre una silla y otra es el modelo, así si la de Van Gogh es una simple silla de paja, la de Gauguin es una especie de poltrona, con asiento más grande y brazos. Para simbolizar al ocupante, Vincent ha representado libros y una vela. La iluminación de la estancia se consigue con una lámpara de petróleo colgada de la pared.


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Sembrador a la puesta del sol. 1888. Óleo sobre lienzo. 64 x 80.5 cm. Rijksmuseum Kröller-Müller. Otterlo. Netherlands.<P>Las imágenes de campesinos son uno de los temas favoritos de Van Gogh durante casi toda su carrera.<P>En esta versión, Van Gogh se confía enteramente a los colores. El cuadro fue pintado en Provenza, donde el artista había ido en busca de una luz más fuerte y de tonos más vivos.<P>Dominan el lienzo dos colores complementarios: el violeta del campo y de la figura en contraposición con el amarillo del cielo y las espigas. Las ropas del sembrador son de los mismos colores que la naturaleza que lo rodea, el centro del cuadro lo ocupa el sol, casi cegador. La dirección de las pinceladas simula los rayos y también el campo sigue una dirección circular, como si del astro se liberase una fuerza benéfica, vivificante, que todo lo invade.

Este cuadro me gusta especialmente, me hace refresionar sobre la esperanza y el futuro.


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Campos en Cordeville, en Auvers-sur-Oise. 1890. Camille Pissarro sugirió a su amigo que marchase a Auvers-sur-Oise, un pueblo no muy lejos de París, para recuperarse después de la experiencia en el manicomio. Este es el primer cuadro que pintó después de su recuperación.

Se nota un uso particular de los colores fríos como los verdes, los azules y el violeta: los colores cálidos característicos de las obras precedentes son escasos. Los árboles y la hierba parecen movidos por un fuerte viento y las nubes recuerdan las formas de arremolinadas de La noche estrellada. La casa parece desaparecer en medio del verde dominante.


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La italiana (L'Italienne). Vincent van Gogh, 1887. Óleo sobre lienzo, 81 × 60 cm. Museo de Orsay, París. El sujeto representado es una mujer sentada, presumiblemente Agostina Segatori, antigua modelo y propietaria del café del Tambourin, en el bulevar de Clichy. Con ella tuvo una breve relación amorosa Van Gogh unos meses antes de ejecutar este retrato.

La mujer es retratada frontalmente, vestida con trajes folclóricos y con un pañuelo rojo en la cabeza que le cubre los negros cabellos. De la silla sobre la que se encuentra sentada, azul, se ve sólo una esquina del respaldo detrás de ella. El fondo es una mancha uniforme de color amarillo, lo que recuerda la técnica de la mancha de color puro y opaco de las estampas. Esta ausencia de referencias de perspectiva da a la tela una cierta bidimensionalidad, la cual falta, sin embargo, en la cabeza de la figura, enriquecida por tonos claroscuros que hacen intuir la profundidad y la consistencia. Sobre el lado derecho y sobre el superior de la tela está pintado un marco y cuyos colores recuerdan a los de la falda del modelo.


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Lirios (Les Iris). Vincent van Gogh, mayo 1889. Óleo sobre lienzo, 71 × 93 cm. J. Paul Getty Museum, Los Angeles, USA. Los lirios fueron una de las primeras obras realizadas mientras Vincent van Gogh vivía en el asilo del Monasterio de Saint-Paul-de-Mausole en Saint-Rémy-de-Provence, Francia, en el último año antes de su muerte en 1890.

Fue pintado antes de su primer ataque en el asilo. Falta la alta tensión que se ve en sus obras posteriores. Llamó a la pintura "el pararrayos para mi enfermedad" porque sentía que podía evitar volverse loco al seguir pintando.

La obra está influenciada por el patrón decorativo de las impresiones xilográficas japonesas ukiyo-e, como muchas de sus obras y las de otros artistas de su época. Las semejanzas se presentan con los bordes bien definidos, puntos de vista inusuales, incluyendo vistas en primer plano, de cerca. El color es aplanado, no modelado de acuerdo con la caída de la luz, aplicando los consejos proporcionados por Gauguin sobre las tonalidades del color.

El artista consideraba a esta pintura un estudio, y es así, probablemente, porque no hay dibujos conocidos de ella, aunque Theo, su hermano, se lo pensó mejor y rápidamente presentó la obra a la exposición anual de la Société des Artistes Indépendants en septiembre de 1889, junto con Noche estrellada sobre el Ródano. Sobre la exposición, le escribió a Vicente: "Saltan a la vista desde lejos. Los lirios son un hermoso estudio lleno de aire y vida."

Historia de la propiedad. El primer propietario del cuadro fue el crítico de arte y anarquista francés Octave Mirbeau, uno de los primeros que confiaron en Van Gogh, pagando 300 francos en 1891. Escribió: "¡Qué bien ha entendido la exquisita naturaleza de las flores!"

En 1987 se convirtió en el cuadro más caro jamás vendido, estableciendo un récord que se mantuvo durante dos años y medio.2 Posteriormente fue vendido por 53.900.000 $ a Alan Bond, pero Bond no pudo conseguir el dinero para pagarlo.3 Por último, el cuadro fue posteriormente revendido por Christie's en 1990 al Museo J. Paul Getty de Los Ángeles.


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La butte Montmartre, 1886. Van Gogh


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The Sower, 1888. Van Gogh


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Campo de trigo con cuervos (julio de 1890) Pintura al óleo, 50 x 100 cm. Museo Van Gogh, Ámsterdam.


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Descargadores en Arles. 1888. Óleo sobre lienzo. 54 x 65 cm. Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid


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La Piedad (según Delacroix), versión de Van Gogh.


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Melocotonero en flor (1888).


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A la izquierda, grabado de Hiroshige representando El puente Ohashi y Atake bajo una lluvia repentina; a la derecha, copia de Van Gogh de este grabado japonés: Japonaiserie: Puente bajo la lluvia, 1887, óleo sobre lienzo, 73 x 54 cm, Rijksmuseum, Fundación Van Gogh, Ámsterdam.


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Mujer en el Café de Tambourin. 1887


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Dibujo El sembrador (1881) Museo Van Gogh.


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Dolor (1882) Posiblemente la modelo fue Clasina María "Sien".


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Niña de rodillas delante de una cuna (1883)


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Naturaleza muerta con biblia. 1885. Óleo sobre lienzo. 65 x 78 cm


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Cráneo fumando un cigarrillo (1885)


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El tejedor en el telar o Tejedor al telar con devanadera. 1884. Óleo sobre lienzo. 70 x 85 cm. Museo de Bellas Artes de Boston. Boston. USA


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La vieja torre y el cementerio en Nuenen. 1885, Museo van Gogh


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Retrato El doctor Paul Gachet. 1890


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The Hospital at Arles. 1889. Óleo sobre lienzo. Oskar Reinhart Collection. Winterhur. Switzerland


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Corredor del Hospital de Saint-Paul. 1889. Carboncillo y pintura a la aguada. 61.5 x 47 cm. The Museum of Modern Art. Nueva York. Estados Unidos


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La resurrección de Lázaro. 1890. Óleo sobre lienzo. 50 x 65 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda


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Pietà. 1889. Óleo sobre lienzo. 73 x 60.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda


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Los bebedores. 1890. Óleo sobre lienzo. 59.4 x 73.4 cm. Instituto de Arte de Chicago. Chicago. USA


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El pintor camino del trabajo. 1888. Óleo sobre lienzo. 48 x 44 cm. Quemado en la II Guerra Mundial. Anteriormente en Magdeburgo Kaiser-Friedrich-Museum


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La subasta de madera. 1883. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 33.5 x 44.5 cm. Rijksmuseum Vincent Van Gogh. Amsterdam. Holanda.


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Campesina sentada al fogón. 1885. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 29.5 x 40 cm. Museo de Orsay. París. Francia


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Campesino cavando. 1882. Óleo sobre papel sobre tabla. 30 x 29 cm. Colección privada


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Campesino quemando maleza. 1883. Óleo sobre tabla. 30.5 x 39.5 cm. Colección privada


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Los esquiladores. 1889. Óleo sobre lienzo. 43.5 x 29.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda


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El trillador. 1889. Óleo sobre lienzo. 44.5 x 27.5 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda


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El segador. 1889. Óleo sobre lienzo. 43.5 x 25 cm. Memorial Art Gallery of the University of Rochester. Rochester


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El segador con la hoz. 1889. Óleo sobre lienzo. 44 x 33 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda


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La agavilladora. 1889. Óleo sobre lienzo sobre cartón. 43 x 33 cm Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda


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El agavillador. 1889. Óleo sobre lienzo. 44.5 x 32 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda


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Recolectores de leña en la nieve. 1884. Óleo sobre lienzo sobre tabla. 67 x 126 cm. Colección privada


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El leñador. 1890. Óleo sobre lienzo. 43.5 x 25 cm. Fundación Vincent van Gogh. Rijksmuseum Vincent van Gogh. Amsterdam. Holanda


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El sembrador. 1888. Óleo sobre lienzo. 33 x 40 cm. Los Angeles (CA). The Armand Hammer Museum of Art. USA


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El sembrador. 1889. Óleo sobre lienzo. 80.8 x 66 cm. Colección Stavros S. Niarchos


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El sembrador. 1888. Óleo sobre lienzo. 72 x 91.5 cm. Colección L. Jäggli-Hahnloser. Winterthur.


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La hilandera. 1889. Óleo sobre lienzo. 40 x 25.5 cm. Colección Moshe Mayer. Ginebra


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Barcazas de carbón. 1888. Óleo sobre lienzo. 71 x 95 cm. Collection Carleton Mitchell. Annapolis (MD) USA



Enlaces interesantes


http://pintura.aut.org/ (Ver 855 obras)

http://es.wikipedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh

http://www.vggallery.com/international/spanish/index.html

http://commons.wikimedia.org/wiki/Vincent_van_Gogh?uselang=es

http://www.vangoghmuseum.nl/



Algunas imágenes personales de Vincent van Gogh


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Vincent van Gogh en 1866.


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Theo van Gogh a la edad de 21 años.Theo fue un defensor permanente y amigo de su hermano mayor.


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Acequia (1872-73), dibujo juvenil de Van Gogh (La Haya).


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La familia de Vincent van Gogh:
Arriba: sus padres Theodorus y Anna Cornelia.
Abajo, de izquierda a derecha: Vincent Willem, Anna Cornelia, Theo, Elisabetha Huberta, Wilhelmina Jacoba y Cornelius Vincent.


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Las tumbas de Vincent y Theo van Gogh en el cementerio de Auvers-sur-Oise.



0autorretrato_con_sombrero_de_paja_par_s_invierno_de_1887_88_museo_metropolitano_de_arte

Autorretrato con sombrero de paja, París, invierno de 1887/88, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.



Pues esto es todo amigos, espero que os haya gustado el trabajo recopilatorio dedicado a Vicent Van Gogh. Como es sabido Van Gogh fue gran maestro, precursor y genio de la pintura impresionista holandesa del siglo XIX. Actualmente sus cuadros son de los más valorados en las grandes subastas del arte.



Fuentes y agradecimientos: pintura.aut.org, es.wikipedia.org, artcyclopedia.com, elpais.com y otras de Internet


xerbar [ Martes, 13 Febrero 2007, 08:23 ]
Título del mensaje: Respuesta: VAN GOGH
J.Luis gracias por esta nueva exposición de Van Gogh . No dudo de que fuera uno de los grandes pintores de su época pero este tipo de pintura o al menos su estilo no es el que mas me gusta.

Un Saludo.


Green_woman [ Martes, 13 Febrero 2007, 10:27 ]
Título del mensaje: Respuesta: VAN GOGH
Maravilloso Van Gogh!!
Jose Luis MUCHAS GRACIAS!!
Me encanta


maca [ Martes, 13 Febrero 2007, 11:10 ]
Título del mensaje: Respuesta: VAN GOGH
¡¡¡Fantástico J.luis!!!!

En este caso no me puedo quedar con ninguno, me parecen todos formidables, en la utilización de las pinceladas, en el color, en las luces. En el museo de Amsterdam me sorprendieron sus cuadros oscuros, como Los comedores de la patata, pero reflejan tan bien la situación que es increíble.

Si tu admiración es tanta por él deberías visitar el museo en Amsterdam, disfrutaras un montón, y aunque te pierdas cosas de la ciudad ganarás otras.

Dejo un enlace del museo, nuevamente en su idioma, porque yo no he conseguido que me cambie al español toda la página, sólo una página de presentación.

MuseoVanGogh


j.luis [ Martes, 13 Febrero 2007, 14:10 ]
Título del mensaje: Respuesta: VAN GOGH
Gracias, xerbar, green y maca... la verdad es un pintor tan diferente, que me encanta, y más desde que he preparado éste trabajo, pues para seleccionar las 80 imágenes de la exposición, me he tenido que empapar de toda la obra, es una de las cosas buenas que conlleva buscar información para hacer la exposición de un pintor determinado, que aprendes y descubres muchas cosas nuevas.


maca, el enlace fantástico... espero ver el museo en Amsterdam.



Saludos.


j.luis [ Lunes, 18 Junio 2007, 19:47 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Los últimos meses de Van Gogh en el Museo Thyssen..., Hasta el 16 de septiembre 2007


El Museo Thyssen-Bornemisza muestra desde hoy y hasta el 16 de septiembre la primera exposición dedicada en exclusiva a la obra realizada por Vincent Van Gogh en los dos últimos meses de su vida.



ENLACE:

http://actualidad.terra.es/cultura/...sen_1635313.htm


j.luis [ Viernes, 07 Septiembre 2007, 21:24 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Los trapos de Van Gogh... A falta de lienzo, el artista holandés pintó sobre manteles y paños de cocina



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'Grandes plátanos' de Van Gogh


Cualquier superficie es buena cuando se tiene inspiración para pintar, y Vincent van Gogh, el prolífico y atormentado artista holandés, hizo suya como nadie dicha máxima. En 1889 y 1890, los últimos años de su vida, llegó a crear un cuadro diario. Y cuando las remesas de lienzos enviados por su hermano Theo se retrasaban, aprovechó manteles, e incluso trapos de cocina, para plasmar trigales, flores y jardines.


Las obras fueron creadas durante la convalecencia del pintor en un hospital de la Provenza

El uso de tan singulares telas ha sido constatado por Louis van Tilborgh, conservador del museo que lleva el nombre del pintor en Ámsterdam, que ha encontrado obras de esta clase en Holanda, en colecciones particulares y en el Museo de Arte de Cleveland (EE UU).

Van Gogh se encontraba en 1889 en la localidad francesa de Saint-Rémy, ingresado por voluntad propia en un centro psiquiátrico. Había recalado allí procedente de Arlés, donde se cortó un pedazo de oreja en un ataque de psicosis. Incapaz de montar un estudio por miedo a recaer, entró en el hospital.

La rigidez del entorno y de sus normas debieron de calmarle, porque en un solo año pintó 150 cuadros. En una carta remitida a Theo, marchante de arte en París, le pide un rollo de lienzo de 10 metros que tarda tres semanas en llegar. "Durante el estudio realizado con mi colega Meta Chavannes, del Museo de Bellas Artes de Boston, sobre la obra Barranco, pintada por Van Gogh sobre otra titulada Vegetación salvaje, comprobamos que al menos otros cinco cuadros fueron terminados sobre trapos de cocina o manteles. Sabíamos que utilizó cartón y papel cuando le faltaba dinero, pero ahora está claro que también buscó materiales aún menos convencionales", dice Van Tilborgh. Es el caso de Grandes plátanos, guardado en el Museo de Arte de Cleveland; Campos de trigo en un paisaje montañoso, del Museo Kröller-Müller, al norte de Holanda, y Rincón del jardín de Daubigny, del Museo Van Gogh de Ámsterdam.

"Ambos tienen los hilos cruzados y entrelazados en pequeños cuadrados propios de las telas domésticas", explica Van Tilborgh. Como el artista no pudo salir del psiquiátrico de Saint-Rémy, y cuando le abrieron la puerta fue para que accediera al jardín, "debe de tratarse de telas de la cocina del propio hospital", señala.

En 1890, bastante recuperado, Van Gogh se traslada a Auvers-sur-Oise, localidad en las cercanías de París. El lugar era muy adecuado para seguir cuidándose a la sombra de los círculos artísticos parisienses sin someterse a sus tensiones. En Auvers pintaría obras maestras como Cipreses, Lirios y Noche estrellada. Theo, siempre atento, le escribió alabando "un colorido como nunca antes habías conseguido". Aunque no logró vender un solo cuadro en vida, su buena racha no pasó inadvertida para el crítico Albert Aurier, que lo comparó con los simbolistas y los posimpresionistas. También expuso en el grupo de vanguardia belga Les Vingt y en el Salón parisiense de los Independientes.

La tranquilidad de 1890 se rompió poco después de una visita de su hermano para informarle de que se había quedado sin empleo y pensaba establecerse por su cuenta. El 27 de julio, quizá preocupado por el futuro de ambos, Vincent van Gogh se disparó un tiro en el pecho. Fallecería dos días después en brazos de Theo, al que legó una colección hoy imposible casi de asegurar dado su valor. "Una verdadera pena. Fíjese que aparte de la carga romántica de una muerte trágica y prematura, para 1901 ya había obras suyas en los museos europeos", lamenta el conservador.

Se dice que los artistas necesitan una década para hacerse famosos, y Van Gogh sólo consideraba buena la obra del último periodo. Por extraño que parezca, tal vez tuviera más miedo al triunfo que al fracaso.



ERA ENFERMIZA SU PASIÓN POR PINTAR, EN CUALQUIER LUGAR, A CUALQUIER HORA... Y EN CUALQUIER SUPERFICIE.



EL PAIS


Green_woman [ Sábado, 08 Septiembre 2007, 12:15 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Pues desde luego que ese cuadro quedó muy bien... Quién tuviera esos manteles en casa!


j.luis [ Lunes, 10 Septiembre 2007, 19:36 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
El enigma de Van Gogh


No hay un artista, antiguo o moderno, del que tengamos tanta información de primera mano. Se conservan cerca de 800 cartas de Vincent van Gogh, dirigidas a su hermano Theo, a su hermana Wil o a amigos pintores como Van Rappard, Émile Bernard, Paul Gauguin o Paul Signac, cartas donde se describen hasta los menores detalles de su vida cotidiana y se discute de todo lo divino y lo humano.

En las grandes exposiciones monográficas de 1984 y 1986 en el Metropolitan de Nueva York, Ronald Pickvance reconstruyó la cronología de los dos últimos años de Vincent con precisión milimétrica. Conocemos día por día lo que hizo en ese periodo de su vida.

El catálogo de su obra ha sido establecido innumerables veces, desde los primeros intentos de De la Faille hasta la última edición del de Jan Hulsker. Y sin embargo, seguimos sin respuesta a tantas preguntas. Cómo un muchacho inadaptado y sin aparentes dotes artísticas se convirtió en un pintor de vocación absoluta y en apenas diez años recorrió la distancia del cero al infinito.

Sobre su enfermedad mental se han propuesto muchas hipótesis (epilepsia, esquizofrenia, sífilis, alcoholismo, intoxicación por plomo) pero sin alcanzar un diagnóstico cierto. Sólo podemos conjeturar, en fin, lo que llevó a Van Gogh a acabar con su vida a los treinta y siete años y desde luego ignoramos adónde le habría conducido, de haber sobrevivido, su pasión torrencial por la pintura.

Hemos confiado en las biografías para descifrar el enigma de su obra y las biografías, como escribió Emily Dickinson, “nos enseñan ante todo que la historia de una vida es algo inaprehensible”.



Fuente: Guillermo Solana / EL CULTURAL


j.luis [ Domingo, 30 Septiembre 2007, 20:46 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Las 'cartas pintadas' de Vincent Van Gogh

Una exposición en Nueva York muestra una colección de cartas que recogen el proceso creativo del genio holandés





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Una de las 'cartas pintadas' que el pintor Van Gogh envió al escritor francés Émile Bernard- EFE


Los neoyorquinos puedes disfrutar desde este viernes de las cartas pintadas del pintor holandés Vicent Van Gogh al postimpresionista y escritor francés Émile Bernard en la exposición "Pintadas con palabras" de la Biblioteca Museo Morgan de Nueva York.

La muestra es una oportunidad única de descubrir el proceso creativo de Van Gogh (1853-1890) de su puño y letra y a través de los bosquejos de cuadros que ilustraban algunas de las cartas que envió poco antes de su muerte a su amigo Bernard (1868-1941) y que nunca se habían exhibido hasta ahora.

La Biblioteca-Museo Morgan muestra hasta el 6 de enero próximo 20 de las 22 cartas que el pintor holandés escribió a Bernard, que, además de amigo, fue el organizador de la primera retrospectiva de Van Gogh y uno de las personas que más hizo para que se reconociera su genio.

Proceso de creación artística

Completan la exposición 11 cuadros, 5 acuarelas y 6 dibujos de Van Gogh y Bernard sobre los que los dos artistas hablaron en su correspondencia y que ilustran a la perfección el paso desde el esbozo a la obra de arte, pasando por la inspiración, la maduración de una idea y su plasmación en el lienzo.

Los coleccionistas Eugene y Clare Thaw adquirieron 19 de las cartas de Van Gogh a Bernard en 2001 y se las regalaron a esta prestigiosa biblioteca-museo de Manhattan, fundada por el financiero Pierpont Morgan (1837 1913). La otra carta, que se exhibe en la muestra, ha sido prestada temporalmente por la Fundación Custodia de París a la Biblioteca-Museo Morgan para la exposición, que cerrará sus puertas el próximo 6 de enero.

También se puede ver en Nueva York una carta de Van Gogh al pintor Paul Gauguin, propiedad de Bernard. Van Gogh y Bernard se conocieron en París en 1886 y entablaron una amistad que quedó plasmada en dos años de correspondencia entre 1887 y 1889.

Creatividad desbordante

Las cartas están escritas en un momento creativo brillante en la vida del artista holandés, antes de su suicidio en 1890, a los 37 años. En sus cartas Van Gogh asume el papel del hermano mayor y sabio de Bernard, alabando o criticando sus pinturas, sus cuadros y sus poemas, mientras que el pintor francés es el confidente y amigo de Van Gogh, que por esa época vivía solo en Arlès (Francia).

Las cartas de Van Gogh a Bernard abarcan varios temas, desde artísticos a filosóficos, pasando por aspectos cotidianos de la vida. Las cartas del pintor holandés también contienen descripciones de las obras que estaba realizando en esos momentos.

Los autores del catálogo de la exposición, el comisario del Museo Van Gogh, Leo Jansen, y los investigadores Hans Luijten y Nienke Bakker, están preparando una primera edición completa en papel y digital de las 800 cartas aproximadamente que Van Gogh escribió, la mayoría a su hermano Théo.



EL PAIS


j.luis [ Miércoles, 16 Enero 2008, 18:08 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Encontrado en Atenas un supuesto cuaderno de dibujos de Van Gogh

Se aguardan las conclusiones de unos peritos del museo de Ámsterdam sobre la autenticidad de la libreta



Expertos del Museo de Vincent van Gogh, en Ámsterdam van a analizar una libreta de dibujos encontrada en Atenas y que se cree que ha pertenecido al famoso pintor holandés (1853-1890), autor de más de 900 cuadros y de más de 1.600 dibujos. Aparte de estos, fue encontrada también lo que se supone que es una fotografía de Van Gogh.

El cuaderno y la foto fueron encontrados en la capital de Grecia, dentro de unos cajones guardados por un griego de resistencia antinazi ya fallecido. Han sido encontrados por su hija, la escritora griega Doreta Peppa, que ha explicado que su padre recogió el cuadernillo de un tren alemán al acabar la ocupación nazi ordenada por Hitler. La libreta tiene tapas marrones y más de 60 páginas de esbozos y dibujos de rostros y personajes, algunos de los cuales son muy similares a aquellos incluidos por el pintor pos-impresionista en obras como Pere Tanguy o Los comedores de Patatas .

Según la agencia Reuters, un experto contratado por Doreta Peppa, y que ya estudió el presunto cuaderno de Van Gogh, concluyó que se trata de un cuadernillo auténtico del autor holandés, que murió en la miseria, a pesar de que fue un prolífico pintor en su tiempo. Sin embargo, se espera el análisis de los peritos del museo de Ámsterdam dedicado al autor de los Girasoles.

“¿Quién no se sentiría conmovido por tal descubrimiento? Se trata del alma de Van Gogh”, dijo Peppa a Reuters. “No hay ninguno igual a éste”, añadió, asegurando que el cuaderno puede valer casi cuatro millones de euros si fuera auténtico.

“El cuaderno es un gran regalo para el mundo de las artes”, ha sostenido el artista griego y perito de arte Atanasio Celia que ya lo examinó y que ha certificado su autenticidad. Según las copias exhibidas por Peppa a la agencia Reuters –el original está guardado en un banco – el cuaderno muestra el sello de la Real Academia de Artes de Bruselas, adonde se trasladó el pintor holandés en 1880, así como otro sello nazi.



EL PAÍS


j.luis [ Jueves, 17 Enero 2008, 14:00 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
MÁS NOTICIAS SOBRE LOS CUADERNOS GRIEGOS... El librito de 60 hojas podría salir a subasta por cuatro millones de euros


Van Gogh se aparece en una caja griega

Hallado en casa de un antiguo partisano un cuaderno atribuido al artista




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Detalle del cuaderno hallado en Grecia con dibujos atribuibles a Van Gogh


Vincent van Gogh no vendió un solo cuadro en vida, pero la posteridad ha convertido su obra en una de las más preciadas de la historia de arte. Hasta sus libretas de bocetos, llenas de proyectos pictóricos, pueden convertirse en piezas millonarias de probarse su autenticidad.


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Algunos bosquejos del pintor holandés, que habrían estado perdidos desde la I Guerra Mundial


Uno de esos viejos cuadernos acaba de ser encontrado en Atenas, en la casa de un antiguo resistente griego contra los nazis, y los expertos deberán decidir ahora si perteneció al pintor posimpresionista holandés. De ser así, los primeros cálculos cifran en unos cuatro millones de euros el valor de los pliegos si salen a subasta.

De Van Gogh se sabe casi todo: su estricta ética personal y pictórica, que le llevó a un extenuante frenesí creador de más de 900 cuadros y 1.600 dibujos. Sus apuros económicos hasta para comprar papel; la estrecha relación con su hermano Theo, un marchante de arte de cierto prestigio que trató sin éxito de promocionar sus cuadros; su caída en el desequilibrio emocional y su suicidio final. Lo que no podía imaginar ni el más avezado estudioso de su obra es que uno de sus cuadernos repleto de rostros de su primera época, la más oscura y holandesa, aparecería en una tierra tan lejana como Grecia. Según Doreta Peppa, la hija de un combatiente de la II Guerra Mundial que lo ha encontrado, la ruta recorrida por la pieza en cuestión hasta llegar a sus manos es de lo más enrevesado.

Su padre, que lo guardó durante años en un depósito de objetos personales dentro de una caja, dejó escrito que lo había rescatado tras un ataque a un tren que transportaba soldados germanos hacia el final de la ocupación. El cuaderno estaba en el suelo, y lleva dos sellos reveladores que podrían sellar hoy su verdadera procedencia. El primero corresponde a la Real Academia de Arte de Bruselas, donde Van Gogh estuvo en 1880. El otro pertenece a las autoridades nazis. "A quién no le conmovería este descubrimiento. Es el alma misma de Van Gogh. Parece que se trataba de un regalo, y no hay otro igual en el mundo", ha dicho la hija del resistente griego al presentar el hallazgo en público.

En las hojas que ha fotocopiado para poder mostrarlas con tranquilidad, pueden verse estudios de cabezas de campesino, con sus características cofias para el pelo en el caso de las mujeres. Son rostros similares a los plasmados luego en cuadros como Familia comiendo patatas, de 1885, verdadero estudio sociológico de la pobreza de una Holanda rural dependiente por entero del tubérculo. De otro lienzo señalado, Père Tanguy, un retrato del comerciante de pinturas ejecutado dos años después, también aparecen diversos trazos entre las 60 hojas de que consta el librito.

Aunque el artista griego y experto en arte Atanasio Celia ha asegurado ya que se trata de una pieza auténtica, en casos similares suele ser el museo del artista en Ámsterdam el que analiza los hallazgos. Ayer, sus portavoces se limitaron a decir que se trataba "de un asunto privado entre la sala y la dueña del cuaderno". Además de los dibujos, en la caja guardada por el fallecido Peppa había una foto del pintor. "Es un testimonio único de que el dibujo era, como el propio artista creía, la columna vertebral de la pintura", ha concluido Celia. En las múltiples cartas plenas de dibujos que Van Gogh envió a su hermano Theo, el artista iba aún más lejos en su definición de lo que debía ser un buen pintor. "Dibujar debería ser como escribir. Difícil al principio y luego sencillo por lo que tiene de espontáneo", afirmaba. (EL PAÍS)



LA VERDAD ES SORPRENDENTE ESTE VAN GOGH..., DESPUÉS DE TANTOS AÑOS TRASCURRIDOS DESDE SU MUERTE, SIGUE GENERANDO NOTICIAS, SOBRE NUEVOS DESCUBRIENTOS DE SU PROLÍFERA OBRA.


j.luis [ Sábado, 01 Marzo 2008, 00:19 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Un retrato infantil de Van Gogh de los días previos a su suicidio se pone a la venta

El ahijado del artista se convirtió en una fuente de alegría e inspiración en su última etapa




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'L' Enfant à l'orange', de Vincent Van Gogh. Un luminoso retrato infantil pintado por Vincent Van Gogh (1853-1890), y cuyo radiante optimismo contrasta con la tragedia de su suicidio, se pondrá a la venta el próximo mes en la feria de arte de Maastricht (Holanda).

La obra, titulada L' Enfant à l'orange, fue adquirida en 1916 a la familia del matrimonio suizo Arthur y Hedy Hahnloser, fundadores de la colección de arte Villa Flora, de Winterthur (Suiza), y desde entonces ha pertenecido a la misma familia.

Ahora, se ofrece por un precio que supera los 30 millones de dólares, según ha afirmado una portavoz del marchante británico Dickinson, encargado de su venta. La criatura de aspecto angélico y de radiante sonrisa es Raoul Levert, hijo de un carpintero local, que tenía entonces sólo dos años y al que Van Gogh pintó en el albergue Ravoux, de Auvers-sur-Oise, localidad próxima a la capital francesa. La identidad del retratado la confirmó Adeline Ravoux, hija del dueño del albergue, que aparece junto al pequeño Raoul a la puerta de aquella residencia en una fotografía tomada en 1890.

La inspiración de sus últimos días

Aparentemente feliz de estar de nuevo en el norte de Francia, Van Gogh pintó febrilmente más de ochenta cuadros en poco más de dos meses, es decir, a un ritmo superior a los dos cuadros al día. "Las pinceladas me vienen como en un mecanismo de relojería, así que confiando en ello, me atrevo a pensar que encontraré el equilibrio en el norte", escribió Vincent a su hermano Theo.

Poco antes de iniciar ese último viaje de su vida, Van Gogh había anunciado su intención de volver a pintar campesinos y paisajes. El artista dejó St. Rémy, donde había estado un año recluido en un hospital para enfermos mentales, y pasó algunos días en París junto a su hermano, su cuñada y el hijo pequeño de ambos.

Éste, llamado Vincent como el pintor, del que era además ahijado, se convirtió inmediatamente en una fuente de alegría e inspiración para el artista, que en Auvers comenzó a pintar retratos de niños de aspecto feliz y mejillas sonrosadas.

Las cartas que escribió Van Gogh desde Auvers reflejan su inmensa alegría de poder disfrutar finalmente de libertad tras su aislamiento en Saint-Remy. Nada más llegar allí, Van Gogh se puso a trabajar: "Hace un tiempo estupendo. Y me siento tan bien. Me acuesto a las nueve aunque suelo levantarme a las cinco (...) Y espero que dure esta sensación que tengo de dominar mucho más los pinceles que cuando fui a Arles", escribió a Theo.

Tras el suicidio del artista con un arma de fuego, L'Enfant à L'Orange junto a otros cuadros suyos hoy famosos como La Iglesia de Auvers o Lirios, además de su paleta y sus pinceles, se colocaron en el cuarto del albergue Ravoux donde se veló su cadáver.


EL PAÍS


huevitas29 [ Jueves, 26 Junio 2008, 02:46 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
hola alguno de ustedes saben si van gogh tiene unos cuadros que estan echos en oro me dijeron que se avian estraviado estos son los cuadros de !!doce girasoles en un garron!! y el de autorretrato


xerbar [ Jueves, 26 Junio 2008, 06:59 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Huevitas29 bienvenido al foro y gracias por registrarte. Espero verte aquí a menudo. Tu pregunta seguro que J.Luis te contestará que es el encargado de esta sección.

Un Saludo.


j.luis [ Jueves, 26 Junio 2008, 23:14 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Hola huevitas29, la verdad del asunto que me planteas no tengo idea, si algo averiguo te lo haré saber.

El MP que me mandas dice" hola j.luis tengo una pregunta hay unos cuadros de vangogh que tengo pero no se si son legitimos tu me podrias decir si estos son reales estos son dos cuadros que tienen el teme de ``doce girasoles en un larron`` y el de ``autorretrato`` pero estan hechos en oro si son legitimos asmesaberlo porfavor"

No soy ningún experto, pero entiendo que dices tener en tu poder dos cuadros de Van Gogh, deberías hacerles una foto y subirla al foro de xerbar, si quieres emseñarlos. Como puedes imaginarte si fuesen autenticos serías millonario, los títulos que dices yo no los conozco, si quieres autentificarlos debes de dirigite a algún especialista, al departamento impresionista del Museo Thyssen en Madrid o a alguna galería de arte.

Si lo que quieres es buscarlos en la Red, te dejo un enlace donde tienen todos sus cuadros- al menos los que le están atribuidos que son cientos-, pero debes de ser paciente pues para ir mirandolos todos, te va a llevar muchas horas o días.

http://www.artcyclopedia.com/artists/van_gogh_vincent.html


Suerte.


huevitas29 [ Viernes, 27 Junio 2008, 18:38 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
ok tampronto le tome las fotos las subo pera que medigas


huevitas29 [ Viernes, 04 Julio 2008, 01:52 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
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estas son las fotos espero me respondas pronto


j.luis [ Viernes, 04 Julio 2008, 09:46 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Huevitas29, decirte en primer lugar que te he editado tu mensaje, de la forma que habías puesto las fotos descuadraba la página.

Sabrás que Vincent van Gogh fue un pintor holandés y figura destacada del Postimpresionismo. Llegó a pintar más de 900 cuadros (27 de ellos autorretratos) y 1.600 dibujos, además de 800 cartas, 650 de ellas a su hermano menor Theo Van Gogh. Según cita de Wikipedia.

Yo no tengo conocimiento de que pintara relieves en oro, como dices que son tus dos cuadros. En cuanto lo que me pides huevitas29, debes de entender que ningún experto -yo no lo soy- te daría una opinión tajante para autentificar los cuadros que nos has puesto. Insisto que debes de dirigirte a una institución cualificada para que realicen un minucioso trabajo de verificación.


Saludos.


j.luis [ Miércoles, 30 Julio 2008, 22:18 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
APLICADOS CON ACELERADOR DE PARTÍCULAS


Una nueva técnica de rayos X desvela con exactitud una pintura oculta de Van Gogh

Reconstruyen con exactitud un retrato tras su obra 'Parche de hierba' (1887)

Lograron que las capas superiores distorsionasen menos la pintura subyacente




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El retrato de una mujer oculto tras otra pintura de Van Gogh. (Foto: EFE)


BRUSELAS.- Un equipo de investigadores de Holanda y Bélgica ha reconstruido con una exactitud sin precedentes una pintura del pintor holandés Vincent van Gogh, oculta tras su obra 'Parche de hierba' (1887), mediante el uso de una nueva técnica que emplea rayos X aplicados con un acelerador de partículas.

En un comunicado, la Universidad de Tecnología de Delft (Holanda), que ha trabajado en cooperación con la Universidad de Amberes (Bélgica), ha anunciado que sus científicos han conseguido aplicar con éxito por primera vez esta técnica, que les ha permitido obtener una "foto coloreada" del retrato oculto de una mujer.

Los métodos que emplean rayos X para examinar las pinturas, como las radiografías convencionales, hasta ahora sólo llegaban a descubrir ciertas capas y tenían sus limitaciones.

En este caso, los investigadores utilizaron un acelerador de partículas del instituto de investigaciones alemán DESY, con sede en Hamburgo, para aplicar un haz de rayos X sobre el cuadro y medir la fluorescencia de las capas de pintura, que son distintas según el elemento químico que contengan.

De esta manera consiguieron registrar individualmente los átomos de plomo, mercurio y otros componentes de los pigmentos, y se lograron que las capas superiores distorsionasen menos la pintura subyacente.

El método se empleó en el cuadro del maestro holandés 'Parche de hierba', pintado en París en 1887 y propiedad actualmente del Museo de Kröller-Müller (Holanda).

Van Gogh solía reutilizar lienzos para pintar otras obras. Los expertos consideran que hasta un tercio de sus primeros cuadros ocultan otras composiciones

La Universidad de Delft explicó que Van Gogh solía reutilizar lienzos para volver a pintar sobre ellos obras diferentes -los expertos consideran que hasta un tercio de sus primeras obras ocultan otras composiciones-.

Tras realizar investigaciones preliminares, los científicos descubrieron vagos trazos de una cabeza bajo las capas de pintura más superficiales.

Posteriormente, el pequeño pero intenso haz de rayos X aplicado con el acelerador de partículas permitió, después de escanear durante dos días una superficie de 17,5 por 17,5 centímetros, mostrar la imagen de la cabeza de una mujer.

La técnica utilizada permite identificar pigmentos de forma individual tras someter al cuadro original a ondas fluorescentes, lo que permite trasladar la información pictórica de la composición a un ordenador.

El equipo de investigadores pudo así reconstruir el retrato oculto con una precisión sin precedentes, en especial gracias a la medición de elementos como el mercurio y el antimonio presentes en los pigmentos que utilizó Van Gogh, que proporcionaron una "foto coloreada" del retrato.

La Universidad se muestra confiada en que esta nueva técnica permitirá a los historiadores del arte entender mejor la evolución del pintor, así como de otros muchos artistas que ocultaron obras al volver a pintar sobre ellas.

'Grasgrond' ('Parche de hierba'), que representa un prado y fue pintado por el artista en 1887 en París, pertenece a la colección del museo de arte Kröller-Müller de Otterlo (Holanda).



EL MUNDO


j.luis [ Miércoles, 03 Septiembre 2008, 19:28 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Van Gogh, dibujante


Dibujos con tiza, carboncillos y bocetos a lápiz son las piezas esenciales que el museo Albertina de Viena ha reunido para presentar al pintor Vincent van Gogh en su faceta más desconocida, la del dibujante, en la mayor exposición del célebre artista en los últimos 18 años


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Pinturas dibujadas. Vincent van Gogh Self-portrait with straw hat and artist's smock, 1887 © Amsterdam, Van Gogh Museum - Vincent van Gogh Foundation | 03-09-2008. La muestra, que la sala vienesa abrirá al público el próximo viernes, pretende mostrar la importancia del dibujo en la obra pictórica del artista holandés y unificar dos elementos de su trabajo que hasta la fecha apenas si se han puesto en relación. "Pinturas dibujadas" es el lema de la exposición, que presenta 51 cuadros y 89 dibujos provenientes de la magnífica colección gráfica del museo vienés y también de otras 51 instituciones de todo el mundo, entre ellas, el Thyssen-Bornemisza de Madrid.


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A la altura de Durero o Miguel Ángel. Vincent van Gogh The Sower, 1888 © Van Gogh Museum, Amsterdam - Vincent van Gogh Foundation | 03-09-2008. Todo, para configurar la mayor presentación monográfica en 18 años del autor de "Los girasoles", la primera en Austria en 50 años y una de las más valiosas: la cuantía del seguro asciende a 3.000 millones de euros (4.334 millones de dólares). Tal y como indicó hoy en la presentación de este evento a la prensa Klaus Albrecht Schröder, director del Albertina, la capacidad de Van Gogh como dibujante está a la altura de las de Durero o Miguel Ángel. Algo que, según él, "no está lo suficientemente valorado en el conjunto de la obra del artista".


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Luminosos cuadros. Vincent van Gogh Still Life with a Plate of Onions, 1889 © Kröller-Müller Museum, Otterlo, The Netherlands | 03-09-2008. Por eso, pese a que Van Gogh es conocido mundialmente por sus luminosos cuadros y su dinámica pincelada (por no hablar de su conflictiva vida y su suicidio), esta exposición reivindica y presenta sus obras realizadas a lápiz durante su carrera. El objetivo de esta muestra es descubrir a Van Gogh como una "unidad artística", en palabras de Schröder.


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Cronología. Vincent van Gogh Wheat Field with Sheaves, 1888 © Honolulu Academy of Arts - Gift of Mrs. Richard A. Cooke and family in memory of Richard A. Cooke, 1946 | 03-09-2008. De ahí que haya sido organizada siguiendo una línea cronológica; la muestra parte del tardío descubrimiento por parte de Van Gogh de su vocación artística, a los 27 años. De sus primeros pasos en el arte, entre 1883 y 1885, proceden sus estudios de la vida en el campo: las tareas de los campesinos, los paisajes rurales y, sobre todo, los retratos de labradores que reflejan la dura y empobrecida situación social del campo holandés.


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Más color. Hospital at Saint-Rémy, 1889 © The Armand Hammer Collection - Gift of the Armand Hammer Foundation. Hammer Museum, Los Angeles, California | 03-09-2008. Entre las piezas características de esta etapa destacan el dibujo a lápiz “Anciano con chistera" y el óleo "Molino de agua en Gennep". Seguidamente, la muestra aborda la etapa en la que Van Gogh va a París en 1886, en la que el color protagoniza su paleta y conoce a los impresionistas, que le conducirán a abandonar el estilo formalista de sus primeras composiciones. Allí pinta escenas desde la ventana de su apartamento en Montmatre, puentes y barcos en el río Sena y algunos autorretratos. Tras dos años de vivencias en la "Ciudad de la luz", Van Gogh se marcha a Arles (sur de Francia), donde producirá la parte de su obra más reconocida y valorada. En esta localidad, creó unos cuadros de pinceladas rítmicas y dinámicas en las que se reconoce un trabajo previo y una experiencia acumulada como dibujante.


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Desajustes mentales. Vincent van Gogh Entrance to the Moulin de la Galette, 1887 © Van Gogh Museum, Amsterdam - Vincent van Gogh Foundation | 03-09-2008. Dibujos y pinturas de caminos y campos se presentan conjuntamente en la muestra para subrayar la íntima relación entre el pincel y el lápiz o la pluma de caña de bambú. Especialmente llamativo ahora es el recurrente tema de los campos, que Van Gogh reproduce antes, durante y tras la siega, en una clara representación simbólica del ciclo de la vida. Pero sus desajustes mentales, su pelea con su amigo el pintor Paul Gauguin y la conocida automutilación del lóbulo de su oreja izquierda condujeron a que durante un periodo estuviese internado en el sanatorio psiquiátrico de Saint-Rémy.


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Últimos días. Vincent van Gogh Street in Les-Saintes-Maries-de-la-Mer, 1888 © The Metropolitan Museum of Art, New York - Bequest of Abby Aldrich Rockefeller, 1948 | 03-09-2008. Van Gogh allí ejecutó numerosos dibujos de los patios y rincones del hospital y pintó cuadros a diario con una gran fuerza expresiva en la que los colores generan movimiento dentro del lienzo. Corre ya el año 1890 y el pintor vive sus últimos días. Su arte ha logrado fusionar lo ornamental y lo expresivo "en un equilibrio armónico", como describen los organizadores. Serán ya sus últimos cuadros: "Auvers-sur-Oise", "Trigal con cornejas" o "El Jardín de Daubigny", fechados en julio de 1890. El 27 de julio, Vincent van Gogh se dispara un tiro en el pecho y muere dos días después.



EL PAÍS.com


j.luis [ Lunes, 16 Febrero 2009, 12:18 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Van Gogh 'la nuit'

Ámsterdam se rinde a la poética nocturna del genio



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'Noche estrellada' surge como indiscutible eje de la exposición

La hora crepuscular era un enorme reto para él: suponía reflexión y lucha

La luz de gas cambia la vida, y el artista quiere captar hasta el último destello





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Autorretrato delante del caballete

Según la leyenda, Vincent van Gogh (Groot-Zunder, Holanda, 1853; Auvers-sur-Oise, Francia, 1890) se tocaba con un sombrero lleno de velas encendidas para pintar de noche. Tal era su necesidad de captar los tonos cambiantes de la luz, que ni siquiera las tinieblas le obligaban a cerrar su caballete. Vincente Minnelli plasmó esa escena mítica en su película sobre el pintor (El loco del pelo rojo) poniéndole al actor Kirk Douglas un gorro chorreante de cera caliente en la cabeza.


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Noche estrellada sobre el Ródano

El museo que lleva el nombre del artista holandés en Ámsterdam no ha podido comprobar la veracidad de la historia, pero sí que ha conseguido un objetivo largamente acariciado: reunir por vez primera en una exposición los cuadros nocturnos del genial pintor, con el más famoso de todos ellos, Noche estrellada, como absoluto polo de atracción.

Apropiadamente titulada Van Gogh y los colores de la noche, la cita cumple otra función que permitirá sonreír al personal de la sala hasta el próximo 7 de junio, fecha de la clausura: el cuadro Noche estrellada ha favorecido toda clase de conjeturas cósmicas sobre el día en que el artista plantó una luna en cuarto creciente sobre un cielo retorcido; pero la obra, acabada en 1889, no está en Holanda, sino en Nueva York, en el Museo de Arte Moderno (MOMA).

Así que cuando los visitantes inquieren en Ámsterdam por la tela -y es la pregunta más repetida- se les dice con resignación que cuelga en Estados Unidos. "Por eso es un gozo tenerla ahora aquí, y haber podido trabajar con el MOMA en esta exposición, que recoge la fascinación de Van Gogh por el crepúsculo y los nocturnos", afirma Axel Rüger, director del museo holandés. La colaboración ha sido intensa y con una oferta doble. Los cuadros estuvieron en Nueva York y ahora llegan a Ámsterdam como única plaza europea para su disfrute.

Hay varias sorpresas para el visitante entre los 32 lienzos, 19 trabajos sobre papel y cinco bocetos reunidos en la muestra. Dividida en cuatro apartados temáticos, la exposición arranca con los atardeceres, recorre luego la vida campesina, la siembra, y se cierra con "la poesía de la noche". Ya en el primero, destacan dos piezas cedidas por el Museo Thyssen-Bornemisza, de Madrid. Se trata de Paisaje nocturno (1885) y Estibadores de Arlés (1888), unas escenas con un sosiego que no suele atribuirse al artista. Hijo de un pastor protestante y aspirante él mismo a predicador, la noche presentaba un enorme reto para el espíritu de Vincent Van Gogh. Era el momento del recogimiento, la reflexión y el descanso. De igual modo, suponía la lucha contra la tentación de pintar, a la que sucumbía, en lugar de preparar sus sermones.

En el museo holandés, el paso de la noche oscura a la noche luminosa es bien palpable. Junto a la negrura de iconos holandeses fechados hacia 1885, como la casi mística Familia comiendo patatas y Casita de campo, pueden verse crepúsculos y trigales franceses arrebatados, de 1888. De La siega, otro tema esencial, hay tres versiones reunidas por primera vez desde 1984.

Para cuando se llega al punto álgido de la visita, la mano de Van Gogh revela la intensidad que le ha hecho famoso. Porque no sólo Noche estrellada es un frenesí de pinceladas, empaste y una luna amarilla como un sol. "La fascinación de la noche no le abandona nunca, pero en Francia, cuando llega la luz de gas, la vida cambia. Los bares abren todo el día y quiere captar hasta el último destello, a oscuras. Por eso pinta terrazas de cafés en plena madrugada y monta sus aperos frente al río Ródano, en Arlés, buscando reflejos en el agua", afirma Maite van Dijk, investigadora del MOMA, que ha colaborado en el catálogo de la muestra.

Es posible que Vincent Van Gogh nunca llevara un gorro de velas puesto, pero sí apareció citado en el diario de Arlés como "el tipo que pinta de noche en la calle".


Fuentes. elpais / ciudadpintura


j.luis [ Martes, 10 Marzo 2009, 11:21 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
The European Fine Art Fair, en Maastricht

El viernes abre en Maastricht la feria más prestigiosa de arte antiguo





Van Gogh, la estrella de la feria de arte antiguo más prestigiosa del planeta

Se vende por 25 millones de euros 'Jardín del Hospital Saint Paul'



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'Jardín del Hospital Saint Paul', de Van Gogh, se vende por 25 millones de euros.

Con un ambiente optimista y esperanzador, a pesar de la que está cayendo, el próximo viernes abre en Maastricht la TEFAF (The European Fine Art Fair), la feria de arte antiguo más prestigiosa del planeta. Al contrario que el contemporáneo, sigue mostrando signos de buena salud. Ayudado, eso sí, por nuevos coleccionistas procedentes de China, la India, Rusia o los países del Golfo Pérsico.

Salvo sorpresa de última hora, la gran estrella será Van Gogh, del que aprovechando la gran exposición que todavía se puede ver en Ámsterdam centrada en sus 'nocturnos', la galería Dickinson saca a la venta uno de sus cuadros más misteriosos e inquietantes: 'Jardín del Hospital Saint Paul', que llevaba en manos una colección suiza desde 1963. El precio: 25 millones de euros.

Fue una de las pocas obras que realizó durante su estancia en el manicomio de Saint-Paul, en Sain Rémy, donde pasó el último año de su vida. El artista estaba especialmente satisfecho de este óleo, pintado entre entre septiembre y octubre de 1889, y que colgó a la derecha de la ventana de su celda.

Van Gogh había ingresado voluntariamente en el hospital después de haberse peleado con su amigo Paul Gauguin en Arles, al que amenazó con la misma navaja con la que se cortó su propia oreja.

El jardín que fascinó al artista

Desde un primer momento le fascinaron los jardines del hospital, como queda reflejado en la correspondencia con su hermano Theo: "Desde que entré aquí, los solitarios jardines con esos altos pinos y la hierba que crece salvaje junto a la maleza, me han bastado para mi trabajo y no he salido afuera".

El 'Jardín del Hospital Saint-Paul' podría ser una de las pinturas a las que se refería en otra carta: "También tengo dos vistas del jardín y del manicomio, en las que este lugar parece apacible. Traté de reconstruir el sitio, simplificando y acentuando el carácter altivo de los pinos y de los cedros sobre el azul".

Theo notaría lo apasionadas que eran estas pinturas, influidas también por el gusto de Van Gogh por los grabados japoneses. Escribió a su hermano: "Hay una fuerza en los colores que no habías conseguido antes... Has llevado todo al límite, se percibe el vértigo".

Aunque sus pinturas en Saint-Rémy trajeron a Van Gogh una paz mental temporal, el miedo de Theo por la frágil mente de su hermano se materializó tan solo unos meses después. En mayo de 1890, el artista dejó el manicomio y se fue con el doctor Paul Gachet a Auvers-sur-Oise, cerca de París. Su depresión se acentuó y los efectos positivos de su estancia en los jardines del hospital desaparecieron. El 27 de julio de 1890, a los 37 años, Van Gogh caminó entre los campos y se disparó en el pecho. Murió dos días después.

Pisarro o Giacometti

De forma paralela, la Galería Richard Green de Londres presenta 'Prairies à Eragny', pintado por Camille Pisarro en 1886 en un estilo abiertamente impresionista.

Entre las muchas obras importantes del siglo XX que se pondrán también a la venta destacan 'Tres hombres que andan 1', de Alberto Giacometti, y una copia en gelatina de plata de la foto de 1926 de Man Ray 'Noire et Blanche', valorada en 600.000 euros. También 'Retrato de un filosofo con un un sombrero rojo' de Giandoménico Tiépolo.

La feria, en esta vigésimo segunda edición, no sólo se ha ampliado el número de participantes a 239, una cifra record, sino se ha creado una sección dedicada exclusivamente al diseño y a las artes aplicadas, donde se podrán comprar piezas como un sillón del arquitecto Peter Behrens o una lámpara muy rara de Alvar Aalto.


EL MUNDO


j.luis [ Martes, 05 Mayo 2009, 09:26 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
¿Cortó Gauguin la oreja a Van Gogh?

¿Se disputaban una mujer?




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'Autorretrato con la oerja vendada y pipa' (1890)


La oreja de Van Gogh se ha convertido en protagonista de una biopsia aclaratoria, revisionista. La han realizado dos historiadores de Hamburgo, Hans Kaufmann y Rita Wildegans, y han concluido que fue Paul Gauguin quien arrancó el apéndice a su colega en Arles hace 121 años.

La versión ocupa 392 páginas y muchos años de estudio. Todos ellos centrados, como el libro de Kaufmann y Wildegans, en los pormenores de cuanto sucedió el 24 de diciembre de 1889. La hipótesis de mayor crédito, avalada por las informaciones de Gauguin, sobrentiende que Van Gogh se arrancó la oreja como un gesto de locura. Podía ser una manera extravagante y violenta de reaccionar a la marcha de Gauguin a París, aunque Georges Bataille y Antonin Artaud, filósofos de la contracorriente, se apresuraron a defender que el gesto contenía el valor sacrificial y la locura como señas de identidad del artista realmente comprometido e inclasificable.

El arma de la amputación fue la que puso en alerta a Kaufmann y Wildegans: no es tan fácil cortar una oreja de un navajazo. Además, ambos llevaban tiempo reprochando los manipulaciones en la biografía de Van Gogh con pretextos literarios y legendarios.

De ahí que su explicación pueda levantar de sus tumbas a Bataille y a Artaud: la reyerta con armas blancas el 24 de diciembre tuvo su origen porque Van Gogh y Gauguin se disputaban a la misma mujer. Se llamaría Rachel y frecuentaría la casa de lenocinio más clandestina de Arles. Nada que ver, pues, con arrebatos pictóricos ni con los dolores resultantes de la creación. Los pintores querían a la misma chica.

El enfoque proviene del paciente y riguroso estudio que los historiadores germanos han hecho de la última Nochebuena de Van Gogh. Admiten que no existió una investigación judicial real de lo acaecido, pero dicen que han reconstruido los hechos gracias a los documentos policiales, las noticias de la prensa y los archivos municipales disponibles.

"La realidad es que la versión aceptada hasta la fecha proviene de la contradicción y de la falta de rigor", sostiene Hans Kaufmann. "Nadie parece haberse interesado realmente en aclarar las circunstancias de aquel episodio. Quizá porque se ha aceptado con indulgencia los testimonios que Gauguin documentó muchos años después. Se sentía en deuda. Y pintó unos girasoles en 1901, fuera de contexto, en Tahití, como si fuera aquélla la manera de expiar cuanto sucedió en la noche del sangriento episodio".

Gauguin habría arrancado la oreja de Van Gogh de un espadazo limpio. Era un maestro de esgrima, aunque Kaufmann y Wildegans admiten por colleras que el artista herido pudo blandir otra arma, y que ambos contendientes fueron conscientes de que la pelea se les había desmadrado.

Es entonces cuando se entiende la salida precipitada de Gauguin a París. Fuera o no cierto que la relación entre ambos se desarrollaba de manera tormentosa, la espantada de Gauguin tuvo su origen en el episodio del sablazo.

El propio Van Gogh se habría avenido a encubrirlo una vez restaurados los ánimos. La fuga del colega francés evitaría complicaciones judiciales, aunque el artista holandés, a cambio, se vería obligado a declarar que él mismo se arrancó la oreja con la navaja de afeitar.

"Van Gogh adoraba a Gauguin. No quería que se marchara a París, pero, al mismo tiempo, se impuso la necesidad de protegerlo. Existía la posibilidad real de acabar en prisión. Y no cabe duda, al mismo tiempo, de que la huida de Gauguin agravaría la salud mental de Van Gogh. La teoría de la automutilación fue un invento", explica la profesora Wildegans.

Tendrá que razonarlo el próximo mes de junio en un congreso internacional que va a inaugurarse en Basilea al hilo de una exposición exhaustiva de maestro. Estarán colgados los autorretratos en los que aparece Van Gogh desprovisto de su oreja derecha. Y, al lado, el cartel del libro que desmiente la versión de Bataille: 'La oreja de Van Gogh, Gauguin y el pacto de silencio', se titula la publicación editada en Alemania por Osburg Verlag.

La única concesión que admiten Wildegans y Kaufmann consiste en que el desenlace sangriento de la faena taurina pudiera haber sido accidental. Es decir: probablemente, Gauguin no pretendiera realmente mutilar a su amigo.

"El problema es el precio que pagaron ambos. Gauguin evitó la cárcel. Van Gogh evitó el hospital, precisamente para evitar las sospechas", objeta Kaufmann sin poder evitar cierto tono reprobatorio hacia el pintor francés.

Después sobrevino el desenlace de leyenda que le gustaba a Artaud. Van Gogh envolvió la oreja en un papel de periódico y se la enseñó a una meretriz que le hizo compañía en la Nochebuena de 1889.


EL MUNDO


matias [ Martes, 05 Mayo 2009, 14:32 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Muy interesante esta versión con visos de veracidad, en la deducción a que han arribado los historiadores alemanes en el estudio de los documentos históricos hallados, motivada por los celos que de un tiempo atrás se estaban dando entre Gauguin y Van Goth, Celebración de Nochebuena, celos por mujeres y algo más y copas de por medio, todo enlazado a cierta sicosis y con armas a la mano, pues estaba para eso que, en realidad, fue mínimo con la gran tragedia que pudo haberse producido. Después, claro, viene la toma de conciencia y hay que salvarse como se pueda. La cuestión es que no deja de ser un episodio más en la vida, un tanto atormentada, del gran pintor. Saludos


j.luis [ Viernes, 02 Octubre 2009, 09:38 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
La madre de todas las correspondencias

Es el mayor epistolario ilustrado de la historia con sus 2.000 dibujos


Se reúnen por primera vez las 900 cartas que Van Gogh escribió e ilustró - Una muestra celebra en Ámsterdam la edición de las misivas, que desmienten los tópicos sobre su aislamiento artístico



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Van Gogh mantuvo una intensa relación epistolar con su hermano. A la izquierda, una carta enviada a Theo en 1888. Muchas de las misivas contenían esbozos (arriba) de sus cuadros más célebres.

Cuando Vincent van Gogh, prolífico y atormentado pintor holandés, se suicidó de un tiro en el pecho a los 37 años el 29 de julio de 1890, llevaba en su bolsillo una carta inacabada para su hermano, Theo, marchante de arte. La imagen es romántica, trágica y evoca a la perfección el mito del artista genial superado por la vida. La misiva que contenía el último aliento de Van Gogh es una de las 900 que el pintor escribió y dibujó (plenas de esbozos de los cuadros que pensaba ejecutar). También las llenó de planes fallidos para formar una comunidad de artistas, de sueños y de desengaños creativos y místicos. Escritas en holandés y en un francés excelente, han sido estudiadas por los expertos desde hace más de un siglo. Pero nunca se habían reunido en su integridad. Hasta ahora.

Han sido 15 años de trabajos compartidos por el Museo Van Gogh de Ámsterdam, y el Instituto Huygens, de la Real Academia holandesa de Artes y Ciencias. Juntos han reunido el mayor epistolario ilustrado de la historia: seis volúmenes con más de 2.000 dibujos y en tres ediciones distintas (en holandés, francés e inglés). Los expertos ya hablan del libro sobre arte más importante del año, si no de la década.

Para presentarlo, el museo holandés ha organizado una exposición con los más de 340 cuadros descritos en una selección de 120 cartas, que mostrará hasta el 3 de enero. Titulada Las cartas de Van Gogh: habla el artista, el doble retrato que dibuja la muestra habría satisfecho a un pintor que firmaba sólo con su nombre, Vincent, como Rembrandt. "Cuando trabajo siento una confianza sin límites en el arte y en mi éxito futuro", le escribió en 1883 a Theo, desde su refugio en Francia. Allí pudo presentarle colegas como Cézanne, Gauguin, Toulouse-Lautrec o Seurat.

Porque a pesar de la imagen de artista extremo que devuelven estas cartas, Van Gogh no vivió aislado. Su obra era lo más importante, eso sí. Y confiaba en sus cuadros como el único testimonio posible de que una vez estuvo allí. Con las mismas personas que no le comprendían la mayoría de las veces. "Espero no trabajar para mí mismo. Creo en la necesidad de una nueva forma de vida artística, con su propio colorido. Si trabajamos con esa fe, tenemos una oportunidad". Dado que el pintor era hijo de un pastor calvinista, al que trató de emular al principio, es fácil atribuirle cierto tono de sermón a algunos de sus escritos. Lo indudable es el fervor casi religioso en la forma de abordar su arte.

En 1883, otra carta denota la sublimación que el pintor hace de su trabajo. Le confiesa a su hermano la necesidad, y la obligación, que tiene de pintar. "No creo que viva mucho, pero tengo el deber -dado que he estado en este mundo 30 años- de dejar una muestra de gratitud en forma de dibujos y pinturas", dice. Theo van Gogh, que le sobrevivió apenas un año y falleció a los 34, guardó sus cartas con el amor y la dedicación que le mostró durante toda su vida. Introductor de impresionistas como Monet y Degas, trabajaba con un marchante parisiense y antepuso la ética a los lazos de sangre. Nunca promocionó a Vincent desde su galería. Eso sí, le pasó una asignación mensual hasta su muerte, le envió los materiales necesarios y trató de hacerle un hueco en el mundo artístico francés hasta el final.

La correspondencia demuestra que la compenetración entre Vincent y Theo nunca se debilitó. Las misivas fueron una forma de confesión laica interrumpida sólo por el suicidio del artista en Francia. "A pesar de mi torpeza, o tal vez por ello, por lo que aparento ser ante los demás: una nulidad, un tipo raro, o un ser humano desagradable sin un lugar propio en el mundo, deseo mostrar el verdadero corazón de ese ser extraño", le escribe en agosto de 1880. En junio de ese mismo año había admitido ser "un hombre de pasiones capaz de hacer tonterías que luego lamento". Más adelante, reconoce sueños como éste: "Quiero que la gente pueda decir que ese hombre, yo mismo, siente a fondo las cosas".

"Es un epistolario único. La madre de todas las correspondencias, si se quiere, porque nunca se había analizado tan a fondo la obra pictórica y escrita de un artista", aseguraban ayer expertos del Museo Van Gogh. La verdad es que, esfuerzos eruditos aparte, el Van Gogh pintor bien podría haberse ganado la vida como cronista. Estructuradas, con una exquisita caligrafía y un dominio casi literario -de su lengua materna y después del francés-, el pintor se revela como un buen narrador que crea una obra escrita compacta. Habla con delirio de los colores que pondrá en una tela aún no pintada ("los rojos, naranjas y violetas del crepúsculo") para disertar luego sobre la esencia de la vida. "Mantengo el fuego vivo", escribe una vez, para añadir en otra línea: "Si es preciso, no tengo inconveniente en meterme en líos en beneficio de mi obra". Sin esperar respuesta, busca una salida a sus afanes en otra anotación. "Si dejo de buscar, estoy perdido; pobre de mí".

Si en el género epistolar se muestra delicado, para los cuadros reservó las paletadas gruesas, veloces. Rasgos precursores del arte moderno. Y en la modernidad más evidente, todo este esfuerzo de reunión de un legado epistolar inigualable, podrá seguirse a través de Internet a partir del 8 de octubre. En www.vangoghletters.org, aparecerán, en inglés, las cartas y los cuadros que las acompañan.


Una gran obra

- Tras su muerte en 1890, la correspondencia de Van Gogh fue descubierta casi al mismo tiempo que su obra.

- Ha habido varias ediciones incompletas de las cartas: en 1893, en 1914 y en 1958. La que se publica ahora es la primera integral.

- La editorial Thames and Hudson es la encargada de reunir las 900 cartas, en seis volúmenes y tres idiomas. En total, 2.240 páginas que se venden por 325 libras (356 euros). Se editará este mes en España.


EL PAÍS


j.luis [ Jueves, 10 Diciembre 2009, 10:09 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Las cartas de Van Gogh viajan a Londres



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Una de las misivas de Van Gogh.

Contrariamente a su imagen de leyenda, proyectada por el cine, Vincent van Gogh no era un "genio loco", un "maníaco" que creaba a golpe de inspiración visionaria, sino un artista tremendamente "trabajador y concienzudo".

"Se cree que sufría algún tipo de epilepsia, pero no trabajaba cuando se encontraba en ese estado", señala la experta británica Ann Dumas, que prepara la exposición "El auténtico Van Gogh: el artista y sus cartas" para la Royal Academy of Arts londinense (del 23 de enero al 18 de abril del 2010).

"Es cierto que era una personalidad apasionada, pero al mismo tiempo tenía una gran cultura, fruto de su voracidad lectora", agrega Dumas, según la cual entre sus autores favoritos estaban William Shakespeare, George Eliot o Charles Dickens, a los que podía leer directamente en inglés.

"Van Gogh era además un excelente escritor", afirma la experta, que dice que la exposición podría haberse titulado también "Van Gogh, escritor y artista".

La Royal Academy reunirá, junto a 65 pinturas y treinta dibujos, cerca de cuarenta cartas, escogidas, según Dumas, de entre el centenar que contienen dibujos mediante los cuales el pintor informaba visualmente a su hermano, Theo, del cuadro en el que estaba ocupado o que acababa de pintar.

Pero fue también un asiduo escritor de cartas: se conservan 902, de ellas 800 en el museo Van Gogh, de Amsterdam, que constituyen un testimonio excepcional sobre la evolución de su arte y sus opiniones en torno a otros pintores o escritores como Delacroix, Degas, Émile Zola o Dickens.

La mayoría están dirigidas a su hermano, que apoyó a Vincent económicamente durante toda su vida, pero Van Gogh escribió también a otros familiares, como su hermana, Wilhelmina, o a otros artistas, entre ellos Anton Van Rappard, Emile Bernard, Paul Gauguin o el australiano George Russell.

Demasiado frágiles

Émile Bernard fue el primero en llamar la atención del público sobre las cartas de Van Gogh al publicar algunas de las recibidas de su coleta en la revista de arte francesa Mercure de France.

En 1914, la viuda de Theo, Jo Van Gogh-Bonger publicó en forma de libro una primera edición de las cartas, pero hasta este año no había aparecido una edición completa y anotada (Thames & Hudson).

Para la exposición londinense, la Royal Academy no ha conseguido que viajara ninguna de las cartas dirigidas a Émile Bernard que se conservan en la colección del Morgan Library & Museum de Nueva York ya que estuvieron ya expuestas durante algunos meses en aquella ciudad y son muy sensibles a la luz.

Sí irán en cambio otras igualmente si no más importantes, explica Dumas, incluidas las dos últimas que escribió a su hermano poco antes de quitarse la vida en un campo cerca de Auvers.

Vincent llegó a poner en el correo una de ellas, la de tono más optimista, mientras que la otra la llevaba encima en el momento de efectuar el disparo fatal.


EL MUNDO


j.luis [ Miércoles, 24 Febrero 2010, 21:31 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Identificado en Holanda un nuevo cuadro de Van Gogh

La obra fue comprada en 1975 en una tienda de objetos de arte de París



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El Molino Le blute-fin', de Vicent Van Gogh

Un nuevo cuadro de Van Gogh, que no constaba hasta ahora en los catálogos habituales del artista holandés, ha sido encontrado en un museo regional del centro del país. La obra, un óleo del más puro estilo impresionista, retrata el molino Le Blute-Fin, de París.

Ejecutado hacia 1886, cuando el pintor residía en la capital francesa, formaba parte de la colección particular de Dirk Hannema, antiguo director del museo Boyman van Beunigen, de Rotterdam. Aunque el propietario, ya fallecido, siempre dijo que se trataba de un van gogh, su mala reputación con las atribuciones hizo que no le tomaran en serio durante tres décadas.

"Estas cosas son así. Ahora nos lo han traído, lo hemos analizado, y sí, lo pintó Vincent. Aunque nunca ha estado en nuestra colección, la atribución es ya oficial", aseguran en el museo Van Gogh, de Ámsterdam.

Van Gogh decía que los errores de su obra eran compensados por los aciertos, y este cuadro es un buen ejemplo. Según Louis van Tilborgh, conservador de la sala, "la perspectiva es imperfecta, lo cual le da cierto encanto, y el empaste es típico del pintor. No así las figuras, muy grandes y coloristas. Hemos trabajado a fondo para demostrar la autoría y ha sido muy gratificante".

El pintor, que dejó atrás las obras oscuras firmadas en su atormentada etapa holandesa, dedicó parte de su producción en Francia a los temas en boga entre los impresionistas. Los molinos, donde había cafés danzantes, eran uno de los lugares más concurridos de Montmartre, el barrio popular por excelencia de París.

La obra estará expuesta hasta el próximo 4 de julio en el museo De Fundatie, que guarda la colección de Dirk Hannema. Considerado el hazmerreír del mundo artístico holandés, la atribución ha llegado demasiado tarde para él. "Falleció en 1984, y lo malo es que pensaba que todas sus compras eran auténticas joyas. Que tenía rembrandts y vermeers. Pero aquí llevaba razón", concluye Van Tilborgh.


EL PAÍS


j.luis [ Martes, 15 Febrero 2011, 11:52 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
El amarillo de Van Gogh se reduce


Los rayos X descubren la compleja reacción química que degrada los brillantes colores del genio holandés y abren una vía para evitarlo




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El cuadro Ribera del río Sena de Van Gogh, tal como está en la actualidad (centro) y recreación de su aspecto original en 1887 (izquierda) y de su futuro aspecto en 2050 (derecha). Abajo, imágenes de la investigación llevada a cabo en el ESRF.- ESRF/ANTWERP UNIVERSITY/MUSEO VAN GOGH

El brillante amarillo de los cuadros de Van Gogh ya no es tan brillante como cuando los pintó y vira a marrón. Esta preocupante degradación, que afecta a otros colores y otros artistas de finales del siglo XIX, se debe a una compleja reacción química, que han conseguido detectar en un esfuerzo conjunto varios laboratorios europeos, incluyendo el gran sincrotrón de Grenoble (ESRF).

Pequeñísimas muestras de pintura analizadas por científicos de cuatro países han confirmado el proceso, que abre la vía a posibles medidas para evitarlo, como la protección de la luz solar y los rayos ultravioleta. Los resultados se publican en Analytical Chemistry .

Como en una historia de investigación forense, los científicos emplearon un haz microscópico de rayos X para revelar la reacción química, que tiene lugar en una capa finísima, donde coinciden la pintura y el barniz de la superficie. La luz del sol solo puede penetrar unos pocos micrómetros en la pintura, pero en esta cortísima distancia es capaz de disparar una reacción hasta ahora desconocida que convierte el amarillo de cromo en pigmentos marrones.

La decisión de Van Gogh de utilizar nuevos colores brillantes en sus lienzos se considera un hito en la historia del arte, señalan los científicos. Eligió deliberadamente colores para manifestar emociones y estados de ánimo, y no lo hubiera podido hacer sin la innovación en la fabricación de pigmentos industriales que tuvo lugar en el siglo XIX.

Aunque se sabe desde ese siglo que la pintura amarillo cromo se oscurece bajo el efecto de la luz del sol, no todas las pinturas de esa época están afectadas y el proceso no va siempre a la misma velocidad. Dada su toxicidad, los artistas se cambiaron a otras alternativas en los años cincuenta del siglo XX.

Para resolver el rompecabezas químico, el equipo dirigido por Koen Janssens utilizó primero en los análisis muestras de tubos de pintura antiguos, que envejeció artificialmente sometiéndolas durante 500 horas a luz ultravioleta. Solo una muestra, del pintor Rik Wouters (1882-1913), se oscureció significativamente, y esta fue la que se analizó con rayos X. Se encontró que el fenómeno es una reducción del cromo, que pasa de cromo VI a cromo III.

En la segunda etapa se utilizaron muestras de dos cuadros de Van Gogh, Vista de Arles con lirios (1888) y Ribera del Sena (1887), que están en el museo del artista en Amsterdam . Se efectuaron numerosos análisis en varios laboratorios europeos, incluidos los sincrotrones ESRF y DESY, y la conclusión es que se ha producido este fenómeno en los dos cuadros.

Los rayos X mostraron también que el cromo III está presente en mayor medida cuando también hay compuestos con bario y azufre. Esto indica que la técnica de Van Gogh de mezclar pintura blanca y amarilla puede ser la causa del oscurecimiento de su amarillo.

Los últimos experimentos mostraron que los nuevos compuestos de cromo III forman una capa de espesor nanométrico sobre las partículas de pigmento de la pintura.


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Muestra del cuadro Ribera del río Sena, de Van Gogh, al microscopio, que no capta los gránulos marrones detectados en la finísima capa de contacto de la pintura amarilla y el barniz incoloro.- UNIVERSIDAD DE ANTWERP


elpas.com


j.luis [ Martes, 15 Febrero 2011, 12:00 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
La química de Van Gogh, al descubierto


Mezclaba muchos productos y de ahí la dificultad en conocer su método

Sus amarillos derivan en marrón chocolate, como ocurre en 'Los girasoles'

Utilizó un elemento que sufre un proceso contrario a la oxidación




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'Los girasoles' de Van Gogh

El proceso químico que oscurece los coloridos cuadros del pintor holandés Vincent van Gogh, uno de los misterios del arte, fue descifrado por un grupo internacional de científicos, lo que abre la puerta a una mejor conservación de las obras del genio impresionista y a su posible restauración.

El fenómeno, que los científicos no habían logrado resolver hasta el momento, afecta también a otros pintores de finales del siglo XIX, pero es en la obra del autor de 'Los girasoles' donde cobra una mayor dimensión, por la importancia que él otorgaba al colorido y la profusión de productos químicos que utilizaba en sus pinturas, indican los responsables del estudio.

Desde hace años los científicos trabajaban en conocer la reacción que convertía paulatinamente el intenso amarillo de sus cuadros en un marrón chocolate.

Usó un componente que ahora se utiliza para señalar obras en carreteras y que se deteriora con la luz"La clave está en el producto que Van Gogh utilizaba para crear ese pigmento amarillo, el cromato de plomo, que mezclaba con sulfato de bario para que fuera más claro y ganara brillo", explicó Marine Cotte, experta del laboratorio francés de Grenoble, sureste de Francia, en cuyos laboratorios se han llevado a cabo buena parte de los experimentos.

En contacto con la luz, ese componente, utilizado en la actualidad para pintar sobre las carreteras las señalizaciones de obras por su intenso brillo amarillo, pierde parte de su color y se transforma en un marrón chocolate.


El proceso contrario a la oxidación

Los científicos han demostrado que el sulfato de bario sufre un proceso contrario a la oxidación, lo que provoca que pierda su intensidad. Un proceso particularmente problemático en la obra de Van Gogh, que utilizaba la intensidad de sus colores para expresar su estado de ánimo.

El pintor holandés acudía para ello a los últimos productos que había en el mercado y no dudaba en hacer probaturas de todo tipo, según Cotte.

En las mezclas de los productos que utilizaba reside, precisamente, la dificultad de conocer el proceso químico que afectaba al amarillo de sus cuadros. "Había que utilizar procedimientos muy sofisticados para analizar muestras muy pequeñas de pintura y distinguir todos sus componentes", señaló la responsable del laboratorio de Grenoble.

Además, el fenómeno de oscurecimiento no afecta a todas las obras del autor, por lo que era necesario hacer un trabajo específico. "A simple vista la alteración de los colores es muy evidente, pero cuando se toma una muestra muy pequeña es más complicado obtener las variaciones químicas", agregó.

Los científicos han trabajado con restos de tres tubos de pintura procedentes de la época y los han sometido a diferentes intensidades lumínicas.

En uno de ellos, perteneciente al fauvista flamenco Rik Wouters (1882-1913), han comprobado el fenómeno del oscurecimiento tras someterlo a 500 horas de radiación lumínica. Posteriormente, los investigadores trabajaron con dos cuadros de Van Gogh, 'Vista de Arles con iris', de 1888, y 'Berges de la Seine' (1887), ambos expuestos en el Museo dedicado al autor en Amsterdam.

Conocido el fenómeno, los científicos pueden comenzar ahora a proteger los cuadros del genio de la luz. "A largo plazo es el objetivo de este experimento, pero no es algo que vayamos a concluir de forma inmediata", señaló Cotte.

Mucho más complejo aun será crear un antídoto a este proceso de deterioro, explicó la científica, puesto que "añadir un protector puede salvar algunos componentes del cuadro pero dañar otros".

Los estudios sobre la obra de Van Gogh, por tanto, continuarán, aunque ahora los científicos ya saben hacia donde dirigir sus pasos.



elmundo.es


j.luis [ Miércoles, 22 Junio 2011, 09:03 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Van Gogh era otro Van Gogh



El autorretrato, perteneciente a la colección del museo Van Gogh, es del hermano del artista, Theo

El museo descubre el error gracias a un estudio de la oreja del hermano, "más redonda" que la del pintor




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Hasta ahora se consideraba un autorretrato de Vicent Van Gogh fechado en 1887, ahora confirman que sigue siendo una obra Vicent Van Gogh, pero es un retrato de su hermano Theo, muy parecido al artista, pero con rasgos diferentes en barba y oreja. La obra pertenece al Museo Van Gogh de Ámsterdam.

El Museo Van Gogh de Ámsterdam ha descubierto que un autorretrato del artista fechado en 1887 es, en realidad, un retrato de su hermano, Theo. La clave del hallazgo está en la oreja. Pero no la de Vincent, que casi la seccionó de un tajo en 1888, cuando trabajaba en Arlés (Francia) con su colega galo Paul Gauguin. La oreja estudiada por los expertos de la sala holandesa pertenece a Theo van Gogh. Según Louis van Tilborgh, conservador del museo, "la de Theo es redonda y de forma perfecta. Vincent la tenía más carnosa y rojiza. Su barba era también más pelirroja y le crecía por las mejillas". El hallazgo coincide con la apertura de la muestra "Van Gogh en Amberes y París, nueva perspectiva", que permanecerá abierta hasta el 18 de septiembre. Además del gancho de las orejas y los retratos casi gemelos, a través de 93 cuadros podrá seguirse la evolución del pintor, que pasa del realismo al modernismo.

El museo guarda varios dibujos de Theo firmados por Van Gogh, y echaba en falta un cuadro fraternal. Theo financió a Vincent y le mandaba material de pintura además de sumas en efectivo. Cuando le pedía más suministros, escribía cartas muy largas con una caligrafía excelente y las llenaba de dibujos. La correspondencia entre ambos fue tan abundante, que es uno de los mayores legados artísticos conservados por el museo holandés. Theo tenía además una gran frustración, porque nunca pudo vender los lienzos de su hermano. Van Gogh se hizo famoso a título póstumo y su obra ha sido luego una de las más cotizadas en las subastas internacionales. Tan unidos estaban, que Theo falleció en 1891, apenas un año después que Vincent.

El museo de Ámsterdam ha hecho aun dos descubrimientos más durante la preparación de la muestra. En el cuadro titulado "Trigal con alondra" (1887), el ave resulta ser una perdiz. Pero tal vez el hallazgo más curioso sea el último. El artista vivió en diversos lugares de Francia, entre ellos París. Pues bien, la tela "El jardín de los enamorados", no retrata un paseo del pueblo galo de Asnières, como se creía. Se encuentra en el barrio parisino de Montmartre. Un lugar tan concurrido en 1887, fecha de ejecución del lienzo, como ahora.


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j.luis [ Miércoles, 22 Junio 2011, 10:55 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
La clave está en la oreja (de Van Gogh)


El museo dedicado al artista descubre que el modelo de uno de sus supuestos autorretratos es su hermano Theo



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Autorretrato de Vincent van Gogh (izquierda) y retrato de su hermano Theo, ambos pintados en 1887.

La oreja de Vincent Van Gogh sigue dando mucho juego. Y no porque los expertos hayan averiguado, por fin, las razones por las cuales casi la seccionó en 1888, en Arles (Francia). Una época frenética e inspirada en la que trabajó con su colega, Paul Gauguin. Esta vez, la oreja en cuestión es la de Theo van Gogh, hermano del pintor holandés, marchante de arte y su mejor amigo.

Bien moldeada, el museo del artista en Ámsterdam ha concluido gracias a ella que uno de los famosos autorretratos de Vincent es, en realidad, un retrato de Theo. El color de la barba fraterna: pelirroja rabiosa en Vincent, y más apagada en Theo, ha ayudado a su vez a confirmar la teoría de los expertos. El hallazgo coincide con la apertura de la muestra Van Gogh en Amberes y París, nueva perspectiva, que ilustra su paso del realismo al modernismo a través de 93 cuadros.

El autorretrato de Van Gogh que ha servido para descubrir el rostro de Theo está fechado en 1887. En el museo holandés cuelgan juntos y producen una extraña sensación. Hasta ahora, ilustraban una época en que la falta de fondos para pagar modelos obligó al artista a ejecutar una larga serie de autorretratos. Con sus cejas enjutas, los ojos turbados y alternado diversos sombreros, estudiosos y público creían reconocerle en esas facciones. Pero no. Según Louis van Tilborgh, conservador del centro, "no hay más que fijarse en la oreja para darse cuenta". "La de Theo es redonda y de forma perfecta. Vincent la tenía más carnosa y rojiza. Su barba era también más pelirroja y le crecía por las mejillas".

El museo sí guarda varios dibujos de Theo firmados por Van Gogh. Parecía extraña la falta de un cuadro en toda regla. A fin de cuentas, Vincent solo vendió su producción después de muerto y pudo trabajar gracias al dinero de Theo. Le mandaba lienzos, papel y carboncillos, además de sumas en efectivo. Cuando lo gastaba, el pintor pedía más suministros en cartas llenas de dibujos que forman una de las correspondencias más emotivas de la historia del arte moderno. En un intento desesperado de ganar dinero, el pintor decidió mejorar su imagen y se arregló la dentadura en Amberes. El cambio no funcionó y pidió de nuevo ayuda a su hermano. Tan unidos estaban, que Theo falleció en 1891, apenas un año después que Vincent.

"El que pregunta obtiene a veces respuestas sorprendentes", admiten los responsables museísticos del legado de Van Gogh, que han aprovechado las técnicas más avanzadas de la física "para echar un nuevo vistazo a nuestra colección". Y así, mirando, han hecho otro descubrimiento. En otro cuadro, titulado Trigal con alondra (1887), el ave resulta ser una perdiz. Un detalle en apariencia nimio, pero que puede obligar a cambiar catálogos y libros de arte. El último hallazgo del estudio efectuado para la muestra tal vez sea el más curioso. El pintor holandés vivió en su país y en diversos lugares de Francia. Según los estudios actuales, la tela El jardín de los enamorados, fechada también en 1887, retrata un paseo del pueblo galo de Asnières. Pues tampoco. El paraje se encuentra en el barrio parisiense de Montmartre. La muestra Van Gogh en Amberes y París permanecerá abierta en Ámsterdam hasta el 18 de septiembre.



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j.luis [ Lunes, 17 Octubre 2011, 19:07 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Una nueva biografía de Van Gogh afirma que murió por la bala perdida de un adolescente


Los estadounidenses Steven Naifeh y Gregory White Smith, ganadores de un Premio Pulitzer por la biografía del pintor Jackson Pollock, dicen que el artista holandés no se suicidó



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Autorretrato, de Vincent van Gogh (1853-1890), en el museo dedicado al pintor en Ámsterdam.

La vida, o mejor, las circunstancias de la muerte de Vincent van Gogh, han dado un giro inesperado un siglo después de que fuera enterrado en la villa gala de Auvers-sur-Oise a los 37 años. Hasta ahora, la versión oficial de su fallecimiento citaba un suicidio en un trigal del sur de Francia. Ocurrió el 29 de julio de 1890, y el pintor, que había sufrido diversos episodios de enajenación y llegó a cortarse una oreja en un arrebato, se disparó un tiro en el pecho. El arma, sin embargo, nunca fue encontrada. De ese hilo han tirado ahora los escritores estadounidenses Steven Naifeh y Gregory White Smith para hacer una afirmación sorprendente: Van Gogh murió alcanzado por la bala perdida del revólver con el que jugaban unos adolescentes. Fue, por tanto, víctima de un homicidio imprudente. Su biografía, titulada Van Gogh: la vida, sale hoy a la venta en Estados Unidos.

De confirmarse, la explicación de Naifeh y White Smith podría cambiar la historia del arte. El libro añade aún otra capa de mala suerte a la trayectoria vital de un hombre que no logró vender un solo cuadro en vida. "En la época de su fallecimiento, Van Gogh solía tomarse unas copas con dos chicos de Auvers. El día de autos, uno llevaba puesto un traje de vaquero y jugaba con una pistola defectuosa. Seguro que bebieron demasiado. Una bala se perdió y el pintor, para evitar que les juzgaran, dijo que se había disparado él", aseguran los biógrafos en un documental de la cadena televisiva estadounidense CBS, donde han presentado el libro.


Los autores han leído centenares de cartas de la correspondencia del pintor con su familia nunca publicada

Tras una vida de desengaños sostenida primero por su fe cristiana, y después por la pasión artística, la imagen de Van Gogh salvando de la cárcel a unos adolescentes solo agranda su leyenda. En el museo que lleva su nombre en Ámsterdam, prefieren, de todos modos, tomarlo con calma. "La teoría de homicidio imprudente no está bien sustentada", ha dicho el conservador Leo Jansen. Sin embargo, es cierto que el testimonio de un joven de 16 años explicando lo mismo que los nuevos biógrafos ya apareció en 1890. La diferencia es que nadie le creyó.

Para su investigación, Naifeh y White Smith han tenido acceso a los fondos del museo Van Gogh. Han recorrido los escenarios de la vida del pintor, desde la oscuridad de sus primeros años en Holanda, al luminoso sur de Francia. Pero sobre todo, han leído centenares de cartas de la correspondencia del pintor con su familia nunca antes publicada.



elpais.com


j.luis [ Miércoles, 08 Febrero 2012, 12:04 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Subasta en Christie’s



Vendido por 12 millones de euros un Van Gogh propiedad de Elizabeth Taylor



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'Vista del asilo y la capilla de Saint-Rémy’, Vincent Van Gogh

Tal y como se esperaba, por la expectación que había generado, los tres cuadros de la colección de Elizabeth Taylor que se subastaron el martes en la casa Christie’s, en Londres, doblaron las estimaciones y alcanzaron los 16.572.876 millones de euros (con comisiones). El lienzo 'Vista del asilo y la capilla de Saint-Rémy’, Vincent Van Gogh, la joya de la colección, se vendió 12,1 millones de euros, los 'Manzanos de Éragny', de Camille Pissarro, por 3.549.807 millones, mientras que el tercero en discordia, el autorretrato de Degas, por 8.570.327 millones.

Estos son los tres primeros cuadros de la colección de la actriz británica, fallecida el año pasado. Este miércoles por la mañana se subastan el resto de cuadros, de menor importancia, entre los que destacan un Renoir y un Van Dongen, con una estimación superior a los 100.000 euros.

Las grandes candidades pagadas no han sorprendido a nadie, debido al interés que parece que se ha generado por adquirir cualquier objeto y cualquier obra relacionado con la actriz, que falleció en marzo del año pasado a la edad de 79 años. En diciembre de 2011, Christie’s recaudó en Nueva York 120,7 millones de euros por la venta de su colección privada de joyas, de vestidos, a arte decorativo y de recuerdos del cine. Los 38 cuadros rematados entre ayer y hoy son las segunda parte de la venta de sus colecciones privadas.

Elizabeth Taylor, nacida en 1932 en Londres, era una gran apasionada de las obras de arte y las joyas y a lo largo de su vida acumuló una extensísima y muy valiosa colección. La carismática y bella actriz de ‘La gata sobre el tejado de zinc’ y ‘Cleopatra’ estuvo influenciada por su padre, Francis Taylor, que era marchante de arte y tuvo una galería en la calle londinense Old Bond Street antes de que la familia se trasladara a vivir a Estados Unidos al principio de la Segunda Guerra Mundial, cuando la pequeña Liz tenía 7 años.

El cuadro estrella de su colección era el ‘Vista del asilo y la capilla de Saint-Remy’, pintado por Van Gogh en 1889, un año antes de morir. Este cuadro fue un regalo de su padre en 1963 tras adquirirlo en un remate de Sotheby’s en Nueva York por 257.000 dólares. El lienzo suscitó una fuerte polémica cuando hace unos años los biznietos de Margaret Mauthner, judía sobreviviente del holocausto nazi, lo reclamaron por considerar que su bisabuela se vio forzada a venderlo para escapar de los nazis en 1939. El Tribunal Supremo de los Estados Unidos dio la razón a la actriz.

Giovanna Bertazzoni, Jefe Especialista Internacional de Arte impresionista y moderno de Chritie’s dijo: “Elizabeth Taylor era una apasionada en la compra tanto de arte como de joyas. Aconsejado por su padre, Francis Taylor, quien era un comerciante de arte muy exitoso, compró ampliamente en la década de 1960, concentrándose en los nombres de espíritu de la época: Van Gogh, Degas, Renoir, Utrillo, Rouault ... ella tuvo la precaución de comprar piezas que fueran llamativas como el cuadro maravilloso de Van Gogh, así como las obras más exigentes y académicas, como el autorretrato de Degas”.

Los tres cuadros fueron vendidos dentro de una subasta de cuadros impresionistas y modernistas. Se vendió ‘El libro’ de Juan Gris por 2,4 millones de euros, el cuarto cuadro del pintor cubista español más caro vendido en un subasta. El récord de ayer fue una escultura de bronce de Henry Moore, que alcanzó los 22,9 millones.


elmundo.es


j.luis [ Martes, 20 Marzo 2012, 09:32 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Descubierto un nuevo cuadro de Van Gogh en el museo Kröller-Muller

'Bodegón con flores oreja de ratón y rosas' tiene debajo otra obra del pintor holandés




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'Bodegón con flores oreja de ratón y rosas' nuevo cuadro de Van Gogh.

La obra pictórica de Vincent van Gogh tiene desde ahora un nuevo lienzo en su lista. Se titula Bodegón con flores oreja de ratón y rosas y está pintado encima de otro cuadro, que presenta a dos hombres practicando lucha libre. El artista los retrató en 1886 durante su estancia en la Escuela de Bellas Artes de Amberes (Bélgica). Una vez en París, decidió pintar encima las flores. Lo hizo directamente y sin tapar antes a los luchadores. Los historiadores descubrieron en 1998 que los atletas, descritos por Vincent a su hermano, Theo, en una carta, estaban debajo del bodegón. Sin embargo, la firma solo ha podido atribuirse ahora gracias a la ayuda de un análisis químico a base de rayos X fluorescentes. La misma técnica fue utilizada en 2011 para descubrir un cuadro de Goya que estaba pintado debajo del Retrato de Don Ramón Satué (1823). En ambos trabajos han colaborado expertos de Holanda, Bélgica y Alemania.


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La nueva obra de Vincent van Gogh 'Bodegón con flores oreja de ratón y rosas' está pintado encima de otro cuadro, que presenta a dos hombres practicando lucha libre.

El museo Kröller-Muller se encuentra en el centro de Holanda en medio de un parque nacional. Allí se guarda la segunda colección más importante del país de cuadros y dibujos de Van Gogh. El bodegón ahora rescatado mide un metro por ochenta centímetros, un tamaño grande y poco frecuente en la producción del artista. Antes de descubrirse a los luchadores de debajo, los expertos pensaban que un lienzo tan abigarrado no correspondía al holandés. Los nuevos rayos X fluorescentes, dirigidos con ayuda de un escáner que se introduce en las capas del óleo, han demostrado que el pintor no tapó ni preparó la tela para pintar de nuevo sobre ella. Como tenía que cubrir a los luchadores, llenó todos los rincones del cuadro de pintura.

Bodegón con flores oreja de ratón y rosas estuvo en varias colecciones particulares hasta que el museo lo adquirió en 1974. Entonces fue calificado de “excepcional, curioso, académico e inundado de flores”. En 2003, el catálogo oficial no lo incluyó entre las obras de Van Gogh, pero se mantuvo en la colección. El nuevo escáner (su nombre técnico es Macro Scanning X Ray Fluorescence Spectometry) ha permitido observar con detalle la media desnudez de los luchadores. Un detalle propio de los modelos utilizados en Amberes. En otras academias de Arte posaban desnudos. “Hemos comprobado sin dudas ya, que la técnica y pinceladas son propias de Van Gogh. Los colores, los que usaba en su paleta en aquellos momentos”, ha asegurado el museo en la presentación del cuadro.


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Van Gogh tiene nuevo cuadro 'Bodegón con flores oreja de ratón y rosas'. Un análisis a base de rayos X fluorescentes ha permitido descubrir una nueva obra de Van Gogh en el museo Kröller-Müller.




Fuentes: elpais.com / kmm.n / elmundo.es


hyperborea [ Martes, 24 Abril 2012, 13:31 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
j.luis escribió: [Ver Mensaje]
Una nueva biografía de Van Gogh afirma que murió por la bala perdida de un adolescente


Los estadounidenses Steven Naifeh y Gregory White Smith, ganadores de un Premio Pulitzer por la biografía del pintor Jackson Pollock, dicen que el artista holandés no se suicidó



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Autorretrato, de Vincent van Gogh (1853-1890), en el museo dedicado al pintor en Ámsterdam.

La vida, o mejor, las circunstancias de la muerte de Vincent van Gogh, han dado un giro inesperado un siglo después de que fuera enterrado en la villa gala de Auvers-sur-Oise a los 37 años. Hasta ahora, la versión oficial de su fallecimiento citaba un suicidio en un trigal del sur de Francia. Ocurrió el 29 de julio de 1890, y el pintor, que había sufrido diversos episodios de enajenación y llegó a cortarse una oreja en un arrebato, se disparó un tiro en el pecho. El arma, sin embargo, nunca fue encontrada. De ese hilo han tirado ahora los escritores estadounidenses Steven Naifeh y Gregory White Smith para hacer una afirmación sorprendente: Van Gogh murió alcanzado por la bala perdida del revólver con el que jugaban unos adolescentes. Fue, por tanto, víctima de un homicidio imprudente. Su biografía, titulada Van Gogh: la vida, sale hoy a la venta en Estados Unidos.

De confirmarse, la explicación de Naifeh y White Smith podría cambiar la historia del arte. El libro añade aún otra capa de mala suerte a la trayectoria vital de un hombre que no logró vender un solo cuadro en vida. "En la época de su fallecimiento, Van Gogh solía tomarse unas copas con dos chicos de Auvers. El día de autos, uno llevaba puesto un traje de vaquero y jugaba con una pistola defectuosa. Seguro que bebieron demasiado. Una bala se perdió y el pintor, para evitar que les juzgaran, dijo que se había disparado él", aseguran los biógrafos en un documental de la cadena televisiva estadounidense CBS, donde han presentado el libro.


Los autores han leído centenares de cartas de la correspondencia del pintor con su familia nunca publicada

Tras una vida de desengaños sostenida primero por su fe cristiana, y después por la pasión artística, la imagen de Van Gogh salvando de la cárcel a unos adolescentes solo agranda su leyenda. En el museo que lleva su nombre en Ámsterdam, prefieren, de todos modos, tomarlo con calma. "La teoría de homicidio imprudente no está bien sustentada", ha dicho el conservador Leo Jansen. Sin embargo, es cierto que el testimonio de un joven de 16 años explicando lo mismo que los nuevos biógrafos ya apareció en 1890. La diferencia es que nadie le creyó.

Para su investigación, Naifeh y White Smith han tenido acceso a los fondos del museo Van Gogh. Han recorrido los escenarios de la vida del pintor, desde la oscuridad de sus primeros años en Holanda, al luminoso sur de Francia. Pero sobre todo, han leído centenares de cartas de la correspondencia del pintor con su familia nunca antes publicada.


elpais.com



Es muy posible que así fuera porque si uno se intenta suicidar no se pega un tiro de esa forma que le hizo pasarse varios dias antes de morir, estoy de acuerdo con esta teoria porque Van Gogh era muy religioso y eso hubiera ido en contra de su propio pensamiento.

Ayer me regalaron un libro de la editorial Taschen que se titula "Van Gogh La obra completa:pintura", que yo sepa está en 2 formatos uno de bolsillo, es pequeño, y estaba por menos de 10 euros, y la que yo tengo que creo que es más grande. Tiene muchas fotos y el texto está bien. Es solo una recomendación de un libro asequible y que está bien, tambien recomendaría "Las cartas a Theo", las hay en varias ediciones. No recomendaría un libro que escribio su hermana sobre Vincent, a mi me lo recomendó mi profesora de historia del arte, y la verdad, que lo pone como un bendito del cielo.


j.luis [ Martes, 24 Abril 2012, 13:55 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Sí, es una teoría verosimil. Sobre la editorial TASCHEN, tiene muchos libros publicados sobre arte. Respecto a Vam Gogh, yo también tengo de esta editorial la obra titulada: 'VICENT VAN GOGH 1853-1890 Visión y Realidad', es muy explicito con buenas fotos, forma parte de un coleccionable de 31 libros de los 'mejores pintores' que hice hace unos años con EL PAÍS.






Saludos


hyperborea [ Martes, 24 Abril 2012, 14:28 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
No conocia ese libro, pero si es de la colección de pequeño formato de Taschen, esos son buenos y baratos (en algunos mercadillos y cadenas como happy books en Barcelona estan sobre los 5 euros). yo, además de este libro y "Cartas a Theo", tengo un catalogo de la expo que hicieron por el Rijkmuseum por el aniversario de la muerte de Van Gogh en 2 tomos que me regalo mi hermana (una pasada de libro) y uno de la casa Electa de la colección quadrafolio en los que se muestran los cuadros en paginas desplegables. Como ves no solo me interesa Leonardo


hyperborea [ Miércoles, 25 Abril 2012, 09:42 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
j.luis escribió: [Ver Mensaje]
La química de Van Gogh, al descubierto


Mezclaba muchos productos y de ahí la dificultad en conocer su método

Sus amarillos derivan en marrón chocolate, como ocurre en 'Los girasoles'

Utilizó un elemento que sufre un proceso contrario a la oxidación




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'Los girasoles' de Van Gogh

El proceso químico que oscurece los coloridos cuadros del pintor holandés Vincent van Gogh, uno de los misterios del arte, fue descifrado por un grupo internacional de científicos, lo que abre la puerta a una mejor conservación de las obras del genio impresionista y a su posible restauración.

El fenómeno, que los científicos no habían logrado resolver hasta el momento, afecta también a otros pintores de finales del siglo XIX, pero es en la obra del autor de 'Los girasoles' donde cobra una mayor dimensión, por la importancia que él otorgaba al colorido y la profusión de productos químicos que utilizaba en sus pinturas, indican los responsables del estudio.

Desde hace años los científicos trabajaban en conocer la reacción que convertía paulatinamente el intenso amarillo de sus cuadros en un marrón chocolate.

Usó un componente que ahora se utiliza para señalar obras en carreteras y que se deteriora con la luz"La clave está en el producto que Van Gogh utilizaba para crear ese pigmento amarillo, el cromato de plomo, que mezclaba con sulfato de bario para que fuera más claro y ganara brillo", explicó Marine Cotte, experta del laboratorio francés de Grenoble, sureste de Francia, en cuyos laboratorios se han llevado a cabo buena parte de los experimentos.

En contacto con la luz, ese componente, utilizado en la actualidad para pintar sobre las carreteras las señalizaciones de obras por su intenso brillo amarillo, pierde parte de su color y se transforma en un marrón chocolate.


El proceso contrario a la oxidación

Los científicos han demostrado que el sulfato de bario sufre un proceso contrario a la oxidación, lo que provoca que pierda su intensidad. Un proceso particularmente problemático en la obra de Van Gogh, que utilizaba la intensidad de sus colores para expresar su estado de ánimo.

El pintor holandés acudía para ello a los últimos productos que había en el mercado y no dudaba en hacer probaturas de todo tipo, según Cotte.

En las mezclas de los productos que utilizaba reside, precisamente, la dificultad de conocer el proceso químico que afectaba al amarillo de sus cuadros. "Había que utilizar procedimientos muy sofisticados para analizar muestras muy pequeñas de pintura y distinguir todos sus componentes", señaló la responsable del laboratorio de Grenoble.

Además, el fenómeno de oscurecimiento no afecta a todas las obras del autor, por lo que era necesario hacer un trabajo específico. "A simple vista la alteración de los colores es muy evidente, pero cuando se toma una muestra muy pequeña es más complicado obtener las variaciones químicas", agregó.

Los científicos han trabajado con restos de tres tubos de pintura procedentes de la época y los han sometido a diferentes intensidades lumínicas.

En uno de ellos, perteneciente al fauvista flamenco Rik Wouters (1882-1913), han comprobado el fenómeno del oscurecimiento tras someterlo a 500 horas de radiación lumínica. Posteriormente, los investigadores trabajaron con dos cuadros de Van Gogh, 'Vista de Arles con iris', de 1888, y 'Berges de la Seine' (1887), ambos expuestos en el Museo dedicado al autor en Amsterdam.

Conocido el fenómeno, los científicos pueden comenzar ahora a proteger los cuadros del genio de la luz. "A largo plazo es el objetivo de este experimento, pero no es algo que vayamos a concluir de forma inmediata", señaló Cotte.

Mucho más complejo aun será crear un antídoto a este proceso de deterioro, explicó la científica, puesto que "añadir un protector puede salvar algunos componentes del cuadro pero dañar otros".

Los estudios sobre la obra de Van Gogh, por tanto, continuarán, aunque ahora los científicos ya saben hacia donde dirigir sus pasos.



elmundo.es




Leí hace tiempo un tiempo un libro escrito por un químico que se llama "la invención del color" y habla de la historia de los pigmentos y colorantes en el arte. En el caso de Van Gogh y de los pintores modernos dice que aprovecharon la invención de nuevos pigmentos sintéticos que con el tiempo han demostrado que no estaban probados y algunos han reaccionado mal. En Van Gogh por ejemplo los pardos de los girasoles eran amarillos, no nos olvidemos que los productos químicos pueden oxidarse, reaccionar entre ellos, etc... Es lo que tiene ser moderno que, a veces, las cosas no están probadas. Bueno hay otros pintores que no tenían dinero para buenos colores y que su pintura después de casi 100 años está muy degradada mientras que los pintores antiguos muchos cuadros del siglo XIV-XV se conservan casi igual.


j.luis [ Viernes, 11 Mayo 2012, 09:15 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
El museo Van Gogh de Ámsterdam adquirió una nueva obra del artista impresionista holandés, con el título "Knotwilg" de 1882.



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''Knotwilg'' es la primera obra del artista que adquiere el museo en los últimos cinco años y fue comprada por cerca de dos millones de dólares. Foto: AP

Según el periódico "De Volkskrant" en su versión digital, se trata de la primera adquisición en los últimos cinco años que hace el museo de una obra de Vincent van Gogh (1853-1890). La acuarela fue pintada por el artista holandés en La Haya, en julio de 1882. En ella se aprecia un camino en el cual, en la lejanía, camina una persona. A la izquierda figura un sauce, sin la copa y con apenas unas ramas secas. Al fondo se ve un conjunto de depósitos de la estación de tren Rijnspoor de La Haya, y en el extremo superior derecho, un molino de viento.

Se trata de uno de los numerosos lugares por los cuales el artista paseaba, en los alrededores de su casa en esa ciudad, en la calle Schenk.


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"El cuadro estaba en nuestra lista de obras (a adquirir). Se trata de una de las acuarelas más representativas pintadas por Van Gogh en su período en La Haya. Hasta ahora no teníamos ningún ejemplo así en nuestra colección", comentó Axel Roger, director del museo.

"Knotwilg", de 38 por 56 centímetros, forma parte de una serie de 6 acuarelas que Van Gogh pintó en el verano de 1882.



emol.com


j.luis [ Lunes, 10 Diciembre 2012, 13:52 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
¿Y si Van Gogh no se suicidó?


Steven Naifeh y Gregory White Smith sugieren que murió por un disparo accidental

Los estudiosos son autores de la última y monumental biografía del maestro holandés



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Autorretrato con oreja vendada y pipa, de Vincent Van Gogh. / Getty images / The Bridgeman Art L

Una de las escenas más desgarradoras de la historia del arte, hasta hace poco incuestionada, señala el 27 de julio de 1890, como la culminación de la vida atormentada de Vincent van Gogh. Con solo 37 años se disparó un tiro en el pecho mientras paseaba por la mismas tierras que acababa de pintar en Campo de trigo con cuervos (julio de 1890), una obra considerada premonitoria del drama que se cernía sobre el artista. Pero la escena, inspiradora de incontables homenajes, podría no ser exactamente así: hubo un disparo, pero no hubo suicidio. Las balas que acabaron con su vida procedían de la escopeta de unos jóvenes cazadores. Al menos eso es lo que mantienen dos historiadores y expertos norteamericanos, Steven Naifeh y Gregory White Smith en la monumental biografía Van Gogh. La vida (Taurus) que se acaba de poner a la venta en España y en la que en 830 páginas traducidas por Sandra Chaparro se desvelan muchos misterios aún hoy siguen envolviendo a uno de los artistas más admirados –y cotizados- de la historia.

Steven Naifeh y Gregory White Smith, ganadores de un Pulitzer por una biografía de Jackson Pollock, publicaron su investigación sobre Vincent van Gogh hace un año. No solo aportan una versión sobre los últimos momentos del artista, sino que, gracias a documentos inéditos enriquecen la visión que hasta ahora se tenía sobre su visión sobre el arte, el peso de la religión, su azarosa vida sentimental y sus insoportables depresiones. Naifeh y White Smith explican sus investigaciones en esta entrevista realizada por correo electrónico.


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Cabeza de campesina con cofia blanca, de Vincent Van Gogh

En contra de lo que suele ocurrir con las certezas universalmente extendidas, esta nueva interpretación de la historia ha sido con escasas reticencias por parte de la comunidad científica. Los dos autores advierten que su estudio no descarta radicalmente ninguna opción. “Nunca decimos categóricamente que Van Gogh no se suicidó. Lo que decimos es que, dado el peso de la evidencia, un disparo accidental es mucho más probable. En la comunidad científica, este descubrimiento lo han recibido muy bien. Algunos psiquiatras nos han dicho que creen que la nueva explicación de la muerte de Van Gogh tiene mucho más sentido dado el estado mental de Van Gogh”.

Naifeh y White creen que su tesis ha sido bien acogida porque es más acorde con el carácter de Van Gogh y más halagador hacia él como persona que la versión tradicional de suicidio. “Uno de los aspectos más fuertes de la personalidad de Van Gogh era su extraordinaria voluntad de seguir viviendo y trabajando a pesar de una vida calamitosa. De hecho, en algunas de sus cartas decía que el suicidio era un acto de cobardía.”


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La iglesia de Auvers sur Oise, de Vincent Van Gogh

Lejos de los manuales de arte convencionales, el libro de Naifeh y White se lee como una pieza literaria cuyo protagonista es uno de los artistas más venerados por el público. Además, todo el contenido ha sido minuciosamente investigado a lo largo de una década durante la que los autores han podido trabajar con un material de primer orden. Además del tema de la muerte, el libro está lleno de nuevas revelaciones obtenidas entre los cientos de documentos que dejaron Van Gogh y sus familiares.” Dejaron tal archivo que su vida se puede reconstruir al detalle. Hemos podido recrear con todo detalle su conciencia artística como si hubiéramos podido estar dentro de su cabeza . Muchos lectores nos han comentado que se han sentido emocionados compartiendo las incertidumbres del artista”.

Las nuevas tecnologías han sido esenciales para reconstruir la vida del artista. Una aplicación de software creada especialmente para ellos, les permitió digitalizar el archivo entero. No solo las cartas de Van Gogh y otras fuentes primarias, también todas las fuentes secundarias y toda la literatura que leyó Van Gogh. Él era un lector prolífico para quien la literatura era una fuente casi tan importante para sus dibujos y pinturas como la obra de los muchos artistas que admiraba.

Después de este amplísimo y detallado estudio, solo hay un periodo que no ha podido ser detalladamente estudiado. Son los años que vive con su hermano Theo en París, entre 1886 y 188. Es un tiempo sin apenas cartas a la familia y, por supuesto, al hermano. En la biografía se reconstruye este periodo crítico en su vida con material de otros expertos en el artista, no

¿Qué hubiera sido de Vincent sin Theo? Steven Naifeh y Gregory White Smith no tienen dudas. “Sin Theo, no habría habido ningún Vincent. Theo le proporcionaba a Vincent su único soporte financiero y emocional. Vincent jamás habría sobrevivido, mucho menos creado su magnífico cuerpo de trabajo, si Theo no lo había apoyado tan generosamente”.


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El jardín de Daubigny, de Vincent Van Gogh

Tampoco tienen dudas sobre la perplejidad con la que el artista hubiera contemplado su éxito. “ Habría sido incomprensible para él. A lo largo de su vida solo vendió una pintura, y esa fue a la hermana de un conocido. Durante el último año de su vida, un joven escritor simbolista llamado Albert Aurier escribió un artículo en el que le llamaba “genio desconocido”. Van Gogh estaba inmensamente sorprendido con el artículo y lo mostró a su familia y a todos sus conocidos. Estaba convencido de que el éxito no procuraba felicidad y ese primer artículo laudatorio le dio un poco de susto porque podía significar que su vida podía ser aún más pobre y miserable de lo que era. Pocos meses después estaba muerto”.


elpais.com


hyperborea [ Lunes, 10 Diciembre 2012, 15:59 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Gracias por compartir esta noticias, hace unos meses tambien lei algo sobre el asunto de que el artista pudo morir de una muerte accidental, siempre me ha parecido muy raro que un suicidio pudiera salir tan mal y tardara tanto en morir, supongo que fue una de las muchas cosas que le salieron mal a Van Gogh. Lo que si es verdad es que al final de su vida el artista estaba empezando a tener reconocimiento, sobre todo de artistas jovenes.


j.luis [ Sábado, 19 Enero 2013, 12:33 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
La persona Vincent y el personaje Van Gogh



Las virtudes de la nueva biografía del holandés van más allá de aclarar que el pintor no se suicidó

En su monumental obra, Steven Naifeh y Gregory White Smith documentan minuciosamente la trayectoria de un gran solitario




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'L' Allée des Alyscamps' (1888), óleo de Vincent Van Gogh. / EFE

Lo mejor de esta biografía de casi mil páginas es un “apéndice” de apenas veinte, en el que se nos habla de “la herida mortal de Vincent”. Solo por ellas sería ya el libro importante, que sin duda quedará gracias a la plausible hipótesis expuesta en él. Conocer lo sucedido el 27 de julio de 1890 no es un asunto baladí en la vida de Van Gogh, desde luego: ese fue el día en el que presuntamente el pintor se disparó con un revólver para quitarse la vida. Tal fue la romántica versión oficial de la modernidad. Que lo que causó su muerte fuese un acto premeditado suyo, un accidente o algo ajeno a su voluntad es importante: depende de ello no solo la verdad de los hechos, sino el entendimiento cabal de una de las obras más fascinantes y conmovedoras que quepa imaginar, toda vez que el propio Van Gogh había condenado el suicidio de modo reiterado a lo largo de su corta y atribulada existencia: no solo como un acto de cobardía sino como algo más grave, un falso testimonio sobre la vida. Claro que también él mismo dejó escrito que “no buscaría expresamente la muerte…, pero no intentaría eludirla si me encontrara con ella”.

Diríamos, sin embargo, que esa bala le cayó del cielo al pobre Van Gogh, y así la aceptó él, como una inmolación

La idea de que Van Gogh no se suicidó no es ni siquiera original, tal y como Steven Naifeh y Gregory White Smith nos recuerdan ahora, solo que ellos se han tomado la molestia de examinar como dos detectives minuciosos las pruebas y abundantes contradicciones del caso, así como las razones por las que “convino” desde el principio que se tratara de un suicidio y no de un accidente, empezando por el propio Vincent, quien encubriría así a los verdaderos autores. Serían estos un par de adolescentes amigos suyos, quienes por juego, broma pesada o accidente dispararían el arma de su propiedad. Diríamos, sin embargo, que esa bala le cayó del cielo al pobre Van Gogh, y así la aceptó él, como una inmolación. Pocas razones tenía ya entonces para seguir viviendo. “Morir es duro, pero vivir lo es más”, le había escrito a su hermano Theo a propósito de la muerte de su padre con palabras casi idénticas a otras de Emily Dickinson, pero también le dijo minutos antes de expirar: “Quiero morir así”, aceptando que su viaje había llegado al final, con parada incluida en un manicomio, y que ya estaba en paz; como si dijera: “Así he querido vivir”.


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Autorretrato con oreja vendada y pipa, de Vincent Van Gogh.

La presente biografía documenta este viaje de un modo microscópico. Cierto que todo biógrafo de Van Gogh cuenta con una fuente inestimable: el conjunto de cartas que escribió a los miembros de su familia, a algunos amigos y principalmente a su hermano Theo, no solo un monumento universal de la literatura epistolar sino de la gestación y cumplimiento de alguien que podía haber encarnado la figura del superhombre nietzscheano. Los autores de esta biografía sin embargo no consideran “que las cartas de Vincent sean un registro directo y fiable de los sucesos que marcaron su vida o sus ideas en un momento dado”, por lo que las orillan a menudo. “Las mareantes cartas”, llegan a decir de ellas, comprometidos acaso más con el personaje Van Gogh que con la persona Vincent.

Se han tomado la molestia de examinar como dos detectives minuciosos las pruebas y abundantes contradicciones del caso

¿Y cómo es el personaje? Naifeh y White, dos profesionales que han escrito también una biografía de Pollock y que dedicaron diez años de sus vidas a esta, procuran proceder con distancia, y subrayan un Van Gogh lunático y “retórico”, caprichoso y egoísta, frente a otro más humanamente próximo y sentimental, insistiendo con rudimentos freudianos en la tragedia del hijo expulsado de la casa del padre y condenado a vagar desde los dieciséis años hasta su muerte, veintiuno después, sumando fracasos en su intento de formar una familia propia y dando tumbos por el mundo: primero para trabajar de dependiente en una galería de arte que lo empleó en La Haya, París y Londres; luego como pastor protestante entre los mineros del mísero Borinage, en Bélgica, y por fin y a partir de los 28 años, cuando decidió hacerse pintor, viviendo en un montón de ciudades y pueblos holandeses, y a lo último en París, Arles, Saint Rémy y Auvers, sostenido únicamente por las mesadas que recibía de su hermano Theo, mitad caridad fraterna, mitad inversión mercantil, y por sus propias pinturas y cartas, única compañía mientras aprendía por su cuenta el oficio de pintor, para el que muchos otros estaban mejor dotados que él. Y así hasta su muerte, nueve años después, en medio casi siempre de una soledad radical. “Soy un viajero, me dirijo a alguna parte, tengo un destino… solo que ni ese lugar ni mi destino existen”, escribió en un momento de abatimiento, abandonado del “instinto y el sentimiento”, pilares para él del arte y de la vida. Pocas tan difíciles y trágicas como la suya y pocas llevadas con tanto estoicismo: “Si no te quejas, se pasa antes”. De ahí que su constante invocación a la alegría la encontremos ejemplar, sobre todo cuando, dejado ya de la mano de Dios y frente a la superchería de la religión y del arte exclama como contemporáneo de Nietzsche que es: “El único Dios es el Dios de lo posible”. “Las artes, como todo lo demás, son solo sueños, uno mismo no es nada en absoluto”, escribió también para añadir esta confesión dolorosa a Theo, un año antes de morir: “Como pintor nunca llegaré a nada. Estoy absolutamente seguro de ello”.


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Ventana del estudio (1889), dibujo de Vincent Van Gogh

Por suerte para los lectores españoles existe una edición completa de esas cartas que enriquecerán la investigación de Naifeh y White, acercándoles a la persona Vincent, un ser indefenso, tan decidido y heroico como vulnerable y voltario: “Hay cosas en el fondo de nuestras almas que nos harían pedazos si las conociéramos”, había dicho quien alguna vez se vio, al igual que al resto de los pintores modernos, como “un cántaro roto”.

Diríamos, sin embargo, que esa bala le cayó del cielo al pobre Van Gogh, y así la aceptó él, como una inmolación

Acaso porque para entonces ya había decidido conocer con una fe inquebrantable el fondo de su alma o los pedazos que de ella quedaban; y a pesar de que dijo que “los que tienen fe no tienen prisa”, se diría que corrió desalado a reunirse con la bala que el 27 de julio de 1890 acabó con su vida. Dejaba casi un millar de cuadros, miles de dibujos y más de dos mil cartas, conjunto portentoso y en su mayor parte realizado durante los últimos cinco años de su vida. Y un hermano que lo sostuvo con no menos tesón y que le siguió a la tumba unos pocos meses después. Y nos dejó sobre todo su ejemplo y el más elocuente testimonio de que “vivir, trabajar y amar son una misma cosa, a fin de cuentas”.


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Van Gogh. La vida. Steven Naifeh y Gregory White Smith. Traducción de Sandra Chaparro Martínez. Taurus. Madrid, 2012. 968 páginas. 32 euros (electrónico: 12,99)


elpais.com / todoebook.com


j.luis [ Jueves, 14 Marzo 2013, 17:34 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
La cita anual de Maaastricht abre mañana sus puertas. Considerada la feria más relevante del mercado de antigüedades, ofrerecerá un Vélázquez valorado en 14 millones de dólares y un Brueghel el Viejo, oculto durante cuatro siglos, además de una exposición de dibujos y pinturas sobre Van Gogh.



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Autoretratos de París, Vincent van Gogh. La Feria de Maaastricht presenta una interesante selección de 15 dibujos de Van Gogh poco conocidos que muestran la evolución del genial pintor impresionista.

El ojo de halcón es símbolo de agudeza y precisión, pero sobre todo de caza, el instrumento perfecto para seleccionar y acosar a la presa. No es gratuito que la feria de antigüedades más consolidada del mundo, TEFAF , que se lleva celebrando en Maastricht desde hace veintiséis años, haya renovado el halcón que utiliza como logo, una modernización que mantiene, sin embargo, la misma esencia, encontrar, seleccionar y exhibir las mejores piezas de arte de todas las épocas para los ávidos coleccionistas que vayan un año más a buscar nuevas presas.


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"Retrato de un caballero de busto, con una túnica negra y una golilla blanca", Diego de Velázquez

Entre los lienzos más destacados se exhibirá un fascinante retrato de Velázquez (1599-1660), titulado Retrato de un caballero -de busto, con una túnica negra y una golilla blanca, que estará a la venta en la feria por un precio de 14 millones de dólares, ofrecido por el marchante neoyorkino Otto Naumann, Ltd y La Crucifixión, de Jan Brueghel el Viejo, una obra maestra que sale al mercado de la mano de De Jonckheere por primera vez en cuatro siglos, ya que ha sido propiedad de una familia de la nobleza italiana desde que el holandés lo terminara en 1594.


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La Crucifixión, de Jan Brueghel el Viejo

TEFAF selecciona a las mejores galerías agrupadas en nueve secciones: Antigüedades, Clásica, Moderna, Pintura, Alta Joyería, Manuscritos, Diseño, Fotografía y Dibujos y Nuevas Galerías, y examina la piezas con minuciosa precisión, vuelve un año más con el atractivo añadido de una selección de 15 dibujos de Van Gogh poco conocidos que muestran la evolución del genial pintor impresionista.

Situada en la sección de Fotografía y Dibujos, la obra de Van Gogh, cedida por el Museo de Ámsterdam, incluye trabajos de todas sus épocas y será presentada cronológicamente: desde sus ambiciosas recreaciones del Hague, cuando su interés se centraba en paisajes y figuras; los trazos más impresionistas de su etapa en Nuenen; sus acuarelas de la época de París; los dibujos a lápiz rojo de Arlés y a todo color de los jardines del hospital Saint Paul en Saint-Rémy, hasta sus últimos paisajes de Auvers, muy similares ya a su estilo pictórico impresionista.

Además de Velázquez y Brueghel el Viejo brillarán también una excepcional pintura de Egon Schiele (1890-1918) titulada Mother and Child I (The Burnt–Out Mother) 1909-1911, que se presenta por primera vez en el mercado desde 1953 y una obra de Roy Lichtenstein (1923-1997), The Den.

En escultura, una obra de 2010-2012 de Jeff Koons (nacido en 1955) de acero inoxidable, pulido espejo, con un revestimiento azul transparente y plantas vivas en flor, mientras que la Robert Bowman Gallery de Londres ofrecerá una selección de piezas de Auguste Rodin y Ossip Zadkine. Entre algunas de las joyas y curiosidades artísticas que saldrán este año llama la atención también una pieza de Fabergé que encierra en sus entrañas la historia de un intento de asesinato contra el zar Nicolás II de Rusia que pondrá a la venta la galería Wartski de Londres por una suma, que, de momento, solo se sabe, que alcanzará las seis cifras.

Según las crónicas, durante un acto ceremonial en 1906, la artillería rusa disparó unas salvas que supuestamente contenían pólvora para la detonación, pero no metralla, excepto uno de los cañones que disparó la carga a los pies del Zar. El gran duque Nicolás Nicholáievitch, que estaba a su lado, recogió los restos, y encargó a Carl Fabergé en San Petersburgo que fabricase un sello de oro con parte de la metralla para regalársela al Zar como recuerdo de lo que se consideró un accidente y que pudo ser un atentado. La feria se celebrara en un renovado espacio creado para la ocasión en el MEEC (Centro de Exposiciones y Congresos de Maastricht) del 15 al 24 de marzo.

Julio MARTÍN ALARCÓN / elmundo.es


hyperborea [ Viernes, 15 Marzo 2013, 00:02 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
tiene una buena pinta esa feria. Hubiera preferido que la pintura fuera de peter brueghel el viejo y no de jan que para mi es de peor calidad, pero no se puede tener todo

Gracias por compartir


j.luis [ Miércoles, 01 Mayo 2013, 19:46 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
El museo Van Gogh reabre sus puertas con un viaje al taller del genio


El centro muestra la evolución del pintor a través de 200 obras, objetos y telas de otros artistas

El laboratorio de la multinacional Shell ha colaborado en el estudio de los pigmentos




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El 40 aniversario de la apertura del Museo Van Gogh, en Ámsterdam, ha servido para aclarar el mayor de los equívocos que rodea al pintor: “no fue el genio instantáneo que creíamos sino que trabajó muy duro para entender la técnica y el uso del color de su arte”. Lo dice Rik van Koetsveld, director gerente del centro, que se despide de su cargo con una muestra desmitificadora. Titulada Van Gogh en su taller (Van Gogh at work) sigue la evolución del artista a través de 200 obras y objetos propios, así como telas de sus contemporáneos, entre ellos Gauguin y Toulouse Lautrec. Como el promedio de edad del visitante del centro es de 32 años, la exposición combina salas clásicas de cuadros colgados en la pared, con presentaciones listas para que participar en el proceso creativo.


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Van Gogh Museum, Amsterdam

Hay un microscopio para llegar a las entrañas del lienzo, moldes transparentes superpuestos para ver los diferentes motivos pintados bajo la pintura definitiva, y retales de lienzo en sus diversos estados de preparación. El objeto más entrañable, de todos modos, es su caja de ovillos de lana de colores. El pintor los usaba para guiarse cuando mezclaba tonos. El problema es que trabajaba sin descanso, y la falta de dinero le llevó a utilizar a veces pinturas de baja calidad que no han resistido bien el paso del tiempo. El mejor ejemplo es la serie de cerezos en flor. En los tres originales, las flores eran rosas. El tiempo las ha dejado blancas y chocan junto a una obra similar, esta sí en rosa fuerte, firmada en 1888 —como los del holandés— por el danés Christian Mourier Petersen.


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Visitantes en el Van Gogh Museum, Amsterdam.

Lo que hoy llamaríamos reciclado de materiales no termina ahí. Cuando Van Gogh no tenía lienzos, aprovechaba trapos de cocina. Y cuando estaba desesperado, daba la vuelta a un lienzo ya utilizado y pintaba otra cosa por detrás. El museo presenta tres de estos ejemplos en sendas vitrinas. El resultado es fascinante. El motivo pintado no siempre corresponde a la misma época, así que por un lado aparecen, por ejemplo, unas patatas de su época holandesa, oscuras y con mucho empaste. Del otro, un autorretrato de azules luminosos más próximos a la etapa francesa. Su ritmo febril de trabajo acaba arrancando la sonrisa del espectador. Olvidaba el viento al pintar una marina al aire libre, como aprendió de los impresionistas, y la arena se pegaba en la tela para siempre. Envolvía la tela en papel de periódico para su transporte, y quedaba marcada la huella de la tinta. Ambos extremos han sido analizados a fondo para la muestra con ayuda del laboratorio científico de la multinacional Shell.


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Van Gogh Museum, Amsterdam. Vista de una sala

El museo ha conseguido que la National Gallery, de Londres, ceda la primera versión de Los girasoles. Muy satisfecho, la presenta junto a una posterior, de su colección. Es la joya de la corona dada su fama y porque ilustra la evolución de un mismo motivo. Hay cinco girasoles de Van Gogh en el mundo y todos son distintos. El dormitorio en Arles, cedido por el Instituto de arte de Chicago, y el retrato de Père Tanguy, prestado por el museo Rodin, de París, cumplen la misma función educativa. Sin embargo, las joyas de coleccionista son los cuadernos de esbozos y dibujos y acuarelas de Van Gogh. Poco expuestos dada su fragilidad, ilustran su minucioso de su enfoque artístico, lo mucho que analizaba cada cuadro, y como pasa de dibujar mal a pintar con maestría, para acabar casi en la abstracción. Como en la tela Raíces de árboles, de 1890. La última de su vida. La muestra estará abierta hasta el 12 de enero y solo podrá verse en Ámsterdam.



Van Gogh vuelve a su casa


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'Autorretrato pintando, 1887-1888'. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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'La casa amarilla' ('The street'), 1888. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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La obra de Paul Gauguin 'Van Gogh pintando girasoles', de 1888. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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Estudio para 'Los comedores de patatas', de 1885. Este cuadro tiene dos caras, ya que en el otro lado Van Gogh pintó en 1887 un autorretrato. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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Y este es el autorretrato que se encuentra en la otra cara del estudio para 'Los comedores de patatas'. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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'La cosecha', de 1888. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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Y otra versión de la obra, también de 1888. Colección privada. Museo Van Gogh


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'Girasoles', de 1889. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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La versión original de 'Los girasoles', pintada un año antes, en 1888. National Gallery de Londres


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'El dormitorio en Arles', de 1888. Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam


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Otra versión del artista de 'El dormitorio de Arles', de 1889. Instituto de arte de Chicago. Colección Helen Birch Bartlett


Fuentes: elpais.com / Vincent van Gogh Foundation. Van Gogh Museum, Amsterdam / Instituto de arte de Chicago. Colección Helen Birch Bartlett / National Gallery de Londres / Colección privada. Museo Van Gogh






Los secretos de la pintura del holandés Vincent van Gogh (1853-1890) se ponen al descubierto en una exposición con la que el museo que lleva el nombre del artista ha reabierto tras una renovación que ha durado seis meses y coincidiendo con el 160 aniversario del nacimiento del autor de 'Los Girasoles'. Una visita inexcusable para los turistas que visiten Amsterdam y que gusten del arte. Yo lo visité en 2007 y quedé impresionado, y eso que fue una visita rápida.


j.luis [ Martes, 09 Julio 2013, 11:32 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Tres detenidos por intento de estafa en la compra de un Van Gogh

La dueña de la obra recibió un pagaré sin fondos como anticipo de la venta por 300.000 euros


Agentes de la Policía Nacional han detenido en Valencia a dos hombres de 34 y 62 años como presuntos autores de los delitos de falsedad documental y estafa en grado de tentativa, ya que según se desprende de las investigaciones, intentaron comprar un cuadro del pintor Vincent Van Gogh por 300.000 euros por medio de un pagaré bancario sin fondos. Por los mismos hechos ha sido arrestado otro hombre de 29 años, al que se le imputa un delito de estafa en grado de tentativa.

La investigación arrancó después de que a una mujer residente en Murcia se le endosara un pagará sin fondos por la venta de un cuadro de Vincent Van Gogh. La propietaria de la obra llegó a un acuerdo con un supuesto representante de una empresa de construcción valenciana para adquirir el cuadro por un precio de 300.000 euros. A la hora de formalizar el contrato, éste le entregó un pagaré por 40.000 euros en concepto de señal, emitido a nombre de la empresa. Cuando fue a hacer efectivo el pagaré, la mujer se encontró con que carecía de fondos.

El pagaré pertenecía a una serie que había sido robada del interior de una furgoneta de la empresa de construcción. Los administradores de la firma, según las pesquisas, en principio no sabían nada acerca de la compra del cuadro, aunque posteriormente la Policía comprobó que un empleado de la constructora estaba implicado.

La Policía identificó y localizó en Valencia al hombre que entregó el pagaré y a un colaborador. Ambos fueron detenidos como presuntos autores de un delito de falsedad documental y otro de estafa en grado de tentativa.

Los agentes averiguaron luego que los arrestados habían recibido el pagaré de uno de los administradores de la empresa de construcción, el cual se lo habría facilitado de forma voluntaria para realizar el pago fraudulento, por lo que fue detenido como presunto autor de un delito de estafa en grado de tentativa.

Los detenidos, dos de ellos con antecedentes policiales, fueron puestos en libertad una vez se les tomó declaración.


elpais.com


j.luis [ Jueves, 18 Julio 2013, 11:49 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Provenza, el gran circo del arte


Dos exposiciones reactualizan la eterna imagen del soleado sur de Francia como meca creativa

Van Gogh, Picasso y Matisse son sus símbolos principales




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Terraza de café por la noche, Place du Forum, Arlés (Terrasse du café le soir, Place du forum, Arles) Vincent van Gogh, 1888
Pintura al óleo, 81 cm × 65.5 cm. Museo Kröller-Müller, Otterlo, Flag of the Netherlands.svg Países Bajos

Sucedió durante el largo invierno de 1888. Insatisfecho con su existencia en París y con graves problemas de inspiración, Vincent van Gogh decidió subirse a un tren con destino a Marsella. Nadie sabe exactamente qué le impulsó a apearse en Arlés, pero puede que aquel transbordo cambiara para siempre la historia del arte.

Van Gogh quedó fascinado por un clima de una suavidad insólita y por una luz que hacía vibrar los colores y acentuaba el contraste de formas y siluetas. “Gozamos de un calor maravilloso y poderoso, sin ningún viento. De un sol y de una luz que, a falta de mejor apelación, solo puedo cualificar de amarilla. De un amarillo azufre pálido, de un amarillo limón pálido”, escribió a su sufrido hermano Theo, mientras inmortalizaba los campos de trigo camargueses y luego experimentaba con verdes ácidos y naranjas fluorescentes en una serie de obras mayores en su trayectoria. Van Gogh tuvo una idea brillante: invitar a sus correligionarios a instalarse en la región para fundar “un gran atelier del Midi”. Es decir, una comunidad artística instalada en la Provenza y constituida por los grandes nombres de la época. “El futuro del arte moderno está aquí”, les advirtió. Ese gran taller nunca llegó a buen puerto, pero a Van Gogh no le faltaba razón. Su viaje sería emulado por decenas de artistas que, a lo largo de casi un siglo, colonizaron la costa francesa para reinventar su pintura.

Una doble exposición en Marsella y Aix-en-Provence celebra hasta el 13 de octubre el papel de la región provenzal como tierra de acogida de artistas. Lo hace a través de una espectacular selección de 200 obras, firmadas entre 1880 y 1960 por artistas como Cézanne, Gauguin, Matisse, Renoir, Bonnard, Signac o Picasso. La muestra es uno de los platos fuertes de la capitalidad europea de la cultura (que Marsella comparte, simulando ser buena hermana, con su histórica archirrival Aix e incluso con el resto de la región) e indaga en la relación entre la creación artística y la geografía que la hospedó, atribuyendo a la costa norte del Mediterráneo un papel fundamental en la experimentación de colores y formas que precedió a las vanguardias.

La muestra doble en el museo Granet de Aix y en el Palacio Longchamp de Marsella permite a los amantes del comparatismo recorrer los lugares que esos artistas, protagonistas de un surtido anecdotario, frecuentaron o plasmaron sobre el lienzo. También sirve para explorar el poderoso mito de la Provenza, que sigue siendo percibida como reducto de un modo de vida pintoresco en vías de extinción, gracias en gran parte a los paisajes idealizados de los propios pintores, por los que decenas de oficinas de turismo siguen dando gracias a los dioses.


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Ambiente veraniego en el superviviente Café Van Gogh de Arlés. / J. P. Degas

Sin ir más lejos, resulta curioso que una ciudad como Arlés saque tanto partido a los quince meses que Van Gogh pasó allí hace más de un siglo, teniendo en cuenta que casi lo echaron a patadas. El pintor logró convencer a Gauguin para que se uniera a su causa, pero la sana emulación existente entre ambos terminó convertida en un odio en estado puro. La convivencia acabó durando tres meses y terminó con la más célebre de las leyendas. Después de una pelea entre ambos, Van Gogh tuvo la ocurrencia de cortarse una oreja y regalarla a una de las prostitutas que frecuentaba.

Si Gauguin no era capaz de aguantarle, sus vecinos todavía menos. En 1889 circuló por la ciudad una petición que exigía que fuera expulsado de su perímetro. El artista holandés terminó recluido a pocos kilómetros, en el sanatorio de Saint-Rémy. Atrás dejaba 185 cuadros y un centenar largo de dibujos pintados en menos de año y medio. “Ese pobre holandés”, diría más tarde Gauguin. “Estaba todo ardiente y entusiasta. Se había metido en la cabeza que el Midi iba a ser algo extraordinario”. Pese a todo, antes de abandonar Arlés, el desencantado Gauguin dejó pintado un buen puñado de paisajes camargueses (por ejemplo, Les Alyscamps, reflejo de un oscuro hipnotismo de la necrópolis romana de la ciudad), que demuestran que el influjo provenzal tampoco le dejó del todo indiferente.

“Si todos esos artistas abandonaron París para instalarse aquí, fue porque sintieron la necesidad de renovarse”, comenta el comisario de la muestra en Aix, Bruno Ély. “La aventura impresionista había acabado y tenían que cambiar de paisaje para enfrentarse a nuevos retos sobre el lienzo. La Provenza supuso una nueva paleta de colores e incluso una nueva forma de mirar. Fue casi como volver a empezar de cero”. Como dejó dicho el pintor Maurice de Vlaminck, “el secreto de la pintura consiste en olvidar y volverse puro”.

Puede que esta repentina pasión por el sur sea menos súbita de lo que intenta hacer creer la muestra, y que se trate más bien de una variante actualizada del tour que todo artista debía hacer casi obligatoriamente por las grandes ciudades italianas a partir del siglo XVII. O bien un reflejo semejante al que llevaría a los románticos a abrazar el helenismo o el españolismo, dirigiéndose a tierras situadas en los confines con el exotismo. Lo mismo sucedía con Marsella, calificada por el pintor Pierre Puvis de Chavannes en 1868 como “colonia griega y puerta de Oriente”, pese a que ya no fuera ni una cosa ni la otra. Igual que otros se habían marchado a Roma y a Pompeya, los artistas de entresiglos se subieron a la línea de tren, recién inaugurada, que unía París con Marsella y luego recorría la Costa Azul hasta llegar a la frontera italiana.

Ya hacía más de un siglo que la Provenza se había convertido en territorio venerado por su luz, su clima y su belleza. Pero fue durante la década de 1880 cuando el éxodo se volvió casi generalizado. Lo protagonizaron artistas que aspiraban a trabajar con esa célebre luz mediterránea, pero también a conducir una vida en comunión con la naturaleza, lejos del mundanal ruido de la ciudad y ajena a la industrialización incipiente.

El Midi francés se erigió en paraíso terrenal donde el sueño hedonista se volvía posible. Para algunos no fue un exilio, sino un retorno. Único provenzal de su generación, Cézanne decidió volver a su tierra y se instaló en L’Estaque, antes de regresar a su Aix-en-Provence natal, donde estudió junto a Émile Zola. Allí retrató hasta 80 veces la mítica montaña de Sainte-Victoire, que conocía desde su más tierna infancia. En general, desde lo alto de su estudio de los Lauves o en el Jas de Bouffan, una mansión de tres pisos comprada por su padre, aprendiz de sombrerero reconvertido en adinerado banquero, con quien el pintor mantuvo relaciones execrables, ya que la pintura le parecía cosa de pobres y desgraciados. Si se pide educadamente y con cierta antelación, es posible visitar la casa y su jardín, donde Cézanne pintó algunas de sus obras, lejos de los círculos parisienses en los que nunca logró integrarse. Modesto y arisco, Cézanne alcanzaría la gloria ya mayor, al regresar a Aix cuando pintores jóvenes y consagrados emprendían largos viajes para visitar su hogar, como quien va a consultar a un oráculo.


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Una de las salas de la exposición que el museo Granet de Aix-en-Provence dedica a los artistas que se afincaron en la Provenza. / SAM MERTENS

Por ejemplo, Monet y Renoir recorrieron la costa hasta Ventimiglia e hicieron escala en L’Estaque para visitar al maestro en este puerto cercano a Marsella, con vistas espectaculares sobre su bahía. Aunque siempre prefirió Giverny, Monet escogió Antibes como base temporal de operaciones y pintó tres decenas de cuadros en poco más de tres meses, que le ayudaron a perfeccionar su trabajo sobre el reflejo de la luz —“tuve que llegar a las manos con el sol”, reconoció el pintor—, mientras que Renoir se instalaba en Cagnes, pueblo costero descubierto en 1898 y en el que terminaría sus días. Veinte años atrás, durante un viaje a Argelia, el pintor había quedado fascinado por la luz mediterránea y las costumbres de los autóctonos, que dijo reencontrar en la costa francesa.

Bonnard quedaría vinculado para siempre a Le Cannet, mientras que Signac se convertía en un asiduo del Saint-Tropez mucho antes de su reconversión en capital del pijerío turístico. Tras haber frecuentado Collioure en compañía de Derain durante la breve pero intensa aventura del fauvismo, Matisse decidió asentarse durante casi tres décadas en Niza, ciudad que le rinde homenaje durante este verano con una extensa retrospectiva en el museo que lleva su nombre.


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Matisse, en su estudio del hotel Régina de Niza, delante de sus célebres gouaches sobre papel. / AFP

En la localidad vecina de Saint-Paul de Vence, el anciano Matisse, incapaz de caminar y enfermo de una bronquitis que había venido a curarse, deambuló bajo los naranjos y tomó el té de las cinco en su propio coche, al tiempo que Cary Grant visitaba las galerías de arte y Simone Signoret vivía su romance con Yves Montand, que solía jugar a la petanca frente al Café de la Place.

Otro mediterráneo de adopción fue Picasso, que no solo pasó temporadas en Ceret, Antibes, Cannes, Vallauris, Arlés, Avignon, Menerbes, Saint-Juan-les-Pins y Mougins. Obsesionado por Cézanne, a quien consideraba “algo así como un padre” pese a no haberle frecuentado, compró el castillo de Vauvenargues para poder tener vistas directas sobre la montaña de Sainte-Victoire, donde sería enterrado junto a su última esposa, Jacqueline.

Entre todos ellos lograron configurar un territorio prácticamente mitológico, a partir de una representación embellecedora de la realidad imitada, marcada por el hechizo provenzal de quienes sostenían paleta y pincel. En ella quedaron proscritas las referencias a la modernidad, las chimeneas de la industrialización incipiente (a excepción de Braque y Duffy, que les cedieron un espacio, discreto pero visible, en un par de cuadros) y también las primeras oleadas de inmigración, si exceptuamos las roulottes arlesianas de Van Gogh y algún que otro retrato de gitanas, aunque respondieran más a la identificación del artista con los pueblos nómadas —ambos eran, al fin y al cabo, bohemios— que a una voluntad de denunciar la vida en los márgenes.


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Pablo Picasso, caracterizado de payaso en su finca La Californie, en la localidad de Vauvenargues, en la Provenza. 1957. / David Douglas Duncan

“El éxtasis experimentado también provocó cierta ceguera. A estos pintores no les gustaba ver las fábricas, sino las mimosas y los almendros”, argumenta la otra comisaria de la muestra, Marie-Paul Vial, directora de l’Orangerie de París. “Al huir de la ciudad en dirección al sur, los pintores persiguen un paisaje idealizado y preservan una imagen del Mediterráneo como cuna de la civilización grecorromana. Se trata de una especie de Arcadia reencontrada, donde todo lo que no responde a ese ideal queda desestimado, con muy pocas excepciones”, añade Vial. Por ejemplo, Renoir nunca quiso pintar su mansión en Cagnes, porque le parecía “demasiado moderna”. Y Bonnard se quejaba, en los años cuarenta, de lo feas que le parecían todas las fábricas levantadas en las afueras de Cannes. Hasta el punto de resultar algo reaccionarios: preferían pintar la vegetación de sus minúsculos jardines que los cambios a los que asistía el mundo. Los temas clásicos, el bucolismo virgiliano y los reflejos apolíneos, también aparecen en cuadros que describen una tierra rural a salvo del progreso industrial y bañada por una luz purificadora. Sin embargo, como sostiene la muestra, puede que sin la luz provenzal el paso a la abstracción no hubiera llegado a la misma velocidad. La intensidad luminosa diluía las formas y permitía una experiencia subjetiva del color, lo que conducirá a los pintores a negar el academicismo y, a la larga, la figuración. Al regresar de una escapada en la Riviera, Monet se dijo incluso asustado por el azul omnipresente del cielo y el mar, fundidos en un punto invisible del horizonte, que le obligaban a descodificar el espacio de una manera nueva. “Nadamos en un aire azul. Es sobrecogedor”, dijo a sus amigos Duret y Geffroy. Nicolas de Staël aseguraba que fue en la Provenza donde logró ver pintado el mar, por primera vez, de color burdeos.


elpais.com


j.luis [ Lunes, 26 Agosto 2013, 16:19 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Un ‘van gogh’ (en 3D) por 25.000 euros


El museo del artista en Ámsterdam y Fujifilm presentan las primeras copias tridimensionales de obras del holandés



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'Los girasoles' (1889), uno de los cuadros de Van Gogh que se reproducen en 3D. / MUSEO VAN GOGH

La textura de los cuadros de Van Gogh, plenos de rugosidades y capas de pintura, son una de las señas de identidad del pintor holandés. La otra es la fascinación creada por su atormentada vida y trágica muerte en 1890, a los 37 años, en la localidad francesa de Auvers-sur Oise. Trasladados al mercado del arte, ambos rasgos le han convertido en uno de los artistas más conocidos y cotizados del mundo. Para los que quieran, pero sobre todo puedan, acercarse aún más a su obra, el museo de su nombre en Ámsterdam ofrece ahora réplicas de sus cuadros en 3D. Denominadas Relievo, sus precios oscilan entre los 15.000 y los 25.000 euros, y para obtenerlas, el centro ha firmado un contrato exclusivo con la firma Fujifilm. Juntos han desarrollado la Reliefografía, una técnica de reproducción que combina el escáner tridimensional con una impresión de alta resolución. Lanzada en Hong Kong en julio, y a la venta ya en Holanda, esta nueva colección de van goghs incluye cinco cuadros: Los girasoles (1889), Almendro en flor (1890), La cosecha (1888), Bulevar de Clichy (1887) y Trigal bajo la tormenta(1890). Con el tiempo, el catálogo se ampliará.

“No vendemos las copias en la tienda del museo porque no podemos manejar sumas tan abultadas aquí. Las copias en 3D sí pueden obtenerse en las oficinas, situadas a un paso de la sala. Y ya ha habido llamadas interesándose por ellas”, aseguran en el centro de la capital holandesa, que acaba de renovar sus instalaciones. Para evitar fraudes, las réplicas vienen avaladas por un conservador y cuentan con un sello irrompible que certifica su procedencia. Pero tal vez la mayor sorpresa sea su aspecto final. Un Relievo es un cuadro completo, por delante y por detrás, con las marcas dejadas por el tiempo en la madera y la tela. La pintura reproduce el color y brillo del óleo original. Pero hasta el marco, en el caso de Los girasoles, parece auténtico, con su decoración dorada ya oscurecida. De momento, la edición de cada cuadro se limitará a 260 copias.

“Esperamos que el mercado acoja con entusiasmo este producto único”, ha señalado Richard Tackx, director de ventas de Fujifilm Belgium, propietaria de la técnica y fabricante de las reproducciones. “El museo es una empresa cultural en busca de nuevos mercados y quiere estar a la cabeza de los últimos avances tecnológicos”, añade la propia sala. Adelantándose a los posibles críticos de un recuerdo pensado para ricos, su director, Axel Rüger, aborda las reproducciones como un paso lógico. “Vistas las posibilidades de la impresión en 3D, aplicarla al arte supone el siguiente paso obvio. Con los Relievo, las piezas artísticas son más accesibles. Y la misión de un museo es llegar a la mayor cantidad posible de gente”, ha dicho.

De todos modos, el lanzamiento del nuevo producto en Hong Kong denota el cuidadoso estudio de mercado previo realizado. Van Gogh es uno de los artistas occidentales más estimado en Asia, y el puerto chino es la lanzadera ideal para alcanzar lugares como Pekín, Singapur o Tokio.

El pintor holandés llegó a coleccionar hasta 500 láminas de artistas japoneses hoy consideradas un tesoro por su guardián, el museo de Ámsterdam. No en vano, el pintor llegó a escribir en 1888 a su hermano, Theo, en los siguientes términos: “En cierto modo, todas mis obras están basadas en algo del arte japonés”. Van Gogh no parecía creer en ese momento en el futuro del arte moderno, y las estampas decorativas niponas, centradas en el ciclo de las estaciones del año y la naturaleza, le marcaron. Dado a las emociones extremas, aseguraba incluso: “Me siento en Japón con estas imágenes junto a mí todo el tiempo”. Si bien otras colegas impresionistas expresaron también su admiración por las imágenes japonesas, ninguno conserva hoy su tirón entre los turistas de Japón.

El museo holandés no habla de cifras, pero sí admite “el gran interés mostrado por el público” en la presentación de Hong Kong. Parte del dinero obtenido se destinará a financiar el nuevo ala y la nueva entrada del museo en Ámsterdam. Otra partida será para educación en las escuelas.

Hace un año escaso, el propio museo holandés lanzó una muestra con animaciones en 3D que presagiaban, o tal vez preparaban ya el terreno, para los Relievo. Titulada Van Gogh, mi exposición soñada, incluía siete vídeos tridimensionales en los que el motivo elegido por el artista parecía moverse. Así, las ramas de Almendro en flor se mecían al viento, y el vuelo de los negros cuervos de Trigal bajo la tormenta resultaba casi amenazador. “Es el trabajo que vio el pintor mismo”, señalaba el catálogo entonces. Unos pocos podrán incluso tocarlo a partir de ahora.


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Un detalle de la parte trasera del Relievo de 'Los girasoles'. / MUSEO VAN GOGH



Repaso al negocio


El Museo Van Gogh presenta las copias en 3D, los Relievo, como el producto más avanzado del mercado del arte.

Las reproducciones son un cuadro entero certificado por un conservador oficial para evitar ventas fraudulentas.

Los girasoles (1889), Almendro en flor (1890), La cosecha(1888), Bulevar de Clichy(1887) y Trigal bajo la tormenta (1890) son los primeros Relievo. Según responda el mercado, en próximo años se copiarán otros cuadros del holandés.

Coleccionistas rusos, estadounidenses, chinos y japoneses pueden ser los compradores iniciales.

Van Gogh coleccionó hasta 500 estampas japonesas. El japonismo influyó a los impresionistas, pero su representante más admirado hoy en Japón es el pintor holandés.

De cada cuadro se realizarán hasta 260 copias, y los precios fluctuarán entre 15.000 y 25.000 euros.


elpais.com



El negocio es el negocio.


hyperborea [ Lunes, 26 Agosto 2013, 17:22 ]
Título del mensaje: Re: VAN GOGH
Gracias por compartir la noticia, es curiosa. El pobre Vincent que casi no ganó ni un chavo en vida con su pintura, y mira ahora sacan dinero de sus obras a espuertas. Supongo que es normal que apliquen este tipo de impresion 3d a obras artisticas que tienen tanta textura, pero un original siempre es un original




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